LA COMUNA

EN UN LUGAR… DE PERALTA

2012-01-29T19:30:00.006+01:00

Ha sido una experiencia de lo más estimulante y enriquecedora que he vivido últimamente: ser invitado a la inauguración de la primera “Rockoteca” que se establece en una biblioteca pública del estado español, la Rockoteca “En Un Lugar De La Marcha” de Peralta, en Nafarroa.

Hace ya algunos meses se puso en contacto conmigo Juan Manuel García, responsable de la Biblioteca Pública de Peralta para explicarme su idea de crear un espacio cultural consistente en organizar una biblioteca audiovisual, en la que por un lado se pueda consultar, leer y tener en préstamo libros cuya temática básica sea el mundo del rock y todas sus ramificaciones, -algo no muy habitual por desgracia en muchísimas bibliotecas públicas- desde biografías de músicos y grupos a métodos técnicos para aprender a tocar instrumentos, ensayos, libros de fotos, colecciones de revistas musicales, etc. así como discos de rock, videos, dvs´s y todo tipo de soportes, relacionados siempre con el rock.

La idea me pareció tan buena y Juanma me transmitió su entusiasmo y su ilusión por el proyecto con tal convicción que de inmediato me puse a su disposición para ayudar a desarrollar el proyecto en todo lo que fuera preciso y poco tiempo después, me invitaba oficialmente a presentar mis libros (Barón Rojo, Rolling Stones, Metallica, Led Zeppelin, etc.) en la Rockoteca, que se inauguraría con una charla coloquio que daríamos allí junto a mi amigo el fotógrafo Domingo J.Casas, quien además de ceder unas magníficas fotos de Pink Floyd a la Rockoteca, presentó allí conmigo una exposición fotográfica de 30 años del rock estatal, junto a otros buenos amigos, la gente de Insolenzia, que en plena gira de presentación de su último disco-libro ‘Me Quema El Sabor De Tus Ojos”, hicieron un concierto acústico alli al terminar nuestra charla. Además de una nutrida cantidad de gente interesada por esta iniciativa, tuve el placer de saludar allí a Alfredo de Barricada y a Aurora de Tahúres Zurdos, que vinieron a la presentación y pasaron un rato magnífico allí con todos nosotros. También Pere Homs, el director de mi editorial, Quarentena Ediciones de Barcelona, se desplazó allí para ofrecer un stand de novedades editoriales –Historia del Rock Japonés, El Shock Rock, Bruce Springsteen en España, etc.- y para cerrar un acuerdo de cooperación con la Rockoteca.

Además del excelente trato que tanto Juanma como sus amigos de la Asociación Cultural Minnuendo, unos auténticos locos del rock sinfónico y progresivo que también están haciendo una excelente labor como promotores de conciertos por toda la zona nos dispensaron, y lo agradable que resulta conocer nuevos amigos y hablar con ellos sobre música, discos, libros y proyectos, conocer a gente que comparte esa pasión por la música y que tiene ganas de hacer cosas, de involucrarse en iniciativas para apoyar la música desde un espacio público como puede ser una biblioteca, y además hacerlo frente a una magnífica comida regada con buen vino de la tierra y unos excelentes pacharanes, me ha parecido muy importante dar el máximo apoyo y la mayor difusión posible a una iniciativa como esta por muchas razones, pero fundamentalmente por una En un momento tan aciago como el actual, en el que desde todas las administraciones públicas se está acometiendo unos recortes de toda clase de inversión pública de proporciones descomunales, y siendo la inversión en cultura la primera a la que se le ha sometido al tijeretazo, es todo un ejemplo a seguir – o debería serlo- el hecho de que un Ayuntamiento como el de Peralta siga apoyando la cultura musical cediendo un espacio público para la creación, la lectura y el intercambio acerca de una manifestación cultural como el rock, nunca apoyado por las instituciones oficiales. Los impulsores de la Rockoteca han entendido que el rock es no solo un estilo musical con más de medio siglo de historia y trayectoria cuya proyección social y mediática en todo el mundo es innegable, sino que a lo largo de esos más de 50 años ha creado unas referencias estéticas, un arte, una filosofía de vida, unos iconos, que lo han convertido en una cultura con una personalidad propia, una presencia global en el mundo y cuya proyección en el mundo de la fotografia, el cine, la literatura, la moda, el diseño, y muchísimas más ramas de la cultura es de primerísimo orden.

Desarrollar esta idea, difundirla, y dotar con ello al rock del reconocimiento cultural que merece es una tarea en la que yo personalmente estoy totalmente implicado, y comprobar como desde la base, desde una asociación cultural y desde el trabajo honesto y dedicado de personas del entorno público como Juanma, se pueden crear espacios y plataformas para trabajar en esa dirección, no puede resultarme un motivo de mayor satisfacción. Para todos los interesados en conocerla mejor, esta situada en la Biblioteca Pública de Peralta, C/ Tremoya, 3 (Casa de Cultura) 31350 Peralta-Azkoien (Navarra) y su número de teléfono es el 948 75 32 10

Ojalá que las actividades de la Rockoteca continuen a buen ritmo y ojalá que muy pronto pueda volver por allí.

EVOLUCION, TECNICA E IMAGINACION: EL ROCK PROGRESIVO (I)

2012-01-10T23:26:00.005+01:00

El Rock Progresivo (progressive rock, prog-rock) nace como género musical dotado de una personalidad y de unas características propias en torno al año 1970. Como en otros casos, bien por la experimentación instrumental y la evolución musical de algunos grupos preexistentes, como por el incipiente éxito de bandas que desde el primer momento van a cultivar esta nueva forma de entender el rock, ya desde finales de la anterior década existe una tendencia que es en este año cuando va definitivamente a cristalizar en un nuevo estilo.

El adjetivo progresivo alude tanto al carácter innovador que tuvo inicialmente el género (concebido como un paso adelante en el progreso, sobre todo a nivel compositivo y técnico de la música rock) como a la importancia que concede a la progresión musical: uno de sus clichés más característicos es el paso gradual, progresivo, de una sonoridad bucólica (acústica, medievalizante, folk, modal, de tempo lento) a otra urbana (eléctrica, tensa, acelerada, con influencia del blues y del jazz). Las composiciones progresivas se caracterizan principalmente por el uso de movimientos, como en las obras de música clásica, la adición paulatina de nuevos instrumentos que van desarrollando el conjunto de la pieza y la improvisación, cercana a menudo a los cánones del Jazz.

Se pueden considerar entre las características más importantes del género la abundancia de canciones largas, álbumes conceptuales, un acusado virtuosismo de los instrumentistas, y un uso prominente del melotrón y otros sintetizadores. Del mismo modo, fundamentalmente en la estructura de las composiciones existe una notable influencia del minimalismo, en tanto que es muy frecuente encontrar en los extensos temas de los grupos progresivos un elemento de carácter repetitivo e hipnótico, potencialmente inductor del trance. En este sentido, el rock progresivo conecta, en opinión de cierto sector de la crítica musical, con la psicodelia del periodo 1966-67 pudiendo considerarse muchas composiciones del género como música creada para acompañar el viaje psicodélico o reproducir, sin ayuda química, su estructura y efectos. Una línea de evolución desde el pop psicodélico hacia el rock progresivo se constata así claramente en grupos como Pink Floyd o The Moody Blues y aunque no todos estos rasgos se dan siempre, constituyen una constante en las bandas que establecieron el género, como Genesis, Emerson, Lake & Palmer y Yes.

Aunque es muy difícil en ocasiones establecer la diferencia dada la evidente proximidad entre ambos estilos, el rock progresivo es un estilo diferente del convencionalmente llamado rock sinfónico. El adjetivo, la consideración de grupo de rock sinfónico no viene dada tanto por las características antes aludidas del progresivo, sino por la sonoridad orquestal, las melodías y armonías ampulosas y una influencia más acusada en ese sentido de la música clásica más que del minimalismo. Canciones como “She's Leaving Home”, de los Beatles, “Nights In White Satin”, de The Moody Blues, o “A Salty Dog” de Procol Harum, mediante el uso de secciones de cuerda u orquestas completas, pueden considerarse como precedentes del Rock sinfónico.

En 1969 uno de los discos de mayor éxito en todo el mundo y que marcó claramente una de las líneas maestras de evolución que el rock progresivo seguiría, fue el legendario debut de King Crimson con su ‘In The Court Of King Crimson.

Contra todo pronóstico, y a pesar de varios cambios de formación –entre ellos la marcha de Greg Lake para formar E,L&P- King Crimson reafirman y avanzan sobre lo hecho en su magna obra de debut en un segundo disco igualmente excepcional y que marcha un hito en el prog-rock: ‘In The Wake Of Poseidon’

Caso similar resulto ser el de Jethro Tull. Su álbum de 1969, ‘Stand Up’ fue otra de las revelaciones de año, obtuvo ventas muy por encima de lo esperado y la crítica hablaba del disco en términos muy elogiosos por la innovación y la originalidad que Ian Anderson había conseguido en la práctica totalidad de las canciones del álbum. Ese espíritu ecléctico, en el que sobre una base de rock clásico muy standard elementos del folk y del blues creaban una atmósfera musical realmente singular, se repitió en su álbum de 1970, ‘Benefit’. Un disco que no logró igualar los buenos resultados de ventas de ‘Stand Up, aunque su calidad es innegable y fue el telón de una exitosa gira por Estados Unidos durante el verano de aquel año.

En el mundo del rock progresivo se dio el primer caso de lo que con frecuencia la prensa musical denominaba un “super grupo”, y este no fue otro que Emerson, Lake & Palmer. El teclista Keith Emerson venía de The Nice, el bajista Greg Lake de King Crimson y el batería Carl Palmer de Atomic Rooster. Incluso, en la primavera de 1970, cuando el grupo se estaba formando y haciendo sus primeras sesiones y ensayos, hubo charlas y contactos con Jimi Hendrix para que se uniera a ellos. Hubo algunos periodistas ingleses que se atrevieron incluso a adelantar que el nuevo supergrupo se llamaría HELP (Es decir, tomando la inicial de cada uno de sus miembros, Hendrix, Emerson, Lake & Palmer) aunque finalmente tal proyecto no se llevaría nunca a cabo.

El debut discográfico del trío fue el excelente álbum ‘Emerson, Lake & Palmer’, otra de las obras maestras del rock progresivo, en la que junto a la famosísima balada “Lucky Man”, el grupo grabó piezas de un virtuosismo y de un barroquismo extraordinarios, como la adaptación de una composición para piano de Bela Bartok titulada “The Barbarian” o el no menos elaborado “The Three Fates”.

Emerson Lake & Palmer lograron alcanzar un éxito comercial casi inmediato con este disco de debut. Pero antes de su edición en diciembre de 1970, tal fue la expectación creada en torno a ellos que actuaron aquel verano en el Festival de la Isla de Wight y realizaron durante el mes de septiembre una celebrada gira europea, en el marco de la cual grabaron un especial para televisión para el programa “Beat Club” de la Televisión alemana aún sin haber editado su primer disco.

CUENTO ROCKERO DE NAVIDAD: HONKY TONK WOMAN Y UNA NOCHEBUENA STONE

2011-12-24T19:16:00.003+01:00

Para muchos, estos días son los del 25 de diciembre fun, fun, fun, o los del Feliz Navidad de Boney M – ja, ja…¿os acordáis de los Boney M, en TVE en el “Apaluso” del Fradejas y la Silvia Tortosa, con aquellos trajes de lentejuelas y la pandilla de pringadillos haciendo como que bailaban como si estuvieran en una discoteca…?- o los del Hacia Belén Va Una Burra... (cargada de chocolate)…

Si, es inevitable. Es la “feliz falsedad” de la que hablaban Soziedad Alkóholica. Días que tienen un sentido espiritual y de celebración –que respeto, por supuesto- para los creyentes, y de espuma pseudofeliz y consumista para el resto, yo entre ellos. No soy creyente y yo personalmente no celebro nada estos días, excepto el disfrutar de algo de descanso y la llegada del solsticio de invierno, que implica para mi que los días vuelven a empezar a ser más largos, y ello me estimula mucho… ahora bien, aunque por todo esto nunca he sido especialmente propenso a celebrar las navidades, guardo un recuerdo muy especial de una nochebuena. La nochebuena de 1981, una nochebuena Stone. Puramente Stone.

Una nochebuena a la que esta íntimamente unida una canción: “Honky Tonk Woman”.

La historia comenzó –quienes me conocéis ya lo sabeis- muchos años antes, pero a comienzos del otoño de 1981, recién vuelto de vacaciones, cuando aún nos quedaban ronchas de moreno playero típico de vacaciones de agosto, desde que llegaron a revistas como Popular 1, Rock Espezial –que publicó su número 1 en septiembre de 1981- o incluso a las columnas de la prensa generalista –El País, Diario 16 o Ya- las primeras crónicas de la gran gira americana de presentación de Tattoo You de los Rolling Stones, y los incesantes rumores acerca de que esa misma gira llegaría a Europa en el año siguiente, todo, absolutamente todo giraba para mí alrededor de los Stones.

Pinchamos incesantemente en nuestros rudimentarios tocadiscos –yo en concreto, tenía un Philips monoaural de casa de mis abuelos que llevaba el altavoz incorporado al estuche- de aquella época hasta rayarlo aquel Tattoo You que se había puesto a la venta coincidiendo con el final de aquel verano de la neumonía tóxica y la resaca de la intentona golpista del 23-F, así como el Exile On Main Street, el Begars Banquet, el Sticky Fingers o el It`s Only Rock´n´Roll, devorábamos cada “Musical Express” de los domingos en la Segunda Cadena de TVE esperando que Angel Casas comentase en aquel programa algo relacionado con esa gira europea y los posibles conciertos en España, o grabando, cuando caía, algun video-clip como el de “Hang Fire”, “Waiting On A Friend” o “Start Me Up”, y cada noche entre semana, como si de un ritual se tratase, escuchábamos ansiosos aquellas emisiones de esa primigenia radio en FM de la que ya os he hablado en programas como el “Mariscal Romero Show”, la “Emisión Pirata” o “El Búho Musical” noticias de esos esperados conciertos en España, o simplemente, canciones.

Y en estas, entre examen de ciencias naturales que va y examen de historia de 1ºdel antiguo B.U.P. que viene, llegó la navidad. Y aquella nochebuena, en la clásica cena con la familia, para sorpresa mía, mi padre apareció con un regalo para mí cuidadosamente envuelto en aquel típico papel verde de los envoltorios de “El Corte Inglés”. Era un doble disco llamado 30 Greatest Hits de los Rolling Stones, que evidentemente había comprado para mí por consejo de mi hermano (gracias, Javier).

Mi padre, que no sabía absolutamente nada acerca del rock, e inclusive veía mi afición a esta música con gran preocupación, porque pensaba que tras el rock se escondía un imaginario mundo de drogadicción y depravación casi diabólico -no os sorprendáis tanto algunos… en 1981, mucha gente de las generaciones que habían crecido bajo las tinieblas del franquismo, pensaban que la música de los melenudos era demoniaca o terrorista- aún con todas esas ideas equivocadas, no podía sustraerse a dejar que pasase inadvertida mi pasión por el grupo de Mick Jagger y Keith Richards.

Y a pesar de todo, y por primera y única vez en su vida, me regaló un disco de los Rolling Stones. En la nochebuena de 1981.

Aquel 30 Greatest Hits era un doble recopilatorio muy especial: era una edición puesta a la venta exclusivamente para el mercado español, en la cual solo se incluían temas de la época Decca de los Stones, tales como “Paint It Black”, “Let´s Spend The Night Together”, “Satisfaction”, “Get Off My Cloud”, “Sympathy For The Devil”, “She´s A Rainbow”, “Mother´s Little Helper”…y dos temas de Sticky Fingers (?) como “Brown Sugar” y “Wild Horses”. Y evidentemente, “Honky Tonk Woman”. Yo creo que Mick Jagger ni siquiera se enteró de la edición en España de este recopilatorio… sinó, menuda la que hubiera armado.

Todavía puedo recordar a la perfección aquella gélida nochebuena, -si no recuerdo mal, de madrugada llegó a nevar, aunque casi no cuajó- en la que entre el pavo, el cava y los turrones, sonó de fondo “Honky Tonk Woman”. Yo aún no la tenía en ninguno de los Lp´s de los Stones con los quye había podido hacerme hasta ese momento, tan solo en una colección de singles, y esa noche, la escuché y la disfruté con locura. Puse aquel disco que me habían regalado una y otra vez después de la cena, hasta que, ya bien entrada la madrugada, mi pobre padre se fue a la cama pidiéndome que no lo pusiera muy alto, con una mirada en la que se podía entrever que para sus adentros pensaba “Dios mío… ¡qué he hecho regalándole este disco!”

No sé porque razón, pero aquella noche entre “Honky Tonk Woman” y quien suscribe estas líneas, se estableció una especie de cordón umbilical. Cuando se la ví y se la escuché a los Stones en los conciertos del Vicente Calderón de 1982, en seguida me acordé de aquella nochebuena… porque tal y como todos esperábamos, después de aquellas navidades, hacia finales de febrero o marzo de 1982, ya se anunció que los Rolling Stones actuarían en España. Y ahí, como ya he contado otras veces, empezó otra historia…

Viejo, querido viejo, estés donde estés, efectivamente no sabes la que liaste aquella nochebuena del 81. Y esta nochebuena, por supuesto escuchando “Honky Tonk Woman”, brindaré por ti. Y esperaré que como pasó en el 81-82, muy pronto pueda publicar o comunicar en la radio que los Rolling Stones vuelven a estar de gira, y que una vez más volveré a disfrutar y a vivir la sobredosis de adrenalina, rock´n´roll, sentimientos, recuerdos, amistades, complicidades y emociones que como siempre digo, solo se sienten, solo pueden sentirse cuando aparece en el escenario Keith Richards, con el cigarrillo pegado a sus labios, pega una patada al aire y golpea en su telecaster el riff de “Start Me Up”, “Jumpin´Jack Flash” o “Brown Sugar”.

Y brindaré por todos los stonianos, y por los Stones… y sobre todo, por mi stoniana favorita (la Jaumot)

Keep On Rockin’

UNA MIRADA ACONVENCIONAL AL CINE DE LOS AÑOS 70: KEN RUSSELL

2011-12-10T21:51:00.002+01:00

El pasado 27 de noviembre falleció en su Hampshire natal, en Inglaterra, el director de cine Ken Russell, un cineasta que se caracterizó siempre por su espíritu transgresor, aconvencional, rupturista, algo que le hizo ganarse la admiración en general del público de gustos más heterodoxos como contrapartida a la profunda animadversión que su visión del cine despertó en la crítica de cine especializada.

Aunque siempre me gusta ver una película con un cierto espíritu crítico –crítico en el sentido de analizar la película, desmenuzarla, buscar en ella referencias, imágenes o frases que me lleven a descubrir las influencias de su director o su guionista, no en el sentido de señalar sus defectos o imperfecciones a priori- en este comentario no me voy a poner en el papel de crítico de cine. Técnicamente hablando, hay gente mucho más preparada que yo en esa materia, y por tanto, lo que quiero compartir con vosotros es mi visión de Ken Russell a la luz de su obra, que tiene mucho que ver con la música –tanto la música clásica como el rock- y con una forma de hacer películas que con independencia de que fuera más afortunada en unos casos que en otros, fue siempre original y personalísima.

Comenzó su carrera en el mundo de la imagen como fotógrafo de documentales en los años 50 al lado de muchas de las personalidades del fenómeno del Free Cinema inglés –Tony Richardson, Richard Lester, Lindsay Anderson- , lo que le llevó a trabajar en la BBC, donde ya en los años 60 se consolidó tanto en su faceta de director de documentales como de producciones para televisión. Ya desde esta primera etapa encontró en la música la principal fuente de inspiración para sus ideas cinematográficas, realizando en 1965 la controvetida The Debussy Film –película onírica, surrealista y contracultural, en cuya escena inicial aparece una mujer a la que se acribilla a flechazos, una intencionada referencia a la obra musical El Martirio de San Sebastian de Claude Debussy- para seguir con Isadora Duncan, the Biggest Dancer in the World, realizada en 1967, y en esa misma línea innovadora y rupturista con los arquetipos tradicionales, la polémica La Danza de los Siete Velos, que él mismo definió como “un cómic en imágenes sobre los siete episodios clave en la vida de Richard Strauss” y cuya exhibición en los cines provocó en 1970 una sesión de preguntas en el Parlamento británico, así como la indignación de los familiares del compositor, quienes lograron la retirada y la prohibición de la exhibición de la película en toda Europa, prohibición que actualmente sigue en pie so pretexto de que en la película existía –muy veladamente- una vinculación de la obra de Strauss con el nazismo.

En la década de los 60, además de sus iconoclastas biografías sobre compositores, destacó su docudrama de 1962 Pop Goes The Easel, una personalísima panorámica acerca del Pop Art, realizada con un estilo narrativo y cinematográfico absolutamente revolucionario, cuya influencia reconoció abiertamente Stanley Kubrick en La Naranja Mecánica. Sin olvidar, por supuesto, Un Cerebro de Un Billón de Dólares de 1967, una singular y sorprendente adaptación de un best-seller del escritor Len Deighton sobre el mundo del espionaje inglés en la guerra fría y Mujeres Enamoradas, película por la cual Glenda Jackson logró el Oscar de 1970 a la mejor actriz protagonista y en la que Russell rompió con uno de los tabúes hasta este momento intocables en el cine: la exhibición de un desnudo masculino total.

En los 70 Ken Russell se consagra como director de éxito multitudinario al tiempo que polémico y para las mentalidades más conservadoras, escandaloso y provocador: En 1970 logra otro éxito sin precedentes con The Music Lovers, una revolucionaria biopic sobre el compositor homosexual Tchaikowski, y un año más tarde, The Devils, otra controvertida película que escandalizó a la jerarquía católica por su visión de la iglesia como un estado en el que predomina la corrupción, y que por desgracia, por las presiones de los sectores religiosos y ultraconservadores, nunca ha sido exhibida ni en América ni en Europa con su metraje original. Menos problemas en este sentido tuvo su excepcional Mahler, biopic sobre el conocido músico, que en muchos aspectos ya prepara el camino a Tommy y que es una sorprendente manera de fusionar música e imágenes construyendo una narración llena de contrastes y de originalidad.

Pero su éxito mayor llega de la mano de Tommy, su adaptación al cine de la genial Opera Rock creada en 1969 por los Who, cuyo cantante Roger Daltrey asume el rol protagonista junto a actores como Oliver Reed, Ann Margret, Paul Nicholas o Jack Nicholson y con la participación de músicos como el propio batería de los Who Keith Moon o de Eric Clapton, Tina Turner o Elton John. Nominada a los Oscars en el apartado de mejor banda sonora y mejor actriz –Ann Margret- logró un éxito de taquilla espectacular en todo el mundo, especialmente en Estados Unidos a lo largo de todo el año 1975.

Película intencionadamente alejada del planteamiento del Tommy original de 1969 –por expreso deseo de Pete Townshend, quien precisamente eligió a Ken Russell para hacer la versión cinematográfica de Tommy con la idea de que éste le diera una orientación diferente, que ayudase al propio Townshend a liberarse del peso que Tommy se había convertido en su carrera-, y a pesar de que fue uno de los iconos de mi adolescencia, entiendo que vista con la perspectiva de hoy, tiene momentos realmente kitsch, y su estética, muy propia de aquel colorido histriónico de los 70, la haya hecho envejecer mal. Aún así, siempre destacaré del Tommy de Ken Russell su espíritu vanguardista –entendido con la mentalidad del momento- y algunas secuencias para mi memorables, tales como la onírica ceremonia en la Iglesia en la que Eric Clapton, sumo sacerdote del culto a Marilyn Monroe, trata de curarle de su bloqueo en una suerte de misa orgiástica con drogas y alcohol, la psicodélica escena con la Reina Del Acido, el trágico final con Tommy escalando la montaña, huyendo de si mismo y sobre todo, las animaciones de “Amazing Journey”. Estoy convencido que las animaciones de Gerald Scarfe y Alan Parker de las secuencias de The Wall cuando muestran las escenas de guerra y los aviones de bombardeo como crucifijos, están inspiradas directa o indirectamente en la secuencia de “Amazing Journey”.

El cantante de los Who Roger Daltrey también protagonizó ese mismo año Lisztomania, película denostada –injustamente- por la crítica en la que Russell aborda la vida del compositor Franz Liszt en contraposición con Wagner, a quien Russell retrata como un precursor del nazismo y al que caracteriza como un vampiro. Lisztomania fue un ejercicio de subversión de estilos, de transgresión narrativa y de imaginación desbordante, delirante, que a pesar de ser incomprendida por la crítica, me parece una película original, divertida, con un aire rockero innegable y en cuya banda sonora hizo un trabajo de una calidad extraordinaria un verdadero mito del rock progresivo: Rick Wakeman, teclista de Yes. En otro paso adelante dentro de la innovación técnica que aportó en esta década el cine de Ken Russell, tanto Tommy como Lisztomania fueron las primeras películas que se proyectaron en cines con pistas de audio codificadas en Dolby para escuchar mejor tanto la banda sonora como la música incidental.

En los 80, aunque la estrella de Russell empezó a declinar, en la que fue su última producción en Estados Unidos, La Pasión de China Blue (1985), volvería a dejar buena cuenta de su original forma de retratar personajes atormentados y de entremezclar sexo, religión, tabúes… impagables las interpretaciones en esta película, que espero algún día la crítica de cine entienda y aprecie en su justa medida, del falso predicador Anthony Perkins –imposible no recordar su papel de Norman Bates en Psicosis- y de Kathleen Turner, la prostituta que lleva una enigmática doble vida. Bajo mi punto de vista, Gothic, de 1986 –una visión surrealista y crispada de Lord Byron- sería su última gran obra para la gran pantalla.

Como en el caso de otros muchos directores, el establecimiento del cine como una macroindustria comercial basada en la obtención del beneficio máximo en tiempo record y con el mínimo riesgo, hizo virtualmente imposible que el tipo de cine a contracorriente que Ken Russell hacía tuviera la más mínima viabilidad comercial en América a partir de los 90. Diversificaría entonces su trabajo en otras áreas de la imagen –dirigió, por ejemplo, el famoso video-clip “Nikita” de Elton John- y volvió a centrarse en hacer producciones para la televisión.

Su cine, o por lo menos su cine de mayor éxito, el que dejára una huella más o menos profunda en generaciones posteriores pertenece a los años 60 y 70, años cuyo arquetipo estético y visual hoy es muy difícil de entender si no se han vivido, aunque sea tangenciamente, motivo por el cual gran parte de sus películas acusan fuertemente el paso del tiempo. Las generaciones que han crecido con otra concepción del cine tan radicalmente opuesta a la que Ken Russell podía representar, en modo alguno se sienten identificadas con sus historias. Pero volver a verlas es siempre un ejercicio de reencuentro y de apreciación de un tipo de lenguaje cinematográfico, de visión del cine, de un estilo sumamente personal propio como muy pocos de una época muy determinada, la última época en la que se pudo hacer, con éxito, repercusión y apoyo de la industria, cine experimental, cine que rompía con los esquemas tradicionales y que tanto formalmente como en todos los demás aspectos, proponía otras alternativas, otra forma de contar historias.

Ken Russell fue uno de los últimos supervivientes de aquella época del cine, hoy desterrada por el 3-D, los ordenadores, los constantes remakes como fórmula rutinaria de hacer dinero rápido y los técnicos de marketing ocupando el papel de los guionistas. Pero al menos, nos quedan sus películas en DVD y en algún que otro ciclo especial en la Filmoteca.

¿UN POCO DE POESIA? LAS MEDIAS BLANCAS, DE ISLA CORREYERO

2011-12-04T02:13:00.004+01:00

Isla Correyero fue una presencia mágica, misteriosa y señorial, a un tiempo que seductora y sorprendente en unas reuniones que allá por los últimos años de la década de los 80, mantuve con un grupo de poetas - o más bien, de aspirantes a- y que como bien decía una amiga mía a la que por cierto, le inspiró un poema casi lésbico- tal era la fascinación que su verbo, su mirada y sus versos causaban en nosotros- presidía desde su suprema estancia de poetisa juegos malabares de palabras, sensaciones, recuerdos y -en mi caso- generosas copas de coñac o dobles de whisky.

Era -y apuesto q que lo sigue siendo- suave, sugerente y sexual. Pero siempre tuve la sensación de que Isla Correyero era un tesoro sin abrir, y un universo poético cuya lectura solo podía estar reservada a quienes ansiaran vivir una experiencia iniciática. Siempre sospeché de ella que ocultaba tras sus ojos rasgados y su elegancia nada afectada, secretos que se adivinaban al calor de su discreto aire de mujer fatal.

Todas mis sospechas y ensoñaciones sobre ella encuentran respuesta en sus maravillosos poemas, que no me canso de leer, y en este caso, de compartir con todos vosotros. Por favor, apagad el móvil, cerrad la puerta, acomodáos y disfrutad de estos versos.

LAS MEDIAS BLANCAS

Tengo unas medias blancas de encaje que me pongo
cuando me visto el traje negro de los recuerdos.
Son unas medias finas, hambrientas de fantasmas
que hacen juego con pájaros interiores, oscuros.

Las piernas, penetradas por estas bocas blancas,
levemente se abren con signos vegetales.
Los hilos amanecen mi piel,
brotan, perdiéndose,
entre los elevados pensamientos más íntimos.

En derredor: imágenes de ocupación pelviana,
soberbias latitudes desde el puente atestiguan
la entraña y las enaguas levantadas al vuelo.

¡Qué holgada está la tela de la falda de flores,
la rodilla suavísima con olor a naranjas!

Por los muslos se agrandan los dibujos henchidos,
son copos invisibles calcinando altas cumbres.
Me infunden sobresaltos, me clavan dulces flechas,
tan finas son las mallas que saltan los engarces
y hasta el ocre desierto los poros me rezuman
feroces destinos, presagios entreabiertos.

Siento flores y manos crecer entre las piernas
y más arriba el musgo
tapando el azulón vellón de la albufera.

No podía ponerme estas medias sabiendo
la gracia que se esconde, generosa en tu boca.
Espomosas persisten, sin causa me rodean,
temibles de tu roce, sin fatiga,
explorando.

LOS GRANDES BOOTLEGS DE LOS ROLLING STONES: BRUSSELS AFFAIRE’73

2011-11-19T03:53:00.015+01:00

Según se ha sabido a través de www.keithrichards.com - ¡gracias por el soplo, Mariscal! - los Stones, en esta fiebre que les ha entrado de reeditar en nuevas versiones revisadas y ampliadas su discografia oficial, están haciendo lo propio con parte del abundantísimo material pirata que existe de ellos, tanto en forma de conciertos grabados en directo como de los llamados discos de “outtakes”, es decir, de canciones grabadas para determinados discos que finalmente no entraron y que han quedado inéditas . Lo mismo que han hecho a otro nivel Bob Dylan, Pearl Jam o Bruce Springsteen, ahora lo hacen los Stones, y desde luego para empezar, no podían haber elegido mejor pieza: Nada menos que uno de los conciertos más unánimemente aclamados de aquella gira europea de septiembre-octubre de 1973, en la que presentaban en directo su nuevo disco de aquella época, Goats Head Soup, cuyo single “Angie” fue el primer nº1 de ventas de los Rolling Stones en España. El inolvidable show del Forum National de Bruselas, Bélgica, celebrado el 17 de octubre de 1973.

Es como si me hubieran leído el pensamiento: junto a Philadelphia Special‘72, Aux Les Abbatoirs París’ 76 y Madrid’82, es de mispiratas en vivo favoritos de los Stones, y contiene la versión en vivo de mi “Midnight Rambler” más brutal que les he escuchado jamás. ¡Dinamita Pura!

Este disco ha sido tradicionalmente conocido por varios nombres: Brussels Affaire’ 73, Live In Brussels’ 73, o sobre todo, Bedspring Symphony, que de hecho fue la primera grabación de este concierto que yo pude comprar allá por 1981 en la legendaria tienda Discos Melocotón de la calle Toledo en Madrid, muy cerca del Rastro.

Luego os aclararé algunos detalles de las diversas versiones y denominaciones que se contienen en este singular pirata. Primero, creo que cabe explicar algo acerca de cómo fue aquella gira del 73, que comenzó el 1 de septiembre en el Stadhalle de Viena, Austria, y terminó el 19 de octubre en el Deutchsland Halle de Berlín Occidental tras haber recorrido Austria, Alemania, Inglaterra, Escocia, Suiza, Dinamarca, Suecia, Holanda y Bélgica. El personal de gira que tocaba cada noche con los Stones, además de Mick, Keith, Taylor, Bill y Charlie, se componía de Nicky Hopkins e Ian Stewart en los teclados, y Jim Price, Trevor Lawrence y Bobby Keys en la sección de viento.

Los teloneros de la gira eran Kracker, un grupo de funk-rock norteamericano al estilo Santana en el que había algunos músicos de Florida cubano-americanos producidos por Jimmy Miller, el mismo productor de los Stones y Billy Preston, que formaría parte de la propia banda de los Stones en directo en 1975 y 1976, y que ya en esta misma gira intervino en algunas actuaciones del grupo como invitado.

Esta gira europea se hacía con los ecos en toda Europa de lo que había sido el legendario Stones Touring Party del verano de 1972 en Estados Unidos, y aunque aún no existía Internet, ni facebook, ni esas redes sociales que hoy transmiten las noticias en cuestión de segundos, se sabía del inmenso éxito que los Stones habían logrado en América y del mito que se había creado en torno a aquel monumental tour. Por tanto, ellos eran conscientes de que en Europa, y muy especialmente en Inglaterra, había que mantener el soberbio nivel del tour del 72, y aun contando con el hecho de que Keith Richards y Bobby Keys pasaban un periodo crítico en su adicción a la heroína, los Stones se aplicaron a ello, y cuando se escuchan las grabaciones piratas de esta gira –además de Bruselas, tengo las grabaciones de los conciertos de Manchester y Rotterdam, y os asguro que se escucha, se siente, SE VIVE Y SE RESPIRA a unos Stones en esos conciertos demoledores, tremendos, inmensos- se nota que cada noche se dejaban la piel en escena.

Los shows del Forum National de Bruselas –porque fueron dos, uno de tarde y otro de noche, como hacían en sus primeras giras por Inglaterra a comienzos de los 60- era especialmente emotivos para el grupo por varias razones, pero por una quizá muy especial: Aquella gira europea fue la única en toda su historia en la que no hicieron ningún concierto en Francia debido a los problemas legales que Keith tenía con la justicia francesa derivados del registro de su casa de Nellcotte y las detenciones que los Stones sufrieron acusado de posesión de drogas a finales del 72 en suelo francés, de manera que para los conciertos de Bruselas, se fletaron varios autobuses desde París y se reservó un cierto número de entradas solo para los fans franceses que viajaron hasta Bruselas para poder ver al grupo allí. El grupo, consciente de ello, hizo un show en todos los sentidos espectacular, que siempre se ha recordado, sobre todo en el caso del primer concierto, el de la sesión de tarde, como la actuación más apoteósica de los Stones de aquella gira europea.

Este fue el tracklisting de la actuación, y el que se recoge en Brussels Affaire’73.

1. Brown Sugar (w/Introduction) 3:56

2. Gimme Shelter 5:33

3. Happy 3:14

4. Tumbling Dice 5:04

5. Star Star 4:16

6. Dancing With Mr. D 4:38

7. Heartbreaker 5:03

8. Angie 5:15

9. You Can't Always Get What You Want 11:01

10. Midnight Rambler 12:53

11. Honky Tonk Women 3:12

12. All Down The Line 4:21

13. Rip This Joint 2:25

14. Jumping Jack Flash 3:27

15. Street Fighting Man 5:15

Acerca de otras versiones que existen de la grabación de estos shows, Bedspring Symphony contiene en la primera edición de vinilo, que es la que yo adquirí el concierto de Brussels Affaire’73, -aunque las versiones de “Tumbling Dice” y “You Can´t Always Get What You Want” están cortadas- aunque en ediciones posteriores, así como en las sucesivas ediciones de viinilo, se incluyen temas extraídos de los conciertos de Rotterdam, Newcastle y de la segunda noche del Empire Pool de Wembley, Londres el 9 de septiembre, la actuación que fue retransmitida por radio para la King Biscuit Flower Hour.

Por su parte, Live In Brussels 1973 es exactamente el mismo disco que Brussels Affaire’73 –una maniobra de despiste a la que jugaban a menudo los fabricantes de los discos piratas- y fragmentos de las grabaciones del primer show de Bruselas 73 se pueden escuchar también en otros piratas que mezclan varias actuaciones del 73, como Back To The Graveyard o Bedspring Symphony Revisited –este último un bootleg más que recomendable- , aunque eso sí… la fiereza, la potencia y la garra rockera, sucia, guitarrera, genuinamente Stone de las versiones incluídas en esos discos de “Midnight Rambler” y “All Down The Line” son de Bruselas, y se reconocen al primer guitarrazo de Keith y al primer redoble de Charlie…

Vuelvo a insistir en un dato: A aquellos seguidores de los Stones a los que os guste “Midnight Rambler”, y como es mi caso, la tengáis entre vuestras favoritas, os digo de verdad una cosa: Creo tener una buena selección de versiones en vivo de ese clasicazo de los Stones, de diferentes épocas y diferentes giras, y NINGUNA tiene la fuerza rockera, NINGUNA tiene la inspiración satánica/celestial de un Mick Taylor irrepetible, NINGUNA saca de las tripas de de Mick Jagger esa crudeza blues al cantar, NINGUNA tiene a un Charlie tocando con una potencia, un ritmo y una velocidad que deja enano a cualquier batería de Heavy Metal…NINGUNA versión en vivo de “Midnight Rambler” es tan genial como la de Bruselas’73. Solo por eso, ya merece la pena hacerse con este “bootleg oficial”.

Ojalá que lo disfrutéis, y ojalá que pronto se auncie la gira y… bueno, paro ya. ¡Que grandes son!

Los Stones, siempre los Stones…

SU TA GAR EN MADRID: ESKERRIK ASKO!

2011-11-07T03:31:00.005+01:00

Diez años después, tras toda esa muralla de mentiras, cazas de brujas, intoxicación mediática y ataques rabiosos de las cavernas mediáticas, que nunca lograron vencer el ánimo y la solidaridad de los que siempre creímos en Su Ta Gar, en su ejemplo de honestidad, de compromiso, de lealtad a sus seguidores, de coherencia con sus ideas y sobre todo, en su profesionalidad y en su entrega como grupo encima de un escenario, pudimos vivir en la noche del pasado viernes 4 de noviembre una nocherealmente fabulosa. Derribado ese muro de mentiras, de demagogias y de falsedades, Su Ta Gar volvieron a tocar en Madrid ante el calor, el apoyo y el afecto de quienes -yo entre ellos, lo digo sin reserva alguna- somos sus fans y deseábamos volver a disfrutar en esta villa capitalina de sus espectaculares conciertos.

Como periodista, quizá debiera en este artículo ejercer de tal, y hablar de lo que fue el concierto a nivel técnico, cuanta gente entró, como estuvo el grupo en lo que se refiere a la fuerza con la que tocaron sus temas, en otras palabras, lo que debe ser una crítica periodística. Pues perdonadme, pero hoy no lo voy a hacer. Lo que quiero en estas líneas, antes que redactar una crónica -hay compañeros ya encargados de eso- es transmitiros otra sensación, mucho más subjetiva si quereis, lo reconozco, pero profunda y radicalmente sincera. Lo que quiero en estas líneas, en la medida de lo posible, es transmitiros la sensación de energía, de intensidad, de potencia que mis amigos eibartxarras nos dispararon desde arriba del escenario, y como disfrutamos de la fuerza de su actuación, que fue descomunal. A nadie que le guste el auténtico Heavy Metal en vivo,

debe perderse nunca una descarga de Su Ta Gar.

Vi el concierto desde muy cerca del escenario, y puedo aseguraros que se podía ver en sus caras la satisfacción que también suponía para ellos que en Madrid se les recibiera con ese afecto y ese entusiasmo, impresión que corroboré cuando después del concierto, tuve oportunidad de charlar con ellos. Especialmente emotivo recordaré siempre el momento en el que Aitor hizo mención a la situación en la que vivimos hoy, en el que se ha abierto por fin un camino para la paz en Euskalherría, y como ello les llenaba de esperanza y optimismo a ellos como vascos nacionalistas de izquierda, esperanza que comparto plenamente con ellos.

Un experiencia sensacional, un reencuentro por fin en mi ciudad con unos amigos entrañables, unos músicos a los que que admiro tanto por su dureza, su contundencia y su brutalidad en directo como por su personalidad y su actitud en este venenoso mundo del rock business y que me ha dejado con un monazo tremendo de volverles a ver...

Jo Ta Ke, Irábazi Arté!!

CLASICOS DE ORO CONTEMPORANEOS: BECK,BOGERT & APPICE (1973)

2011-10-31T23:30:00.009+01:00

Con motivo de la reciente actuación en Madrid de Vargas, Appice y Shortino, he sacado de las estanterías más altas algunos de esos viejos vinilos de colección para refrescar las versiones originales de las canciones que el grupo iba a tocar en el concierto de la Sala Caracol, y evidentemente, he tenido que irme al disco que en gran medida, es el que inspiró este proyecto de Vargas, Bogert & Appice: el B.B&A de la fabulosa base rítmica de Cactus nada menos que con Jeff Beck.

Tras la edición de dos discos en 1971 y 1972 de una nueva versión del Jeff Beck Group en la que tuvieron más peso músicos procedentes del soul y del jazz que anticipó en cierto modo lo que sería la carrera de Beck en solitario a partir de la edición de Blow By Blow en 1975, y rotos Cactus, la primigenia idea de montar un grupo con los ex – Vanilla Fudge Tim Bogert y Carmine Appice volvió a adquirir sentido y a partir de septiembre de 1972 el trío empezó a ensayar y a preparar lo que sería la grabación de Beck, Bogert & Appice entre diciembre de 1972 y enero de 1973.

El resultado de esta nueva aventura musical fue un discazo sensacional, clásico de clásicos absoluto y en el que el trío se lanza a hacer un Hard Rock denso, duro y cargado de feeling sobre una base blues muy bien estructurada, que ya desde el primer tema “Black Cat Moan” establece con toda claridad los parámetros musicales en los que nos vamos a mover: temas muy fuertes, muy duros, en los que habrá claras reminiscencias blues y más de una concesión a un tipo de rock más experimental, más en consonancia con esa inquietud musical que caracteriza a Jeff Beck y que desarrollará ampliamente en el futuro. Un claro y significativo ejemplo del espíritu musical que informa este disco es “Lady”, un tema en el que conviven a la perfección el afán experimentador del guitarrista y la orientación rock más clásica de Bogert y Appice, con más de un guiño musical muy evidente a Cactus.

Inolvidable la sensacional versión que el grupo hace del “Superstition” de Stevie Wonder, y en donde su instrumentación y su sonoridad lo convierten, de ser un tema de funky/soul en todo un tema de Hard Rock, aunque sin duda, con un groove y un aroma jazz-soul fabuloso coronado por uno de los mejores solos de guitarra de la trayectoria de Jeff Beck en los 70. En un plano más tranquilo, no se debe olvidar la balada “Sweet Sweet Surrender” –muy similar al “I Shall Be Released” de Bob Dylan- y volviendo al más puro Hard Rock, “Why Should I Care”, “Lose Myself With You” y “Livin’ Alone” un rock´n´roll con aire muy clásico, y en donde nuevo, Beck se luce como el inmenso, el gigantesco guitarrista que es.

Un maravilloso disco, una obra que dejó una profundísima huella en el Hard Rock de los 70 y que atesora un verdadero caudal de talento, brillantez y genialidad.

LAS GRANDES DESCARGAS EN VIVO DE LA HISTORIA DEL ROCK ESPAÑOL (III): FESTIVAL DE ROCK SAN SEBASTIAN DE LOS REYES

2011-10-23T17:55:00.007+02:00

Asfalto, Leño, Barón Rojo, sábado 11 de junio de 1983

Un gran concierto, que también ha quedado como uno de los más grandes de nuestra historia por varias circunstancias. Aquella fue la primera actuación importante en el centro de Asfalto con su nuevo cantante, Miguel Oñate, una de las últimas de Leño fuera de aquella gira “Rock De Una Noche De Verano” que hicieron durante aquel verano del 83, y la presentación a grandes niveles de ‘Metalmorfósis’, el nuevo Lp de Barón Rojo que se había puesto a la venta a primeros del mes de mayo.

Personalmente, recuerdo que tuve noticia de aquel festival en el concierto de Saxon celebrado en el Pabellón de Deportes del Real Madrid a través de una octavilla que se repartía a la entrada. Recuerdo también que todavía tenía el susto en el cuerpo después de haber sido testigo de la brutal carga de la policía a caballo, con porrazos, gases lacrimógenos y reparto de hostias –sin consagrar- contra quienes estábamos en la cola del concierto so pretexto de que la cola había invadido la calzada y dificultaba el tráfico. Según la leí, me dije…esto hay que verlo. Y a pesar de que tenía al lunes siguiente un examen final de geografía e historia de 2º del antiguo B.U.P, y tras una acalorada discusión con mi padre, me fui para allá.

Desde hacía muchos meses no había habido en Madrid ni en sus inmediaciones un potente festival de rock como este, y desde la capital hubo una buena cantidad de autobuses que trasladaron a muchos fanáticos heavys hambrientos de una buena descarga, aunque no así a la vuelta, que fue una odisea que ya comentaré al final del artículo. Un total de 15.000 personas llenaron hasta arriba la Plaza de Toros de la localidad madrileña para ver un concierto que sin pretenderlo, acabó siendo histórico por muchaas razones.

El concierto había sido organizado directamente por el ayuntamiento de San Sebastian de Los Reyes, dirigido en 1983 por una coalición PSOE-PCE en la que el concejal de cultura y festejos, un legendario personaje al que en el mundillo del rock se le conocía por su apellido, Matamoros- nunca llegué a saber cual era su nombre de pila- un dirigente local del PCE, como la mayoría de mis camaradas comunistas en aquel momento, era sensible al deseo que se sentía entre la juventud obrera de Madrid en 1983 de ver en sus fiestas populares conciertos de rock, de rock fuerte, duro, como el que esos tres históricos grupos representaban, y por tanto organizó aquel gran festival, insisto, histórico aún a pesar de la precariedad de medios y las deficiencias de las que adoleció . Ahora que lo recuerdo, y sin ninguna intención de caer en nostalgia lacrimógena… joder, que distinto era aquel Madrid y sus pueblos de lo que es ahora…

Volviendo al concierto, se abrió la fiesta con más de una hora de retraso sobre el horario previsto con unos Asfalto inconmensurables, que habían iniciado el camino de la independencia discográfica y aquel concierto era también en cierta manera la presentación de aquel legendario álbum. ‘Mas Que Una Intención’. Me impresionó muchísimo no solo la potencia de voz, sino la presencia, las tablas, y la personalidad de frontman de Miguel Oñate, que le inyectó en aquel momento a Asfalto una fuerza y una energía tremendas, además de una imagen rompedora super impactante- Miguel parecía una versión años 80 de los mejores Robert Plant o Roger Daltrey- y aquellas interpretaciones de “La Paz Es Verde”, “Richie (Estrella del Rock)” o “Tenías Razón” se han quedado en mi memoria como una de las veces en las que más disfruté de aquellos Asfalto, porque además también sabía cantar temas como “Ser Urbano” con una fuerza que te estremecía. Inolvidable. Asfalto estuvieron sensacionales, con un Miguel Oñate que ardía en ganas de demostrar sus poderes como frontman en un momento en el que el grupo había vuelto con un entusiasmo y un rollo frescos, renovados y excelentes.

A la banda de Julio Castejón siguió en el escenario Leño, presentados por Mariano García y por la Abuela Angeles, quienes hicieron otro de sus grandes conciertos, cuando ya circulaban por el ambiente musical madrileño rumores sobre las desavenencias existentes en el seno de la banda y había quien se atrevía a vaticinar su cercana desaparición. A destacar que Leño gozaron de mucho mejor sonido que Asfalto aun dentro de un sonido que en general era una sinfonía de acoples, saturación, etc. tremendos.

Yo había visto a Leño por primera vez un año antes en la presentación de ‘Corre Corre’ en el Pabellon con unos pletóricos Alarma!!! de teloneros –joder, con un Manolo Tena del que siempre dije que era toda una rock star, y así lo demostró después- y me habían fascinado. Aquella vez en SS de los Reyes también me gustaron, pero se notaba que ya no existía la misma química entre ellos. Cuando en octubre anunciaron el final de la banda, por desgracia, no me extrañó. Un mes más tarde les ví con Miguel Ríos en el concierto del Estadio de Vallekas y la sensación fue la misma. Eso sí, a pesar de todo, flipé aquella noche con sus versiones de “Cucarachas” y “Sorprendente”, que les salieron de fábula.

Y como cierre de la fiesta, Barón Rojo en sus buenos tiempos, en sus mejores tiempos rompiendo absolutamente con todo, haciendo estallar en directo temazos como “Tierra De Vándalos”, “El Malo”, “Se Escapa El Tiempo” y todos los que integraban aquella obra maestra llamada ‘Metalmorfósis’, además de unas versiones en directo sensacionales de “Resistiré”, “Larga Vida al Rock´n´Roll” y “Con Botas Sucias” en las que tanto Sherpa como Carlos de Castro se dejaron la garganta en carne viva, al tiempo que Hermes Calabria hizo uno de los solos de batería más demoledores que había visto nunca hasta entonces. ¡Qué grandes eran aquellos Barones!

Por los sucesivos retrasos entre actuación y actuación el concierto termino pasadas las tres y media de la madrugada. Fue materialmente imposible coger el único autobús que salió con dirección Madrid centro al acabar el concierto –una vez más y para variar, la policía disolvió a porrazos la aglomeración que se creó junto a la parada y no nos quedó más remedio que emprender la marcha hacia Madrid caminando por el arcén de la carretera, con la custodia de varias lecheras de la madera vigilando que no fuéramos a cometer ningún acto delictivo en mitad de una carretera despoblada por la que no pasaba ni un coche… aunaque eso sí, si pasaba alguno, se le saludaba al estilo heavy de la época ¡y aceleraba como si hubiera visto al diablo!

Recuerdo también que en esa marea humana que íbamos caminando hacia Madrid, llenos de buen rollo por haber disfrutado de aquel concierto, de vez en cuando alguien te ofrecía una calada de hierba o de chocolate, un trago, una broma, comentarios sobre como había estado cada grupo… más de una vez lo he comentado, en aquellos años, entre la peña de del Heavy en Madrid, y supongo que del mismo modo en otras ciudades, existía un calor humano, una solidaridad, una camaradería, una complicidad que nos hacía sentirnos miembros no de una “tribu urbana”, como se decía en la prensa generalista, sino de una hermandad, una colectividad, una comunidad, incluso una familia. Sin divisiones estúpidas entre “blackmetaleros” y “truemetaleros”, sin guerras infantiles en foros de internet, sin todos los “jevis” engordando el culo pegados al ordenador, sino haciendo amistad y comunidad saliendo a la calle, yendo a conciertos, hablando cara a cara con la gente y sin importarle a nadie si tu camiseta era de Obús, Iron Maiden, Rainbow, Rolling Stones, Led Zeppelin o Motörhead. Si estaba allí, era un colega que disfrutaba del mismo rollo que tu y eso ya bastaba para sentirte unido a él. Lástima que eso se haya perdido…

A pesar de la charla que tuve con mi padre cuando llegñue a casa casi a las 7 de la mañana, por el subidón que tuve al disfrutar de aquella noche inolvidable, me pasé el domingo empollando como un cabrón… ¡y saqué en aquel examen de geografia e historia un 8,5!

GRANDES CONCIERTOS DE LA HISTORIA DEL ROCK ESPAÑOL (II): TOPO, PRESENTACION 'MAREA NEGRA', PRIMAVERA DE 1983

2011-10-15T00:30:00.005+02:00

El legendario cuarteto madrileño había conseguido editar a través de CBS su nuevo disco, ‘Marea Negra’, en el otoño de 1982. El grupo, que había atravesado un largo periodo de inactividad, volvía a la carretera y en la primavera del año siguiente, presentaba este nuevo disco en un concierto que resultó histórico por muchas razones.

En primer lugar, se eligió como local para hacer el concierto el antiguo Cine Ideal de Madrid de la Plaza de Benavente, muy cerca del Rastro y la calle Huertas, que por aquellos años era famoso en todo el territorio nacional por organizar unos célebres maratones de cine de terror de más de 12 horas, y en los que se montaban concursos alucinantes con preguntas tipo: “¿cuantos muertos por degollamiento hay en total en la proyección de las películas Viernes 13, Aquella Casa Al Lado del Cementerio y La Matanza De Texas?” y que era muy frecuentado por toda la peña heavy del foro. Topo quisieron convertir en el concierto en una verdadera fiesta de rock español y en una irrepetible jam-session, ademmás de tocar íntegramente aquel gran disco y varios de sus temas pertenecientes a los Lp’s grabados con Chapa, Julio Castejón, guitarra de Asfalto, subió al escenario con ellos a tocar “Días De Escuela”, un recuerdo emocionante a la primera formación de Asfalto en la que junto a Julio estuvieron José Luis y Lele.

José Carlos Molina tocó la flauta con ellos en “Qué Es Esta Vida”, Rosendo, aún como guitarrista y cantante de Leño en aquella época, también se unió a la fiesta tocando con ellos “Trae a Casa Tu Amor” y finalmente, el guitarrista de Miguel Ríos Paco Palacios, que se hizo junto a Topo “Guerra Fría” y “Marea Negra”.

Paco Palacios había colaborado en la grabación del disco y su intervención en el concierto vino a paliar la ausencia de Miguel Ríos -productor junto a Carlos Narea del álbum-, de quien se había rumoreado insistentemente que tocaría en el concierto, aunque al final no fue así. En el final, con el mítico “Mis Amigos Donde Estarán”, Tony De Juan, ex-guitarrista de Ñu y de Coz y Miguel Oñate, cantante de Asfalto, le dieron al tema un punto emotivo y entrañable que puso el broche de oro a una actuación memorable de una de las bandas que siempre fue más querida en el rock madrileño: Topo.

LAS GRANDES DESCARGAS EN VIVO DE LA HISTORIA DEL ROCK ESPAÑOL (I): OBUS

2011-10-05T21:56:00.004+02:00

Al igual que cuando se hace referencia a la historia del rock a nivel internacional, nombres como los de Monterrey, Woodstock o Wight resultan asolutamente emblemáticos y nos traen a la memoria historias de conciertos memorables, en nuestro rock los nombres de Canet, Mazarrock o Burgos son su equivalente más claro. En el rock español de los 80 hubo jornadas históricas, con descargas brutales de nuestras bandas más míticas que en nuestra Comuna recordaremos a partir de ahora. Conciertos que emocionará volver a recordar a quienes los vivieron y que darán a conocer una parte vital de nuestra historia a la gente más joven.

El primer gran concierto del rock español, más en concreto del Heavy Metal español fue la apoteósica presentación del primer disco de Obús, ‘Prepárate’ en en un local hoy ya desaparecido, pero que a lo largo de la década de los 70 y los 80 albergó muchos de los más inolvidables conciertos de la historia del Heavy Metal en España en aquellos años, el Pabellón de Deportes de la Ciudad Deportiva del Real Madrid, El Pabellón a secas, como todo el mundo le llamaba: Saxon, Iron Maiden, Scorpions, Judas Priest, Motörhead, Rainbow, UFO, Jethro Tull, Uriah Heep, Kiss… todos los grandes del rock de la época hicieron sus primeras actuaciones en la capital del estado español en aquel recinto situado al norte de Madrid, cerca del Barrio del Pilar. Uno de los que más se recuerda fue el de AC/DC, en su primera actuación en la capital en la primera gira que hicieron con Brian Johnson, y que fue un llenazo espectacular

¿Era posible que un grupo que si bien había ganado el Trofeo Rock Villa de Madrid, no parecía ser conocido a niveles masivos todavía pudiera llenar hasta arriba el mítico Pabellon? Pues se demostró que sí, y ese grupo, Obús, reventó el Pabellon agotando el papel exactamente igual que diez meses antes habían hecho AC/DC.

Obús, que en se momento era el grupo que más fielmente había hecho suya la estética, el concepto de espectáculo en la puesta en escena, e incluso el sonido de lo que era en ese momento la New Wave Of British Heavy Metal, se presentó en Madrid con un show que resultó revolucionario por como era perfectamente equiparable a lo que estaban presentando en Europa y Estados Unidos todas las demás grandes bandas internacionales. Todos ellos, Fortu, Paco, Juan Luis y Fernando eran ya músicos curtidos en muchas batallas, se les veía las tablas de los que se habían dejado muchas veces la piel encima de un escenario y supieron conquistar a un público que en ese momento había abrazado el Heavy Metal como un nuevo lenguaje, una nueva cultura que harían suya y en la que Obús, cantando en su propio idioma, con el espíritu de rock de barrio, de rock de clase obrera tan cercana a toda la gente del Heavy Metal en aquellos años, no tardaron en convertirse en líderes totales.

Volúmen atronador, sonido aplastante, una voz cuya energía parecía salir de lo más profundo del infierno, y temas que todos los que participábamos de aquella ceremonia, iniciática en muchos casos –para mi lo fue: fue el primer concierto que vi de un grupo de heavy español tras haber visto ya a AC/DC en ese mismo pabellón, y me enganché a ellos desde ese dia- coreábamos dejándonos la garganta en carne viva: Desde “Solo Lo Hago En Mi Moto” a “Prepárate” pasando por “Pesadilla Nuclear” o “La Escalera”, aquel concierto de Obús fue la primera gran demostración de cómo el Heavy Metal iba a ser un fenómeno de una trascendencia inmensa dentro del rock en nuestro país y de cómo los grupos españoles en general y Obús en particular, iban a ser protagonistas muy específicos de aquella etapa.

Dentro de muy poco se cumplirán 30 años de aquella legendaria actuación de Obús, y para celebrarlo, el 5 de noviembre Obús vuelven a Madrid a hacer un gigantesco macro-concierto en la Sala La Riviera en el cual grabarán un disco y un DVD en directo. Volveremos a estar allí, y después de haber visto al grupo en numerosas ocasiones durante estos últimos años, puedo asegurar que esa volverá a ser una noche histórica, con Obús haciendo estalllar Madrid y demostrando que siguen siendo la gran banda del Heavy Metal estatal.

CLASICOS DE ORO CONTEMPORANEOS (X): MEGADETH, 'PEACE SELLS...BUT WHO´S BUYING?' (1986)

2011-09-03T23:19:00.004+02:00

En estos días se pone a la venta una reedición conmemorativa al cumplirse el 25 Aniversario de la puesta a la venta de uno de los clásicos del Thrash Metal, el formdable Peace Sells... But Who´s Buying?' de Megadeth. Un clásico de clásicos del Thrash Metal, que me parece interesante recordar.

El segundo disco de Megadeth, con la banda ya rodada, plenamente establecida y una dirección y un criterio musical más definido fue una verdadera obra maestra, que como ocurrió con muchísimos grandes discos de Thrash Metal de este periodo, no obtuvo prácticamente ninguna repercusión comercial en el momento de su salida, aunque posteriormente llegaría a vender más de un millón de discos. Con una excelente producción y unos temas mucho más elaborados y trabajados que en su debut con Killing Is My Business, Megadeth supieron transmitir en este disco lo mejor de si mismos como banda de manera absolutamente espectacular. Además del inmenso tema que daba titulo al disco, “Peace Sells… But Who´s Buying?”, clásico de Megadeth por antonomasia, no se puede en modo alguno olvidar “Wake Up Dead” y “Good Morning, Black Friday”, otras de las canciones que más gustaron a los fans de este sensacional trabajo. Puro Thrash Metal, Megadeth 100%, un estilo personal, propio y singular en el que no cabía en modo alguno la comparación con Metallica.

Indudablemente, el hecho de que este disco aunque estaba planeado inicialmente que se sacara con la independiente Combat Records, que era el sello bajo el cual se había editado el disco anterior del grupo, Killing Is My Business, al final el grupo negoció con Capitol Records y esta compañía discográfica es la que editó el disco comprando los derechos del disco a Combat, que ya había hecho una primera mezcla del álbum. Capitol Records, al adquirir esos derechos decidió suprimir esa primera mezcla y contrató a un productor, Randy Burns, para remezclar el disco. En opinión de Dave Mustaine, esa nueva mezcla resultó una de las claves determinantes para que Peace Sells… lograse el éxito que logró. No obstante, en 2004 se reeditó con una nueva remezcla y una nueva remasterización llevada a cabo personalmente por Dave Mustaine.

Este fue también el último trabajo de Megadeth con una formación en la que destacaban el guitarrista Chris Poland y el tristemente fallecido batería Gar Samuelson. Para su tercer disco, Jeff Young en la guitarra y Chuck Behler en la batería serían los sustitutos de los músicos anteriormente citados.

25 años después, suena fuerte, fresco y potente. Me ha gustado mucho volver a escucharlo.

SI YO FUERA CREYENTE... DIRIA A RATZINGER QUE SE LARGASE A SU CASA

2011-08-10T03:02:00.008+02:00

De entrada, debo admitir que el tal Joseph Ratzinger, el supuesto vicario de Cristo en la Tierra - lo cual es mucho suponer; de entrada hay que suponer que lo que cuenta la biblia es cierto, hay que suponer que el Vaticano no lo ha manipulado a su convienciencia, y hay que suponer que ha sido elelgido para tal cargo por la inspiración de un Dios en el cual no cree ni una cuarta parte de la humanidad que sabe leer y escribir - es un personaje por el que siento actualmente un asco profundo. Me parece un ser humano despreciable y asqueroso, por muchos motivos.

El primero, por su condición de nazi. Desde hace tiempo, cuando se supo su militancia en las Juventudes Hitlerianas, hecho que el Vaticano intentó ocultar, adujo que entro en esa organización obligado y coaccionado. ¿Que demuestra eso? de entrada, que es cobarde y miserable como una rata. Hubo miles de jóvenes alemanes que se negaron a pertenecer a las organizaciones nazis y con ello se enfrentaron a la persecución, la carcel, la tortura y la muerte. Pero Ratzinger no pertenecía a esa clase de alemanes, dignos, valientes, y con toda seguridad, muchos de ellos auténticos creyentes. El no.
Después, porque desde que medró en la secta y llegó a las esferas de poder a la sombra del reaccionario y retrógrado Wojtyla, el vicario polaco untado por el departamento de estado americano para hacer la guerra sucia politica en Europa contra el bloque no capitalista, se ha distinguido no solo por favorecer y hacer suyas las posiciones más inmovilistas, ultraconservadoras e indefendibles de la doctrina católica desde su puesto de inquisidor jefe; ha demostrado en todas sus opiniones tal desprecio hacia la mujer, dentro y fuera de la iglesia, que a estas alturas me parece increíble que todavía haya mujeres que sigan formando parte de esa iglesia.
Este individuo se ha permitido mentir, intoxicar y manipular la historia diciendo que en nuestro país la República atacó a la fé católica, lo cual es una más de la infinidad de mentiras que dice cada vez que abre la boca y por si fuera poco, se ha erigido en el mayor encubridor de los más odiosos delitos de pedofilia que por millares han cometido en todo el mundo la caterva de reprimidos, enfermos, hipócritas y mal nacidos que ocultan su despreciable catadura humana y moral bajo las sotanas negras.
Pero aún sintiendo ese asco y ese desprecio por este sujeto, y ante el bombardeo medíatico que tenemos que aguantar acerca de su visita a este país, reflexiono y me pregunto a mi mismo... bien ¿y cual sería mi reacción si yo fuera creyente? ¿Que pensaría, que sentiría ante este personaje que teóricamente representa al dios en el que yo creo?

Si yo fuera creyente, creo que estaría dentro de esa iglesia de base que pretende vivir la fraternidad cristiana auténtica, es decir, repartir, compartir, vivir en comunidad, en solidaridad con los perseguidos, con los marginados, con los que no tienen nada. Estaría con la iglesia que da cobijo a los inmigrantes, que está en las cárceles junto a los presos, en los barrios junto a los parados, los obreros, las mujeres trabajadoras...
Si yo creyera en ese dios de los católicos, creeria en el evangelio que llevó a hombres íntegros y sinceros a enfrentarse al poder, como el padre Jose María Llanos, que se unió a la lucha del Partido Comunista para conseguir para su pueblo educación, justicia, trabajo, libertad, cultura...y que se enfrentó a esa otra iglesia felpudo de la dictadura franquista, que bendecía en los aeródromos los bombarderos que iban a masacrar población civil en la retaguardia republicana y llevaba bajo palio al dictador.
Creería en la fé que llevó a Leonardo Boff a defender al pueblo uniéndose a la Revolución Sandinista, la maravillosa revolución que llevó a Nicaragua la libertad, la alfabetización, el desarrollo económico... creería en la fe que llevó a Monseñor Oscar Romero en El Salvador a morir por defender a su pueblo de la agresión fascista del terrorismo de extrema derecha financiado por el gobierno USA, y creería en la Vicaría de la Solidaridad de Chile, que se enfrentó a la dictadura terrorista de Pinochet, el cual -curiosamente- mientras encarcelaba, torturaba y asesinaba como una bestia enloquecida a los opositores, recibía la bendición apostólica personal de Wojtyla, el papa pagado por la CIA y los mafiosos del Banco Ambrosiano.
Creería también en el Cura Pérez, un sacerdote católico que entendió que la única forma de luchar por una vida digna y libre en la Colombia asediada por los narcotraficantes y los paramilitares de extrema derecha era iniciar una lucha como la que Che Guevara y Fidel iniciaron en Sierra Maestra para liberar Cuba y creó el EPL, el Ejército Popular de Liberación de Colombia.

¿Sería compatble mi fe en esos ejemplos de generosidad y de entrega a los demás con mi fé en la jerarquía del poder católico? pienso que no.

Si creyera en el dios de los catolicos, y en las enseñanzas de su supuesto hijo Jesucristo, no podría creer en una iglesia construida como negocio, como tapadera de una estructura financiera que los católicos de base no pueden conocer. No podría creer en una iglesia que durante décadas convirtió los colegios de enseñanza en auténticos campos de exterminio de la libertad individual, de la expresión libre, de la sexualidad libre, y que los instrumentalizó al servicio del poder como centros de adoctrinamiento de una dictadura terrorista.
No podría creer en una iglesia que niega bajo el estigma del "pecado" el derecho de gays y lesbianas a vivir libremente su sexualidad, y que niega a la mujer bajo ese mismo estigma un derecho fundamental como es el derecho al aborto. Y me resultaría patético, bochornoso, vomitivo convertir la visita de un hombre que debería venir dando ejemplo de humildad en un circo propio de secta tercermundista, pagado además con los impuestos de todos, incluidos los que no comparten ni esa fé ni esa ejecutoria de la iglesia católica.
El sentimiento de recogimiento, oración y paz que se supone deben tener los catolicos, convertido en espectáculo para borregos, en pan y circo para la masa, en la ceremonia del adoctrinamiento en las ideas reaccionarias de una iglesia que solo funciona como mecanismo de una estructura de poder. Y dentro de poco, la desquiciada idea del sicario de Ratzinger en España, Rouco Varela: hacer un parque temático del catolicismo, un port aventura en el que cobrando una cuantiosa entrada, convertir la religión en un show con coca colas, palomitas y hamburguesas (¿consagradas?)
Si yo fuera creyente no podría creer en toda esta demostración de despilfarro, de espectáculo cutre y casposo, que encima es aplaudido con entusiasmo por la derecha y permitido a hurtadillas por la pseudoizquierda de los Rubalcabos (el pobre ZP ya ni existe en los telediarios).

Si yo fuera creyente le diría a Ratzinger: ¿A que vienes aquí? ¡Lárgate!

Pero como no soy creyente, con más convicción aún me uno a quienes vamos a manifestarnos en contra de su visita como "jefe de estado" pagada con mis impuestos en contra de mi voluntad y de la instrumentalización política que la caverna mediática de la derecha hará de ella.

Ratzinger, aqui no te queremos. Márchate.

MEMORIAS DEL ROCK´N´ROLL: DISCOS DE ORO, 'FRAMPTON COMES ALIVE'

2011-07-25T18:23:00.000+02:00

Pronto tendremos en nuestro país la nueva visita de un verdadero monstruo de la música, un personaje injustamente olvidado dentro del mundo del rock, el guitarrista y cantante británico Peter Frampton, en una gira en la que celebra el 35 aniversario de la edición de un disco en directo de leyenda absoluta, el grandioso doble en directo Frampton Comes Alive!, uno de los discos en directo más vendidos de toda la historia de la música popular.

Peter Frampton inició su carrera musical a muy temprana edad en Londres en un grupo de pop para el mercado teenager, una banda llamada The Herd que poco o nada tenía que ver con lo que hizo posteriormente, aunque los hit singles para el mercado pop británico de finales de los 60, le valieron para darse a conocer lo suficiente como para que Steve Marriot, guitarrista de los Small Faces, al separarse este grupo decidiera formar en 1969 un grupo netamente de Hard Rock, Humble Pie, y que propusiera a Peter Frampton unirse a él en esa aventura. Frampton aceptó el reto y fue pieza clave de alguno de los mejores discos de esa primera etapa de los Pie, como Town And Country o Rock On y muy especialmente otro histórico disco en directo, el Rockin’ the Fillmore, que fue su último trabajo editado con Humble Pie antes de que en diciembre de 1971 anunciara su marcha del grupo para empezar su carrera en solitario.

Su primeros discos en solitario no tuvieron apenas repercusión hasta que en la primavera de 1975 apareció un álbum titulado simplemente ‘Frampton’, que dí que obtuvo unas ventas considerablemente mejores, lo que le llevó a hacer durante el verano y el otoño una larga gira por Estados Unidos en la que se grabaron varias actuaciones para editar un disco en directo. Ese disco fue el mítico Frampton Comes Alive!

Las fechas y lugares en donde se grabó fueron el Marin County Civic Center, San Rafael, CA, 13 de junio de 1975, en el Winterland Ballroom, San Francisco,14 de junio de 1975, Long Island Arena, Commack, NY, 24 de agosto de 1975 y Plattsburgh, NY, November 22, 1975.

La banda que grabó con él estaba compuesta por el propio Peter Frampton obviamente como guitarrista y cantante, Bob Mayo como segundo guitarra y teclista, Stanley Sheldon en el bajo y John Siomos en la batería.

Un sonido originalísimo, en el que destacaba la técnica de Frampton con efectos supervanguardistas como el celebérrimo Talk Box, autética seña de identidad de este disco, canciones muy bien elegidas, desde “Baby I Love Your Way”, “Do You Feel Like We Do”, su cover de “Jumpin´Jack Flash” de los Rolling Stones o especialmente el famosísimo “Show Me The Way” así como una producción de lujo influyeron decisivamente en el inesperado y espectacular éxito que tuvo ese disco. Se puso a la venta el 6 de enero de 1976, al principio con una entrada relativamente discreta en los charts, pero conforme pasaban las semanas, iba alcanzando posiciones, iba subiendo en ventas y en la segunda semana de febrero de 1976 ya era númeo 1 de la lista oficial de álbumes de Billboard, manteniéndose 10 semanas en ese número 1 y 55 semanas en lista, siendo el primer disco doble en directo de la historia en lograr tal éxito de ventas.

Fue el disco más vendido en todo el mundo del año 1976, logró vender seis millones de copias entre 1976 y 1977 en Estados Unidos, y fue elegido ‘album del año 76’ en la votación anual de los lectores de la revista Rolling Stone. Y como dato si quereis curioso, a pesar de ser ser un álbum doble, salió a la venta con un precio solo ligeramente superior al de un disco normal, 7 dolares con 98 centavos de la época.

Por desgracia, con posterioridad su carrera entró en un profundo declive motivado en gran medida por el gran fracaso de su intento de readaptar el Sargent Peppers de los Beatles en 1978 con los Bee Gees, en una pelicula que resultó un completo fiasco, así como por un grave accidente de coche que estuvo a punto de costarle la vida en esa misma epoca, que le obligó a un largo periodo de inactividad, tras el cual atravesó serios problemas de adicción a las drogas. Así, durnate los 80 y 90 su producción se fue haciendo cada vez más esporádica y aunque siempre con calidad, sin el éxito ni la atención mediática de antaño. En 1991 estuvo a punto de reunirse con Steve Marriott en un regreso de Humble Pie, y se sabe que ambos músicos estuvieron trabajando juntos en ese proyecto de reunión, pero la muerte de Marriot en la primavera del 91 frustró la intentona.

Frampton estuvo por última vez en escenarios españoles en el verano de 2006 y verle en concierto es siempre un privilegio. Esta vez, recordando esa obra magistral, ese Frampton Comes Alive! cuya edición en vinilo machacamos en si día hasta rayarla, puedo aseguraros que quienes vayais a sus conciertos disfrutaréis de unos conciertos propios de un todo un caballero del Hard Rock británico más clásico.

CLASICOS DE ORO CONTEMPORANEOS (IX): IRON MAIDEN , 'BRAVE NEW WORLD'

2011-07-20T22:45:00.004+02:00

Diferencias creativas y musicales supuestamente irreconciliables entre Bruce Dickinson y Steve Harris y un deterioro evidente de sus relaciones personales provocaron que el cantante tomase la decisión de abandonar el grupo en 1993. El fracaso de su carrera en solitario y el declive en el que Iron Maiden habían caído desde la marcha de Dickinson propició que ambas partes se reconciliaran y que en la primavera de 1999 Dickinson, al lado de Adrian Smith regresase a Iron Maiden.

Fruto de este regreso fue en el año 2000 la edición de este sensacional disco, Brave New World, en el que Iron Maiden –que en cualquier caso, habían hecho un gran trabajo en su anterior Virtual XI y habían dejado un clásico que incluso el propio Dickinson retomaría para los conciertos, “The Clansman”- recuperaron el crédito, la fuerza y la personalidad un tanto extraviadas durante los años que estuvo en la banda Blaze Bailey.

Steve Harris y Kevin Shirley hicieron un trabajo excelente en lo que se refiere a la producción, volviendo a imprimir a Iron Maiden ese sonido heavymetalero cargado de fuerza en la base rítmica, con unas guitarras brillantes, penetrantes, con Dickinson en un estado de forma excepcional en toodos los sentidos y componiendo unos temas que volvían a tener garra, fuerza, que estaban hechos a la medida del fan de Iron Maiden de siempre.

En la primera parte del disco se concentraban los temas más fuertes, los más directos, aquellos que formarían parte en aquel momento –y todavía en la actualidad- del set list de conciertos de Iron Maiden. “The Wickerman”, uno de esos impactos brutales de arranque de un álbum, al estilo de los “Be Quick Or Be Dead” o “Aces High” de otros discos,era todo un bombazo 100% Heavy Metal de Iron Maiden, mientras que “Ghost Of The Navigator” y la potentísima “The Mercenary” no le iban en absouto a la zaga y mostraban a unos Iron Maiden llenos de fuerza y energía. “Brave New World” tenía una estructura de composición que recordaba a “Fear Of The Dark”, y “Blood Brothers”, que seguía en cierta medida el mismo esquema, era otra gran canción en la que destacaban muy especialmente su solos de guitarra, asi como la magnífica transición instrumental intermedia, melódica y llena de riqueza en matices musicales y con Bruce Dickinson cantando con una sensibilidad extraordinaria, siguiendo el crescendo instrumental de la canción de manera genial. “Out In The Silent Planet” y en el final del disco “The Line Between Love & Hate”, otras piezas que proporcionaban a este excelente disco la vitola de clásico de clásicos absoluto, de masterpiece que hasta la fecha los propios Iron Maiden no han vuelto a superar.

CLASICOS DE ORO CONTEMPORANEOS (VII): GUNS N'ROSES, 'USE YOUR ILLUSION'

2011-07-14T23:35:00.004+02:00

Más de un mes sin pasar por La Comuna… esto de hacer dos libros a la vez, y ahora también dos revistas, más el vicio que he cogido con las series de televisión de terror inglés de los años 70 ha hecho que últimamente aparezca poco por aquí, pero desde ahora prometo disciplinarme más y no dejar tanto tiempo sin compartir con todos vosotros algunas reflexiones. Vuelvo con un disco al que últimamente le he dado varias vueltas y que hacía mucho tiempo que no volvía a escuchar en profundidad.

Apetite For Destruction, el celebérrimo disco de debut de Guns N’Roses fue una ráfaga de genial creatividad, uno de esos discos en los que se capturó un momento de inspiración, actitud y genuina fuerza rockera que pocas veces se consigue lograr en un estudio, y seguramente por tal motivo logró el éxito que logró. Evidentemente, Use Your Illusion, un cuádruple álbum compuesto y grabado a lo largo de 20 interminables meses, con serios problemas internos en el seno de la banda –adicción a las drogas de Slash, expulsión del grupo del batería Steven Adler, progresivo distanciamiento entre Izzy Stradlin y el resto del grupo - en modo alguno podía tener la misma frescura ni la misma energía que el mítico Apetite…

Pero ello no desmerece el hecho de que Use Your Illusion, aún siendo un álbum excesivamente largo al que probablemente le sobren según el gusto de cada cual algunas canciones, es un gran álbum de Hard Rock/Heavy Metal en el que también hay grandes clásicos de Guns N’Roses, de los Guns N’Roses genuinos, tiene una cuidada y minuciosa producción y entre 1991 y 1993 fue uno de los discos más importantes del Heavy Metal en aquel periodo.

En tanto en cuanto todos los temas tanto del volumen I como del II se conmpusieron y grabaron más o menos a la vez, y su inclusión en uno u otro volumen no obedeció a un criterio musical o estilístico concreto, no cabe analizar los dos discos separadamente. En Use Your Illusion existe una enorme variedad musical y de matices –es ese uno de sus principales atractivos- y en él se puede ver desenvolverse a Guns N’Roses en varios terrenos. Tenemos por un lado el lado más duro, más heavy con el ramalazo punk que caracterizaba la agresividad de su estilo en los comienzos en temas como “Right Next Door To Hell”, la fortísima “Shotgun Blues”, “Get In The Ring”, que era una feroz diatriba contra la prensa musical con la que habían tenido diversos problemas, citando nombres concretos de periodistas y publicaciones, -a alguno, como Mick Wall de Kerrang!, cuando le conocí en persona, me dijo que estaba encantado de que los Guns le hubieranhecho mundialmente famoso- “Back Off Bitch”, que de hecho era una canción incluso anterior a muchas de las que se grabaron para Apetite For Destruction o “You Could Be Mine”, que fue el primer single del álbum y se incluyó en la banda sonora de la película Terminator II. En estas canciones es donde se reconoce a los Guns n’Roses más rockeros, más fuertes y en donde se muestra más fresca la banda, aunque también cuando se introducen en otros terrenos salen plenamente airosos. Especialmente emotiva e intensa fue su magnífica versión del “Knocking On Heaven´s Doors” de Bob Dylan, como balada sin lugar a dudas “November Rain” fue la mejor que hicieron a lo largo de su carrera, mientras que “Yesterdays”, “Breakdown” o “Estranged”, como medios tiempos más melódicos ofrecían otra cara del grupo que entroncaba más con sus influencias de los 70 – Stones, Aerosmith, Nazareth, etc.- y que dejaba ver que su evolución futura podría ser muy interesante. En estas canciones siempre se destacó el magnífico trabajo de guitarras tanto de Izzy Stradlin como de Slash.

A la edición de este disco siguió una extenuante e interminable gira mundial de dos años ininterrumpidos de duración en cuya recta final, el grupo literalmente agotado perdió en directo toda la garra de sus comienzos, se arrastró lamentablemente por los escenarios y acabó por saltar en pedazos. Este disco fue en gran medida su testamento sonoro, un disco que dejaba ver a un grupo que de haber permanecido unido sin duda habría llegado infinitamente más lejos, pero al que le faltó un liderazgo claro y una cohesión interna que evitara que las luchas de egos acabasen con una banda que lo tuvo todo en su mano para convertirse en la más grande del rock de los 90 y que lo tiró todo por la borda.

BANZAI: DURO Y POTENTE... DOS DECADAS DESPUES

2011-06-02T04:01:00.002+02:00

El día 4 de junio, 27 años después de su último concierto en Madrid, vuelve a pisar un escenario un nombre de leyenda en el Heavy Metal español: Banzai. Una banda que para quienes no les conozcáis, fueron de lo más grande que hubo en nuestra música entre 1983 y 1985. Por ello, pensando sobre todo en quienes no vivísteis aquel momento y el nombre de Banzai es para vosotros solo una referencia más o menos lejana, os refresco algo de su historia, en especial centrándonos en lo que fue su mejor disco, Duro y Potente

En 1983 el legendario guitarrista Salvador Dominguez, después de haber pasado todo el verano del 82 en gira con Miguel Ríos y haberse ganado una inmensa reputación como auténtico héroe de la guitarra rockera hispano, plenamente consciente de que en aquellos años el Heavy Metal era la auténtica vanguardia del rock, puso a punto un proyecto de grupo al que dio el nombre de Banzai, y ante la buena acogida que tuvo el disco debut del grupo, pronto consiguió llamar la atención de las compañías más grandes después de la edición de un primer disco en 1983, un excelente trabajo que poseía canciones sensacionales como “Coche Rápido” o “Amigo”, pero que no obstante estaba en cuanto a producción muy lejos del potencial que el grupo podía desarrollar.

Warner España ofreció en el verano de ese mismo 1983 a Banzai un contrato en toda regla –El Pirata lo explicó en un reportaje especial que hizo como enviado especial de la revista Heavy Rock al Festival Mazarrock’83, en donde el propio manager de la banda, Paco Salazar se lo contó en el backstage- y cuando Banzai dio el paso, la banda se reestructuró y entraron en ella José Antonio Manzano, vocalista barcelonés que venía de grupos como Tebeo o Tigres De Metal como nuevo cantante, el argentino Danny Peyronel, ex – miembro de UFO como teclista, y David Biosca como batería, que se unieron a Salvador y al bajista Tibu, supervivientes de la primera formación.

Tras unos meses de ensayos y duro trabajo en el local y en la carretera, Banzai grabaron en los Estudios Mediterráneo de Ibiza este Lp, Duro Y Potente, que fue no solo un exitazo de ventas gracias a la fuerza de temas como “No Pierdas El Tren” -muy, pero que muy Iron Maiden era este tema- “Luces”, o el propio “Duro Y Potente”, sino que puso al Heavy Metal español en un nivel musical muy alto, en conexión con lo que se estaba haciendo tanto en Inglaterra como en Estados Unidos y que proyectó al grupo a un lugar casi de leyenda dentro del panorama del rock nacional. Y ello incluso con el handicap de que una vez más, la producción del disco no fue en modo alguno acertada; la voz de un cantante de las facultades y de la fuerza de Jose Antonio Manzano no se supo mostrar ni se le supo sacar partido en esta grabación, en contraste con el excelente sonido de guitarras y batería que este disco tenía.

En aquel año, Banzai recorrieron toda España en gira, llegaron a lo más alto haciendo festivales como los de la fiesta del P.C.E. de 1984, ante 25.000 personas y este disco, que debería haber sido el primero de una larga carrera jalonada de éxitos, tristemente fue el último, pues a comienzos del año siguiente, 1985 Banzai dejaría de existir tras la marcha de Salvador y Danny Peyronel a Tarzen.

Aunque todos y cada uno de ellos intentó diversas aventuras con suerte muy diferente según cada caso (Tarzen, Zero, Manzano, diversos proyectos en solitario) lo cierto es que ninguno de ellos realmente consiguió siquiera ser una sombra de Banzai o un digno recuerdo de lo que fue aquella impresionante banda. ‘Duro Y Potente’ fue, sin que quepa lugar a la menor duda, su mejor disco, aun sin reflejar todo lo que musicalmente Banzai tenían para dar en un estudio.

En estos días, al menos en Madrid, podremos volver a verles. Ojalá que siga latiendo en sus corazones esa fuerza y esa energía de sus grandes shows de los 80 –inolvidable aquel conciertazo de junio de 1984 con Zeleste Carballo y Angeles del Infierno en el Pabellón del Madrid, el momento de mayor éxito de su carrera- y que muchos más podais o bien conocerles, o bien, recordar épocas históricas del pasado de nuestro rock.

PROPUESTAS PROGRAMATICAS DEL MOVIMIENTO 15-M

2011-05-27T22:09:00.002+02:00

Por una sociedad democrática REAL, popular, igualitaria y avanzada, por una economia colectiva y socializada destinada a generar riqueza para todo el pueblo y no para los oligopolios bancarios, y por el avance de la libertad, la cultura y la igualdad REAL, suscribo los puntos de esta propuesta y por ello los publico en el blog.

1. ELIMINACIÓN DE LOS PRIVILEGIOS DE LA CLASE POLÍTICA:

o Control estricto del absentismo de los cargos electos en sus respectivos puestos. Sanciones específicas por dejación de funciones.

o Supresión de los privilegios en el pago de impuestos, los años de cotización y el monto de las pensiones. Equiparación del salario de los representantes electos al salario medio español más las dietas necesarias indispensables para el ejercicio de sus funciones.

o Eliminación de la inmunidad asociada al cargo. Imprescriptibilidad de los delitos de corrupción.

o Publicación obligatoria del patrimonio de todos los cargos públicos.

o Reducción de los cargos de libre designación.

2. CONTRA EL DESEMPLEO:

o Reparto del trabajo fomentando las reducciones de jornada y la conciliación laboral hasta acabar con el desempleo estructural (es decir, hasta que el desempleo descienda por debajo del 5%).

o Jubilación a los 65 y ningún aumento de la edad de jubilación hasta acabar con el desempleo juvenil.

o Bonificaciones para aquellas empresas con menos de un 10% de contratación temporal.

o Seguridad en el empleo: imposibilidad de despidos colectivos o por causas objetivas en las grandes empresas mientras haya beneficios, fiscalización a las grandes empresas para asegurar que no cubren con trabajadores temporales empleos que podrían ser fijos.

o Restablecimiento del subsidio de 426EUR para todos los parados de larga duración.

3. DERECHO A LA VIVIENDA:

o Expropiación por el Estado de las viviendas construidas en stock que no se han vendido para colocarlas en el mercado en régimen de alquiler protegido.

o Ayudas al alquiler para jóvenes y todas aquellas personas de bajos recursos.

o Que se permita la dación en pago de las viviendas para cancelar las hipotecas.

4. SERVICIOS PÚBLICOS DE CALIDAD:

o Supresión de gastos inútiles en las Administraciones Públicas y establecimiento de un control independiente de presupuestos y gastos.

o Contratación de personal sanitario hasta acabar con las listas de espera.

o Contratación de profesorado para garantizar la ratio de alumnos por aula, los grupos de desdoble y los grupos de apoyo.

o Reducción del coste de matrícula en toda la educación universitaria, equiparando el precio de los posgrados al de los grados.

o Financiación pública de la investigación para garantizar su independencia.

o Transporte público barato, de calidad y ecológicamente sostenible: restablecimiento de los trenes que se están sustituyendo por el AVE con los precios originarios, abaratamiento de los abonos de transporte, restricción del tráfico rodado privado en el centro de las ciudades, construcción de carriles bici.

o Recursos sociales locales: aplicación efectiva de la Ley de Dependencia, redes de cuidadores locales municipales, servicios locales de mediación y tutelaje.

5. CONTROL DE LAS ENTIDADES BANCARIAS:

o Prohibición de cualquier tipo de rescate o inyección de capital a entidades bancarias: aquellas entidades en dificultades deben quebrar o ser nacionalizadas para constituir una banca pública bajo control social.

o Elevación de los impuestos a la banca de manera directamente proporcional al gasto social ocasionado por la crisis generada por su mala gestión.

o Devolución a las arcas públicas por parte de los bancos de todo capital público aportado.

o Prohibición de inversión de bancos españoles en paraísos fiscales.

o Regulación de sanciones a los movimientos especulativos y a la mala praxis bancaria.

6. FISCALIDAD:

o Aumento del tipo impositivo a las grandes fortunas y entidades bancarias.

o Eliminación de las SICAV.

o Recuperación del Impuesto sobre el Patrimonio.

o Control real y efectivo del fraude fiscal y de la fuga de capitales a paraísos fiscales.

o Promoción a nivel internacional de la adopción de una tasa a las transacciones internacionales (tasa Tobin).

7. LIBERTADES CIUDADANAS Y DEMOCRACIA PARTICIPATIVA:

o No al control de Internet. Abolición de la Ley Sinde.

o Protección de la libertad de información y del periodismo de investigación.

o Referéndums obligatorios y vinculantes para las cuestiones de gran calado que modifican las condiciones de vida de los ciudadanos.

o Referéndums obligatorios para toda introducción de medidas dictadas desde la Unión Europea.

o Modificación de la Ley Electoral para garantizar un sistema auténticamente representativo y proporcional que no discrimine a ninguna fuerza política ni voluntad social, donde el voto en blanco y el voto nulo también tengan su representación en el legislativo.

o Independencia del Poder Judicial: reforma de la figura del Ministerio Fiscal para garantizar su independencia, no al nombramiento de miembros del Tribunal Constitucional y del Consejo General del Poder Judicial por parte del Poder Ejecutivo.

o Establecimiento de mecanismos efectivos que garanticen la democracia interna en los partidos políticos.

8. REDUCCIÓN DEL GASTO MILITAR

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ELIMINAR EL SENADO.

NORUEGA, SUECIA, DINAMARCA, NO TIENEN SENADO, ALEMANIA SOLO 100 SENADORES y EE.UU. UN SENADOR POR CADA ESTADO.

LOS GRANDES TEÓRICOS DEL DERECHO INTERNACIONAL Y CONSTITUCIONAL OPINAN QUE ES UNA CÁMARA INNECESARIA, PRESCINDIBLE Y QUE ESTÁ EN EXTINCIÓN, ¿ENTONCES POR QUÉ TENEMOS QUE MANTENER A 260 SENADORES?

DE ESTA FORMA AHORRAREMOS 3.500 MILLONES DE EUROS CADA AÑO.

ELIMINAR LA PENSIÓN VITALICIA DE TODOS LOS DIPUTADOS, SENADORES Y DEMÁS
"PADRES DE LA PATRIA".

ELIMINAR A TODOS los diplomáticos excepto un embajador y un cónsul en cada país. No es posible que gastemos en esto más que Alemania y el Reino Unido).

Con eso, y con rebajar un 30% las partidas 4, 6 y 7 de los PRESUPUESTOS GENERALES DEL
ESTADO (transferencias a sindicatos, partidos políticos, fundaciones opacas y varios), se ahorrarían más de 45.000 millones de Euros y no haría falta tocar las pensiones ni los sueldos de los funcionarios, como tampoco haría falta recortar 6.000 millones de Euros en inversión pública.

CON LA MITAD DEL DINERO QUE EL ESTADO SE AHORRARÍA CON ESTAS MEDIDAS,
SE ACABARÍA LA CRISIS EN ESPAÑA

Por el cambio de la ley electoral, y por una democracia participativa de verdad, donde nuestra opinión, la de los ciudadanos, sea lo que gobierne, no una papeleta cada cuatro años y que hagan con ella lo que quieran sin dar cuentas ni explicaciones.

Por el cambio de la ley electoral, y por una democracia participativa de verdad ¡Espabilemos de una vez! ¡No sigamos dormidos y aletargados!

SI ESTÁS DE ACUERDO, DIFÚNDELO.

POR LA DEMOCRACIA REAL: CONTRA LA FARSA PP-PSOE ¡¡A TOMAR LA CALLE EL 21 DE MAYO!!

2011-05-20T02:25:00.007+02:00

Después de haber estado tragando años con la explotación del trabajo temporal, con la explotación salvaje del capitalismo más opresivo que nos lleva años condenando a trabajar en régimen de semi-esclavitud, con la amenaza permante del ERE, de la deslocalización de la empresa o del puro y simple despido, de que un DERECHO supuestamente reconocido por la cacareada "Constitución" como es el DERECHO A UNA VIVIENDA DIGNA este literalmente derogado por hipotecas salvajes y acaparado por la oligarquía bancaria que explota los préstamos con una usura propia de las peores alimañas, cuando a dos generaciones se las ha obligado a vivir en la más absoluta precariedad, sin trabajo o con contratos basura, sin futuro, sin poder planificar un proyecto de vida porque nunca sabes si vas a tener trabajo dentro de tres meses... por fin, un grupo de gente, un colectivo popular organizado ha manifestado su hartazgo y ha hecho lo que yo siempre defendí desde este blog: ECHARSE A LA CALLE.

Y echarse a la calle además denunciando la gran mentira, la grotesca farsa y la repugnante hipocresía de los monopolizadores del poder, por un lado la extrema derecha, reaccionaria, neofranquista y manipuladora del PP y por otro la derecha light, los tontos útiles del sistema en cuya mano comen, pero que van de progres y que como sabiamente decía Lenin, son quienes mejor hacen contra la clase obrera el trabajo sucio del capitalismo, los socialdemócratas del PSOE.
Los dos se lleban la boca de "democracia", se atreven a dar lecciones de democracia cuando son quienes más han prostituido ese concepto y esa filosofía, y encima, creyendose que la gente es tonta, han querido vendernos la moto de que encima, somos unos privilegiados, vivimos en el mejor de los mundos posibles, y que hasta esto del "estado del bienestar" es un lujo que no nos podemos permitir mientras los HIJOS DE PUTA (SI, CON MAYUSCULAS, no tienen otro nombre) de la clase dirigente bancaria y de las grandes empresas despilfarran en prejubilaciones multimillonarias millones y millones de euros tras haber llevado al mundo por su codicia desmedida a una crisis economica sin precedentes en la historia.

Ante este pozo de podredumbre, de mentiras y de explotación, ha surgido un movimiento ciudadano, el llamado Movimiento 15-M que ha dicho basta ya a toda esta situación. Un movimiento que por el magnífico apoyo popular que esta teniendo, esta poniendo en cuestión todo esta sistema de falsa democracia y que esta reclamando algo de una lógica aplastante; Democracia REAL, con un fuerte contenido social, con reperesentación genuina del pueblo, con UNA LEY ELECTORAL JUSTA, PROPORCIONAL y VERDADERAMENTE DEMOCRATICA, y sobre todo, que acabe esta nueva forma de post-franquismo en el que el poder sigue perteneciendo al capitalismo, gestionado a turnos por la extrema derecha y por los pseudo-socialistas.
Y claro, la derecha salvaje, los Intereconomías, Jiménez Espantos, los peperos, vuelven con lo de siempre: Quienes denfendemos una democracia real, social, igualitaria, popular, somos terroristas, comunistas, drogadictos y delincuentes. Fijaos si no en estas declaraciones:

Enrique de Diego, feroz ultraderechista de la televisión oficial del fascismo rancio de Intereconomía que opina que "las energías renovables son una estupidez que no nos podemos pagar" literlmente escribe hoy en una conocida web de la caverna ultra: "Lo que hay en Sol no es otra cosa que la cloaca del sistema, el comunismo que ya no es capaz de presentarse con su nombre."

Cesar Vidal: “Las acciones señaladas ponen de manifiesto que buen número de estos jóvenes, lejos de ser, como pretenden, un movimiento ciudadano independiente, participativo y apolítico, pertenecen a los habituales grupos antisistema. Las fuerzas de seguridad han alertado en varias ocasiones del peligro que presentan estos grupos, que mantienen contacto regular con Batasuna-ETA, y que han recibido entrenamiento de Segi en cursos de guerrilla urbana.”

Esperanza Aguirre, presidenta de la CAM y abanderada de la derecha más ultra en los pepitos: “los firmantes y promotores de esta revulta es la izquierda radical” .

Ya lo veis, la reacción de los reaccionarios. Todo el que no se resigna, el que protesta, el que se atreve a desenmascarar esta farsa, son terroristas, comunistas, ratas de cloaca... lo mismo que decía Franco, Pinochet, Hitler, Videla y el resto de los inspiradores de sus sucias políticas retrógradas, antiobreras y antisociales.

Las grandes conquistas de la humanidad, los grandes avances sociales, el desarrollo de la libertad, la igualdad y el progreso, por desgracia nunca se han logrado pidiendo permiso. Se han logrado con la lucha en la calle, la movilización, la protesta, la contestación al sistema, la confrontación y cuando se han dado las dado las condiciones necesarias, la revolución, pacífica o violenta. Hoy, tenemos por fin una respuesta contra la opresión y la mentira de esta falsa democracia, cuyo mejor síntoma es lo histéricos que está poniendo a los energúmenos de la caverna ultra.

Cuando escribo este blog, es muy posible que se desafie la prohibición de la junta electoral central, y el sábado 21 de mayo logremos un fenómeno de desobediencia civil masivo y radical contra el intento de reprimir el derecho de reunión y manifestación. Desde este blog reafirmo mi compromiso y mi apoyo con esta iniciativa ciudadana, me uno a todos los llamamientos para TOMAR LA CALLE que se produzcan los días 21 y 22 de mayo, y pido a todos que desafiemos abiertamente al sistema estampándoles en la cara una desobediencia total a sus prohibiciones.

Y quien firma este blog, que se reconoce y reclama con muchísimo orgullo comunista -en contra de lo que pretende el títere del PP De Diego- estaré en las concentraciones que se celebren en Madrid en favor de una democracia real, popular e igualitaria en esos días. Espero encontraros a todos los que estéis por una verdadera democracia en ese lado de la barricada.

MAS PROGRAMAS DE RADIO ROCK STAR ESTE SEMANA

2011-04-29T21:27:00.005+02:00

Más novedades interesantes esta pasada semana en nuestro programa de radio ROCK STAR. El miércoles pude estrenar lo nuevo de BLACK STONE CHERRY, una banda que siempre me ha gustado muchísimo y que con este nuevo trabajo, Between The Devil And The Deep Blue Sea, desde luego no defrauda en ningún momento. También hemos escuchado cosas de SLASH y DUFF McKAGAN’S LOADED, y hemos repasado la actualidad de los ROLLING STONES. Por un lado, Charlie Watts estuvo de gira con uno de sus grupos de jazz y tocó en el Luz De Gas de Barcelona, -aunque a precios absolutamente prohibitivos- se ha sabido que Mick Jagger está grabando un disco en solitario acompañado de Dave Stewart, y que Ronnie Wood va a hacer este verano una gira con los FACES, aunque sin Rod Stewart, con lo que resulta evidente que la cosa no va a ser igual… y en medio de todo eso, esperamos ya con ansiedad el disco de tributo a IAN STEWART y las noticias sobre esa esperadísima nueva gira mundial. Y por supuesto, en modo alguno olvidar la noticia de esa gira por Inglaterra qué hará en solitario este verano ROGER DALTREY, cantante de los Who.

En el segundo programa, tuvimos el estreno en primicia de “Tic Tac”, uno de los temas del nuevo disco de SOBER, escuchamos también a KOMA y a TONY SOLO haciendo a medias una canción llamada “Instinto Animal”, hicimos un amplio recorrido por la cartelera de festivales nacionales e internacionales, y en el tramo final, Heavy Metal del bueno: MOTORHEAD, JUDAS PRIEST, BLIND GUARDIAN, HAMMERFALL y FIREWIND.

Espero que os gusten. Aquí tenéis los enlaces de descarga.

Primer programa:

http://www.ivoox.com/rock-star-miercoles-27-abril-2011-audios-mp3_rf_634043_1.html

Segundo programa:

http://www.ivoox.com/rock-star-jueves-28-abril-2011-audios-mp3_rf_634084_1.html

NUEVO PROGRAMA DE RADIO ROCK STAR

2011-04-27T00:28:00.002+02:00

Tras las mini-vacaciones de Semana Santa, ha vuelto Rock Star a la antena de www.mariskalrock.com con dos nuevas horas de programa con muchísimos contenidos y novedades muy interesantes.

En la primera hora de programa, hemos comentado las noticias de la marcha de Roy Khan de Kamelot, las noticias acerca del inicio de la grabación del nuevo dsco de Edguy, los cambios de guitarrista y batería en Nevermore, la vuelta de Jeff Hanneman a SLAYER en el comienzo de la gira de 2011 de los Big Four, el nuevo disco de CHILDREN OF BODOM, y el repaso al contenido de los nuevos números de nuestras revistas HEAVY ROCK y HEAVY ROCK ESTATAL.

En la segunda hora, hemos tenido música, novedades e información acerca de THE POODLES, MICHAEL MONROE, JOE BONAMASSA, Rock español con ISHTAR, REGRESION, WARCRY, OBUS, y completa información de próximos festivales y conciertos.

Para escucharlos o descargarlos, estos son los links:

Para la primera hora de ROCK STAR

http://www.ivoox.com/rock-star-martes-26-abril-1-hora-audios-mp3_rf_629570_1.html

Para la segunda hora

http://www.ivoox.com/rock-star-martes-26-abril-2-hora-audios-mp3_rf_629449_1.html

Como siempre, todas vuestras sugerencias, opiniones y peticiones siempre son bien recibidas.

14 DE ABRIL: ¡POR LA III REPUBLICA!!!

2011-04-14T02:36:00.003+02:00

14 DE ABRIL: 80 ANIVERSARIO DE LA PROCLAMACION DE LA II REPUBLICA
No dejemos que esta fecha sea una conmemoración meramente nostálgica; el ejemplo de avance, de cambio, de transformación de 1931, que sea el motor de una rebelión democrática contra este estado vendido a la banca, el capital y las fuerzas mediáticas del nuevo fascismo

¡REPUBLICA, AUTODETERMINACION y SOCIALISMO REVOLUCIONARIO!

CLASICOS DE ORO CONTEMPORANEOS (V): THE SCREAMIN' CHEETAH WHEELIES

2011-04-13T01:54:00.003+02:00

“La mejor fotografía musical que se ha hecho de Lynyrd Skynyrd jamás en la historia del rock. La nueva ola de legatarios de los sonidos más clásicos y añejos de los 70 esta contraatacando con Lp´s sensacionales, llenos de buenas canciones, guitarras llenas de sabor añejo y un empaque que volverá locos a quienes les guste escuchar buen rock.”

Así definía mi antigua compañera de Kerrang! en Inglaterra Daina Darzin este sensacional trabajo de debut de un grupo que tristemente apenas llegó a ser conocidos en Europa, pese a ser una de las formaciones más genuinamente magníficas que dio el rock americano de los 90. De hecho, y este es un dato que supe a posteriori, son de Nashville, Tennesee, la tierra madre del elixir mágico que nos alimenta a los envenenados por el blues y rock clásico: el Jack Daniels. Y por si fuera poco, se grabó en Memphis.

Cuando por primera vez escuchas este disco, lo disparas y la magia que se desprende de sus surcos envuelve el ambiente en el que te mueves, al escuchar temas como “Somethin’ Else” sientes como si de verdad estuvieran improvisando, como si el rock fluyera de sus almas y de sus corazones como en pleno concierto y como si estuvieran tocando con toda su energía en un escenario, llámese Glastonbury, Wight, Woodstock o Sweden Rock. Ellos, cuando se saborean sus acordes, realmente parecen felices de tocar rock, de hacer la mejor música, de disfrutar del rock como en los mejores años 60.

The Screamin’ Cheetah Wheelies eran lo que en los 90 se llamaba una banda Retro, sí, pero tambien añaden a su música elementos del funk, (especialmente en “Leave Your Pride”) del country, el blues y obviamente, el buen rock’n’roll. Esencias mágicas de ZZ Top, Rolling Stones, Molly Hatchet, Lynyrd Skynyrd, Dobbie Brothers...armónicas, sonidos de guitarra slide sensacionales, y el magnetismo y el feeling de la voz de su cantante, Mike Farris, que en temas como “Ride The Tide” y la magnífica “Shakin´ The Blues”, te harán mover los pies como no los movías desde los Faces o los Stones. !Pruébalo!

Por desgracia, y a pesar de que en su siguiente disco llegaron a contar con la colaboración de Warren Haynes de Gov´T Mule, las grandes expectativas que había en torno a ellos, en un momento en el que grupos como The Black Crowes o Blind Melon estaban triunfando, se quedaron en una intentona frustrada. Screamin’ Cheetah Wheelies nunca se acercaron siquiera a la excelsa brillantez de su primer disco, y años más tarde se separarían. Pero para la historia del rock con raíces, con esencia blues, con esa magia y ese feeling único, que solo pueden comunicar quienes han mamado el blues y el rock de sus fuentes más puras, este disco es un auténtico tesoro.

CLASICOS DE ORO CONTEMPORANEOS (IV): KING´S X, 'DOGMAN'

2011-04-11T23:43:00.009+02:00

King´s X es un grupo quizá no tan conocido ni tan popular en España como por ejemplo fue en su día Living Colour, pero sin duda, es un trío de una calidad extraordinaria, un grupo innovador y rupturista como pocos, cuyo talento para hacer un tipo de fusión de rock, funk, soul y blues no os puedo negar que siempre me ha cautivado.

‘Dogman’, este excelente álbum de 1994 venía a poner a King´s X, sobre todo a nivel de crítica periodística, tras el gran bajón que supuso ‘Faith, Hope & Love’ una desafortunada aventura que les hizo perder gran parte del prestigio ganado con aquellos dos sensacionales discos de finales de los 80. ‘Dogman’ significó un esfuerzo claramente encaminado a hacer regresar al grupo al sonido y el empaque que tenían sus primeras producciones. Dejando a un lado los devaneos pop, la banda ahora enfocó correctamente lo que debe ser su personalidad como grupo y las señas más claras de su identidad: Los riffs cristalinos y penetrantes de Ty Tabor y el modo racial y pasional de cantar de Doug Pinnick.

Este es un album más agrio, más duro, con más rabia en sus surcos. El tema que da nombre al disco, ‘Don´t Care’ y ‘Complain’ son cortes furiosos, con una gran cantidad de energía comprimida en unas líneas de bajo punzantes, una batería poderosa y unas guitarras que alcanzan los mejores momentos de aquel Lp de debut del grupo. En esa misma línea, ‘Human Behaviour’ y ‘Pillow’ fueron seguramente los dos temas más heavys que habían hecho King’s X en su carrera hasta esemomento, aunque pasados por el tamiz de los sonidos más en boga a las alturas de 1994, en los que no falta una evidente presencia del grunge y de hierbas similares. En lo que se refiere a sus letras, el negativismo y el pesimismo de sus últimas producciones remite un poco en favor de letras más intimistas, más optimistas en algunos casos y tambien algo más profundas, como es la letra de ‘Pillow’, sobre una crisis de fé.

Tampoco faltan en este disco las ya inexcusables baladas, en las que hay un poco de todo. ‘Flies And Blue Skies’ es delicada, y si se quiere, hasta un poco ñoña, pero ‘Sunshine Rain’ y ‘Cigarretes’ tienen una atmósfera más envolvente, más densa, y un tanto oscura.

Entre las sorpresas se incluyeron una versión bastante lograda del ‘Manic Depresion’ de Jimi Hendrix y un tema a medio camino entre el thrash y el punk llamado ‘Go To Hell’, aparentemente rescatado de los primeros y oscuros años de la banda. La producción de Brendan O´Brien fue otro factor que ayudó muchísimo a hacer de ‘Dogman’ un álbum de gran éxito, y hoy , cuando vuelvo a escucharlo, lo tengo que catalogar definitivamente como unos de estos clásicos de oro contemporáneos que estoy recordando en los últimos meses.

Como anécdota, este disco se publicó con una portada en cuatro colores diferentes, que os reproduzco aquí, con la cara del perro en una imagen en negativo.

MUSEU DEL ROCK DE BARCELONA

2011-04-05T02:29:00.004+02:00

Este pasado jueves tuve la inmensa satisfacción de acudir a la invitación que me hizo mi amigo Jordi Tardá a la inauguración del Museu del Rock, el primer Museo dedicado a la historia y a la cultura del rock que se inaugura en Europa, y que no es sino la culminación de años y años de trabajo, esfuerzo e ilusión de Jordi, quien ha llegado a ser un periodista musical de fama internacional al mismo tiempo que un afamado coleccionista de toda clase de memorabilia musical relacionada con el rock: su gigantesca colección personal incluye discos firmados, guitarras, trajes, documentos, posters, fotos inéditas... de todas las grandes figuras de la historia del rock, que componen y conforman todas las galerías de este Museo.

A esta magnífica fiesta de inauguración acudieron muchos de los más destacados músicos del rock catalán (Pedro Gené de Lone Star, Loquillo, La Companya Eléctrica Dharma o Carlos Segarra entre otros) y algunas figuras del rock internacional como Kerry King y Gary Holt –guitarrista de Exodus temporalmente en Slayer, cuyo concierto en la Ciudad Condal se celebraría un día más tarde- o Marky Ramone, que intervino en el discurso de inauguración, además del propio Jordi junto al director de Metrovacesa, empresa que ha participado activamente en la iniciativa, Ramoncín y el Conseller de Cultura de la Generalitat Ferrán Mascarell, -quien por cierto, se declaró Stone- y que introdujeron en el escenario a los Smoking Stones, los cuales protagonizaron un estupendo concierto, el primero que se celebra en el museo a base de contundentes versiones de clásicos como “Won’ t Get Fooled Again” de los Who, “Rock´n´Roll” de Led Zeppelin o “Satisfaction” de los Rolling Stones.

Situado en una excelente zona de la ciudad, en la Plaza de España cerca de la Estación de Sants y frente a la Fira, el Museu del Rock se ha instalado dentro de lo que fue la antigua plaza de toros de Las Arenas, en donde también se ha abierto un gran centro comercial y de ocio.

Salas temáticas dedicadas a los Beatles, Rolling Stones, rock español y catalán asi como a las décadas de los 50 a los 90 integran el museo, en cuyas instalaciones también se albergan dos salas de conciertos, así como una cafetería restaurante. Habrá también exposiciones temporales de otras colecciones así como diversas actividades relacionadas con el mundo del rock: conciertos, presentaciones de discos, de libros de música, etc.

Además de celebrar la buena noticia que representaba esta inauguración que tanto se había hecho esperar, y de poder tener de nuevo la oportunidad de tomar unas copas con mis amigos de la “canalla” periodística rockera barcelonesa –Alfred Coco Crespo, Jorge Ortega, Xavi Mercadé, etc.- sinceramente me felicito de que finalmente esta iniciativa se haya materializado y de haber tenido el privilegio de asistir a su estreno. Barcelona, ciudad universal y cosmopolita como pocas, puede sentirse muy orgullosa, e incluso toda Catalunya como país, de tener esta institución cuyo servicio a la música, la cultura y el arte no tienen parangón.

Creo que es de justicia volver a recalcar la magnífica labor que durante todos estos años ha hecho Jordi Tardá en su trabajo por acumular esta sensacional colección de auténticos tesoros de la historia del rock. No olvidemos que recientemente ha celebrado nada menos que 25 años en la radio al frente de su Tarda Tardá, y que a lo largo de toda su trayectoria, en la prensa, en la radio, las ferias, etc. siempre ha difundido y apoyado el rock de calidad y la buena música. Desde aquí, mi más sincero abrazo y mi enhorabuena por haber hecho realidad su sueño, que es tambien nuestro, el sueño de todos los que deseamos que el rock sea aceptado, entendido y valorado como lo que es, la forma de música y la expresión artística más revolucionaria, grande y universal de la cultura contemporánea.

Si amáis el rock y pasáis por Barcelona, no podeis dejar de visitar el Museu del Rock. Es una delicatessen para el espíritu.

Y finalmente, gracias a Xavi Mercadé por sus fotos para ilustrar esta entrada en el blog.

CLASICOS DE ORO CONTEMPORANEOS (III): YNGWIE MALMSTEEN 'MAGNUM OPUS' (1995)

2011-03-24T00:32:00.003+01:00

A pesar de que sus discos más conocidos pertenecen a su primera etapa en los años 80, en 1995 Yngwie Malmsteen, que atravesaba una época de cierto estancamiento sacó un magnífico disco que entiendo merece estar entre lo mejor de toda su trayectoria. Manteniendo el esquema básico que caracterizó a su anterior ‘The Seventh Sign’, dado que incluso mantiene al eficiente Mike Vescera como cantante, y a su inseparable Mats Olausson en los teclados, la producción corrió a cargo de Chris Tsangarides, cuya labor en este sentido fue muy válida y le sacó muy buen partido a la habilidad de Yngwie con la guitarra.

Yngwie Malmsteen se ha instalado desde hace muchos años en un estilo muy concreto y determinado de música, a la que le ha sabido dar su toque personal, una efectiva mezcla de Hard Rock tradicional con el virtuosismo innato en su personalidad como músico y la formación clásica, a cuya estructura se amolda muy bien el tempo y el equilibrio de sus composiciones. En esta ocasión, la fórmula se repite, con la novedad de que nos encontramos con un grado cuantitativamente mayor de variedad estilística. Por un lado, va del Rock fuerte, netamente heavy y directo de “Vengeance” y “Fire In The Sky” a la ampulosidad neoclásica de “Time Will Tell” y la rendida emulación de los clásicos en “Overture 1622”, una de las piezas más barrocas del disco. Tampoco faltan las piezas lentas, ni el aire exótico de un tema como “Voodoo”, ni ninguno de los ingredientes ya habituales de un disco de Yngwie Malmsteen, aunque quizá en pocos discos como este esta tan presente la influencia de Jimi Hendrix en el escandinavo como en este. Todo el espíritu, la atmosfera, el legado de la escuela Hendrix casi se puede tocar en cada canción del disco, lo cual creo sinceramente que lejos de ser un defecto que se le podría poner a Yngwie, le elevan considerablemente como músico.

Un trabajo en mi opinión bastante más inspirado y de mayor calidad que sus dos discos anteriores, con más frescura, más fuerza, y temazos como los ya mencionados -sin olvidar otra joyita llamada “No Love Lost”- que harán que cuando lo escuches, estés de acuerdo conmigo

LOS PASOS DEL RECUERDO: HISTORIA VIVA, IMAGENES VIBRANTES

2011-03-16T00:02:00.004+01:00

Mi amigo y paisano Xurde Margaride, un excepcional fotógrafo asturiano cuya trayectoria en el campo de la fotografía en todos los ámbitos es ejemplar, y así podéis comprobarlo si visitáis su página web, www.xurde.net es el autor de un libro llamado 'Aquilino Gómez, Los Pasos Del Recuerdo' de una belleza plástica y estética maravillosa, belleza que se correponde con la grandeza humana del personje en el cual está centrado el libro, Aquilino Gómez, uno más de los miles y miles de combatientes por la República, por la libertad y por el socialismo que lo dieron todo en la lucha contra el fascismo cuya vida y cuya lucha es un ejemplo de coraje, de valentía y de dignidad.

Aquilino Gomez fue, y es, y será toda su vida un militante comunista íntegro que no solo combatió en la guerra en todos los frentes en los que le tocó estar, sino que continuó la lucha contra el franquismo en las filas de la Agrupación Guerrillera Pasionaria, sufrió la clandestinidad, fue superviviente de un campo de concentración nazi, padeció las cárceles franquistas durante trece años... y a lo largo de toda su vida, siempre fue un militante disciplinado del Partido Comunista, un luchador sin tregua por la libertad, y en este libro, él mismo expone las ideas y los sentimientos que le llevaron a ese compromiso tan auténtico, tan sincero, con naturalidad, sencillez y una inteligencia, que la lectura de su testimonio es un verdadero placer.
Las fotografías de Xurde, con esa fuerza gráfica que proporciona el blanco y negro, más reforzada aún por la mirada limpia y profunda de Aquilino, que recorre el libro a lo largo de muchos de los más intensos escenarios de esa vida de lucha revolucionaria. Xurde Margaride es también uno de los promotores de la realización de un documental que se esta haciendo en torno a este libro, y desde aquí, por la gran calidad técnica de su trabajo, pero también por la humanidad y la vida que desprenden sus imágenes, le felicito efusivamente y me ofrezco a cooperar en todo lo necesario para difundir tanto el libro como el documental.

Sostiene el camarada y amigo Aquilino que además de luchar por la recperación de la memoria histórica, hay que luchar por la VERDAD histórica. Porque la historia, la historia de España en ese crucial periodo fue escrita por los vencedores de una guerra sucia y criminal perpetrada por un ejército asesino, una burguesía de terratenientes y grandes propietarios que se obstinaban en dejar morir de hambre y miseria a millones de campesinos y unos capitalistas aliados con el fascismo italiano y alemán. La verdadera historia nos la han escondido, la han falseado y la han manipulado según sus intereses.
Por eso, todo esfuerzo por reivinidicar la dignidad de los combatientes republicanos y la justicia de su lucha, por dar a conocer la historia tal y como fué, sigue siendo para quienes nos reclamamos de los valores de la libertad y del socialismo, una tarea permanente y una exigencia ética irrenunciable.

CLASICOS DE ORO CONTEMPORANEOS (II): SOUNDGARDEN - SUPERUNKNOWN (1994)

2011-03-08T03:33:00.005+01:00

“Cada semana tengo un tema favorito diferente del fenomenal cuarto álbum de Soundgarden, ‘Superunknown’. Esta semana es ‘4th Of July’, mientras que la anterior fue ‘Black Hole Sun’. Antes que ésta llegaron ‘Head Down’ y ‘The Day I Tried To Live’. Y hay más por venir, eso seguro. Seguramente, los fans que esperen otra bomba de Heavy Metal-Grunge no quedarán muy contentos; pero si quieres un álbum lleno de sorpresas, maravillosas interpretaciones y el sonido de una banda exprimiéndose a sí misma hasta su máximo potencial, entonces ‘Superunknown’ será probablemente tiones y el sonido de una banda exprimiéndose a sí misma hasta su máximo potencial, entonces ‘Superunknown’ será probablemente tu disco del año.”

Así se refería el periodista Don Kaye en Kerrang! a este sensacional ‘Superunknown’, el disco que llevó a Soundgarden a lo más alto tanto de su calidad musical como de su popularidad. Recordándolo ahora, ‘Superunknown’ era –y es, para mi es un disco que aún conserva plena vigencia- un álbum de profundidad y diversidad, un trabajo rebosante de ideas frescas, nuevas direcciones y temas densos e impregnados de atmósfera 100% Black Sabbath, aunque con la producción y el sonido de los años 90.

‘Badmotorfinger’, en 1991, fue uno de los grandes discos de Heavy Metal de los comienzos de la década, y las comparaciones con ‘Superunknown’ fueron inevitables. Pero hay poco que comparar; Soundgarden habían rechazado sabiamente el repetirse y aún suendo fieles al más típico sonido de Soundgarden, había mucha innovación: ‘Let Me Drown’ , que abría el disco, tenía ese inconfundible aire bluesy lleno de groove, y tras un fabuloso ‘My Wave’, aquí viene el primer indicio de que realmente nos estamos introduciendo en lo “superdesconocido”: “Fell On Black Days”, una pura y elegante sombra sonora que desciende hasta la locura, con sus simples y grises líneas de guitarra acentuando las apenas moderadas voces. Toda ella tiene un oscuro y siniestro brillo que no deja de ser cautivador.

‘Head Down’, un sicodélico y etéreo viaje con voces ‘de otro mundo’ por parte de Chris Cornell no puede ser sino la mejor introducción a la inmensa y kaleidoscópica canción que da título al disco, una odisea metafísica propagada por cascadas de brillantes riffs. Por si aún querías más, ‘Black Hole Sun’, un machacante tema inspirado en los Beatles pero cargado de ese sentimiento alucinógeno que la banda captura tan inteligentemente. La cosa continúa con la intensa ‘Spoonman’, que introduce un ‘spoon player’ (tocador de cucharas), además de ritmos tribales y serpentinas en lugar de riffs. ‘Limo Wreck’, una especie de fuego lento que se va consumiendo en la más pura tradición de ‘New Damage’, y nos lleva a otro de los temazos del disco, ‘The Day I Tried To Live’ y esos curvos e infecciosos coros y un riff descendente, oscuro, inquietante…

De los tres últimos del álbum, todos son excelentes, en especial quizá la fantasmal ‘4th Of July’ llena de atronadoras guitarras y ‘Like Suicide’.

La única pequeña pega que para mi sigue teniendo este disco es que las guitarras parecen demasiado bajas de volumen en la mezcla final. Aunque aparte de todo eso, la interpretación de cada uno de los músicos es sorpendente. Y en cuanto a la producción de Michael Bienhorn, sobresaliente.

Uno de los discos que marcó la evolución del Hard Rock en los años 90.

ROCK STAR Y SIMPATIA POR EL DIABLO: ROCK, RADIO Y LITERATURA

2011-03-04T00:08:00.008+01:00

En esta última edición de Rock Star he tenido el placer de tener como invitado en el estudio a Estéban Gutiérrez, coordinador editorial de libro "Simpatía por el Relato" -Antología de Cuentos Escritos por Rockeros", que nos ha leído algunos fragmentos del libro, y con el que hemos departido ampliamente acerca de este libro y sobre la relación tan interesante que existe entre dos mundos tan fascinantes como pueden ser el de la literatura y el del rock.

Esteban, también conocido como Baco Vicious, al que conozco desde hace más de 25 años desde los tiempos en los que yo me colaba en los estudios de Radio Juventud de Madrid para ver como se hacían aquellos míticos programas de radio rock en la FM madrileña, aquellos primeros programas que yo empecé a escuchar y con los que fui conociendo poco a poco el mundo del rock: El Búho Musical -¡que grande fue la buena época del Búho, entre 1981 y 1982, con toda la buenísima música que siempre ponían y toda la fauna que había por allí, Paco Pérez Bryan, El Profe, Morante…!- los primeros tiempos de Disco Cross con Mariano García, Jesus, Antonio, y muy especialmente El Fugitivo de Mario de Castro, programa en el siempre nos reuníamos cada sábado por la mañana en el estudio una jarfia de rockeros de lo más cachondo y de lo más salvaje: David Ozzy, Pedro El Lennon, el Cocinero de la Banda de Uriah Heep… y entre ellos, Baco Vicious y yo.

Años después, me reencuentro con Esteban Baco Gutiérrez y hablamos largo y tendido sobre un excelente libro: Simpatía por el Relato, una antología de relatos breves escritos por músicos de rock que van desde El Drogas de Barricada a Rubén Pereza, pasando por Juan de Mamá Ladilla, Agnes de Lilith, Daniel Sancet de Insolencia, Antonio de Yeska, Kutxi Romero de Marea o Julián Hernández de Siniestro Total por citar a alguno de los más representativos. Una colección de historias realmente muy interesantes que desde ahora mismo ya os recomiendo que leáis atentamente. Y en cuanto al resto del programa, tuvimos además del estreno del nuevo disco de KOMA, peticiones y la música de AC/DC, KING´S X, OZZY OSBOURNE y AUDREY HORNE.

La segunda hora de programa estuvo rebosante de novedades en todos los estilos: nuevos discos de DESTRUCTION, BLOODBOUND, OMNIUM GATHERUM en el rollo más duro, repaso a los carteles de festivales nacionales e internacionales, y en otros estilos, los nuevos discos de KING KOBRA, WHITESNAKE, URIAH HEEP, THE POODLES, y música e información sobre las próximas giras de CINDERELLA y MOTLEY CRUE.

Aquí os dejo los links de descarga en ivoox. Espero que os gusten.

http://www.ivoox.com/rock-star-2-marzo-2011-1-hora-audios-mp3_rf_558208_1.html

http://www.ivoox.com/rock-star-2-marzo-2011-2-hora-audios-mp3_rf_558251_1.html

CLASICOS DE ORO EN VIVO: LED ZEPPELIN, 'HOW THE WEST WAS WON'

2011-02-26T20:21:00.006+01:00

Discos como este, sesiones musicales en las que el desbordante talento de cuatro músicos que supieron sacar de su inspiración una magia que ningun otro grupo volvió nunca a crear como ellos, son los que incluso en las horas más bajas, le devuelven a cualquiera la fe en esta música que llena nuestras vidas día y noche. Todos los adjetivos serían pocos: brillantez, fuerza, emoción, canciones inmortales, dureza rayana en lo extremo pero cargada de denso sentimiento blues…o lo que es lo mismo: nada menos que Led Zeppelin en vivo en 1972, quizá en la cumbre de su carrera y en su mejor momento de forma. Se cuenta en el libreto interior del disco que estas cintas se recuperaron de los archivos de Jimmy Page mientras el equipo que preparaba la documentación del DVD puesto a la venta en 2003 examinaba todo el material que iba a ir a ese DVD. Conciertos grabados en su gira USA de 1972 en el Long Beach Arena y en el Forum Inglewood de Los Angeles, grabados por uno de los mejores ingenieros de sonido del mundo –para mi, abiertamente mi favorito- Eddie Kramer, y remasterizado por Kevin Shirley, productor habitual de Iron Maiden, entre otros. ¿Te haces idea de cómo puede sonar eso?
Tres CD´s con lo mejor de Led Zeppelin en vivo, en esas maratonianas sesiones de blues y rock que les convirtieron en leyenda y tras las cuales nació el Heavy Metal, con la magia fluyendo en forma de maravillosas improvisaciones en las que, por ejemplo, en el sensacional “Whole Lotta Love” de 23 minutos, fundían esa pesada pieza de Hard Rock con un blues de Robert Johnson y un rock clásico de los 50 como el “Hello, Mary Lou”. Impresionantes versiones, extensas y llenas de feeling de clasicos como “Inmigrant Song”, “Heartbreaker”, “Black Dog”, “Bring It On Home”, ese orgasmo sonoro de 25 minutos que es “Dazed and Confused”, o “Rock´n´Roll”. Todo ello con un sonido de primera, y recreando magistralmente lo que Led Zeppelin eran capaces de hacer en directo.
Podría llenar folios y folios y nunca acabaría de glosar la inmensidad del arte de esos cuatro genios que se separaron tras la muerte de Bonzo Bonham en 1980. Este ‘How The West Was Won’ es una obra maestra absoluta que no debe faltar en ninguna colección de discos de cualquiera que ame de verdad el rock. Insuperable.
No existe excusa para que no te hagas con él.

CLASICOS DE ORO CONTEMPORANEOS: SAVATAGE 'STREETS - A ROCK OPERA'

2011-02-24T19:16:00.005+01:00

Puesto a la venta el 28 de octubre de 1991, es uno de los discos en los que esta excelente banda americana pienso que hizo un trabajo más inspirado y logrado a todos los niveles. Esta singular muestra del concepto de Opera Rock contemporánea llevada al sonido de los 90 se grabó entre enero y julio de 1991 en los 321 Studios de Nueva York por unos Savatage que en ese momento presentaban la siguiente formación: Jon Oliva voz y piano, Criss Oliva guitarra, Chris Caffery guitarra, Johnny Lee Middleton bajo, Steve “Doc” Wacholz batería y Paul O´Neill a los mandos como productor.

A la hora de enfrentar el proyecto ‘Streets’, Savatage se encontraban recuperando parte de la popularidad perdida ante su público con la edición unos años antes de ‘Fight For The Rock’, un àlbum excesivamente orientado hacia el AOR que no llegó a gustar del todo a sus fans. La buena acogida que tuvo “Gutter Bullet” en 1990 resultó definitiva para que repitiendo la misma jugada, Savatage se embarcaran en un álbum conceptual más ambicioso y mucho más elaborado musicalmente.

‘Streets’, cuenta la historia de un antiguo traficante de drogas neoyorquino, D.T. Jesus, cuya verdadera pasión es el rock y que de hecho, llega a convertirse en una estrella de rock mudialmente famosa y multimillonaria, que termina por arruinarse y acaba volviendo a las calles de las que salió. Cada canción narra un episodio de su vida, desde su diálogo con Dios en la Catedral de St. Patrick al asesinato de su manager y amigo Tex. Tras la edición de este disco Jon Oliva decidió continuar en Savatage pero meramente como compositor y de cara a la siguiente grabación, entró en la banda como cantante Zachary Stevens, ex-miembro de White Witch.

A pesar de la inmensa calidad musical y de la brillantez que rebosaba cada canción del disco –mis favoritas siempre han sido “A Little Too Far” y “Ghost In The Ruins” - fue editado en un momento en el que el mercado estaba volcado en la explosión del grunge y su paso por los charts fue más testimonial que otra cosa. Entró en octubre de 1991 en el nº197 de la lista de Billboard y permaneció tres semanas, y en Inglaterra no alcanzó el Top-50. Sin embargo, fue doble disco de platino en Japón en enero de 1992 y obtuvo muy buenas posiciones en charts en Alemania y Suecia.

El prestigioso crítico Martin Popoff, autor de la famosa The Collector´s Guide To Heavy Metal escribió sobre ‘Streets’: “Junto con ‘Operation Mindcrime’ de Queensryche, ´Streets’ es el álbum clave del nuevo concepto de Operas Rock del metal moderno. Savatage cuentan en este disco una historia de sexo, drogas y rock’n’roll de la misma forma que poco tiempo después harían WASP con ‘The Crimson Idol’. Pero por encima de esas dos obras, Savatge imprimieron a este disco una ampulosidad musical y una producción tan sobresaliente que ha quedado para la historia como uno de sus mejores discos, sin duda alguna.”

Incorporando en lo musical una bien tamizada pero evidente influencia de Alice Cooper, cuyas produccionesen ese momento eran toda una referencia para el metal americano, manteniendo su evolucionado al tiempo que clásico concepto del Heavy Metal y logrando crear una atmósfera que le otorga plena credibilidad a la historia, Savatage alcanzan en ‘Streets: A Rock Opera’ el momento de mayor inspiración de su carrera. Un trabajo que no por ser demasiado publicitado en el momento de su edición ha perdido vigencia, y que fue la última y más genial contribución de Criss Oliva a Savatage antes de su desgraciada desparición en 1993, muerto en un accidente de coche.

EN RECUERDO A GARY MOORE

2011-02-20T19:07:00.002+01:00

" El blues no es un estilo cerrado, cada músico que adopta ese lenguaje, esa expresión, siempre tiene algo nuevo que aportar. El blues es una música que tiene mucho que ver con los sentimientos, y los sentimientos humanos son algo siempre cambiante, siempre en conflicto, en transformación. No sé porqué existe ese tópico de que el blues es algo triste, y que solo expresa sufrimiento, eso no es así. Hay muchos blues que tratan de cosas positivas, que hablan de fiesta, de fin de semana, de mujeres guapas y sensuales...el blues vuelve a reinventarse cada vez que alguien tiene algo que decir y lo dice tocando la guitarra. ¿Que evolución puede seguir? no lo sé, de lo que sí estoy seguro es de que todavía tiene una larguísima vida.”

Esta fue una de las cosas que más me llamó la atención de la última vez que tuve ocasión de hablar con Gary Moore, en la primavera de 2009. Había venido a Madrid a tocar en el Festival de la guitarra y la revista de blues que hacía entonces, Crossroads, le dedicamos portada y un amplio reportaje con un resumen de la rueda de prensa que concedió en madrid y el concierto en el Palacio de Deportes de la CAM.
Complaciendo así una sugerencia que me envió a través de un comentario un seguidor del blog, y ahora que he acabado trabajos pendientes que no me dejaban tiempo suficiente para dedicarme al blog, si quiero hacer una semblanza de quien fue y lo que aportó al mundo del rock. Músico continuador del British Blues, taanto en su primera banda Skid Row como en su primer album en solitario Grinding Stone supo hacer una genial mezcla de blues progresivo y hard rock que aún sorprende cvuando se escucha, a pesar de que el disco se editara en 1973.

Conocida es su etapa en Thin Lizzy, aunque quizá no tanto la de Colosseum, un grupo de jazz rock excelente con los que grabó tres discos entre 1975 y 1978 antes de adentarse al cien por cien en el Heavy Metal, primero con un grupo al que llamó G Force en 1980 y a partir de 1982, ya totalmente en solitario. Tanto en sus discos de estudio, especialmente Corridors Of Power (1982) y Victims Of The Future (1984), así como en sus directos Rockin' Every Night (1983) y We Want Moore! (1984) Moore se labró una legendaria reputación dentro del rock duro como auténtico Guitar Hero, merced no solo a su talento, sino a que supo hacerse acompañarse de músicos de gran prestigio en la escena heavymetalera desde el batería de Deep Purple Ian Paice al ex-cantante de Uriah Heep John Sloman, pasando por Don Airey como teclista.

Los 90 fueron los años en los que Gary Moore se volcó hacia el blues más clásico, sobre todo gracias al éxito de su Still Got The Blues, un fabuloso álbum de puro blues con algún chispazo rockero (“Walking By Myself”) y en el que leyendas vivas del género como Albert King o Albert Collins dejaron su inspiración y su toque maestro. Composiciones propias como “Texas Strut” o versiones como “Too Tired” de Johnny Guitar Watson y Maxwell Davies son algunas de las más representativas de un álbum de blues elegante y contemporáneo que nunca deja de ser una delicia escuchar. A destacar también aquel excelente grupo que vino a ser una versión años 90 de Cream, BBM, banda en la que se unió a Ginger Baker y Jack Bruce y con los que grabó en 1994 una masterpiece llamada Around The Next Dream.

El 6 de febrero de 2011, como ya sabeís, Gary Moore nos dejó para siempre. Deja un legado musical excelente, discos que son auténticas cátedras de rock y un recuerdo que no se perderá nunca en la memoria de todos sus fans.

Escucha, siente y comparte su música. De esa manera Gary Moore nunca morirá.

LAS MEMORIAS DE MI COLEGA, MI AMIGO, MI PADRE... KEITH RICHARDS

2011-01-30T19:45:00.006+01:00

Aahh, Keith. Nuestro Keith. Mi Keith

Tu Keith.

El puto demonio/dios de los Stones.

A pesar de que son casi 650 páginas, entre metros madrileños diarios dos veces al día de Tetuán a Prosperidad, de trenes de Madrid a Barcelona y Barcelona a Madrid, de Barcelona a Vila-Franca, de Barcelona-Sants a Girona y de Girona a Barcelona-Sants, en estos días de enero me he podido empapar ese maravilloso tocho de autoregalo de navidad que me hice y que son las memorias -muy discutiblemente traducidas, se nota que quien las ha traducido no es fan de los Stones, y suelta alguna bobada propia de traductor/ robot de a tanto el folio- de ese rockero grandioso, capullo, cabronazo, gitano, junkie, hijo del blues y del rock, y por encima de todo, adorable y entrañable para quienes somos stonianos.
Para los que somos Stones de corazón, para los que somos Stones de partirnos la cara para estar en la primera fila de un concierto, de los que estamos desde las seis de la mañana o antes en la puerta de entrada de cualquier recinto donde vayan a tocar, de quienes sentimos a los Rolling Stones como esa energía, esa fuerza, ese combustible vital de nuestras vísceras, este libro es una verdadera maravilla, y de entrada, recomiendo muy sinceramente su lectura.

Vida, esta autobiografía de Keith Richards es un relato pienso que esencialmente sincero, honesto y limpio de su vida, que busca creo que de manera muy importante, por un lado separar claramente a Keith Richards como persona, como ser humano, como padre de familia y músico, del personaje Keith Richards alma salvaje de los Stones, del cual en ningún momento niega ni reniega de su existencia, sino que pretende situar en su dimensión real, fuera de las leyendas urbanas, rumores falsos y exagerados y barbaridades propias de la prensa amarilla que creó leyendas absolutamente falsas sobre él.

En este libro, en la parte más positiva y que a mi personalmente más me ha gustado, la parte en la que Keith habla más de los Stones y de como trabajaban en los 70: Impagable el capítulo dedicado a la grabación de 'Exile On Main Street' en Francia en el verano del 71, y de como fué la gira USA del 72, con ese inefable Bobby Keys mucho más gamberro que cualquiera de ellos - buenísima la historia de la detención en un aeropuerto de Australia en el 73, y como el propietario de la multinacional de los zumos Dole les salvó el culo a Bobby y a Keith- y la gira europea del 73, con Bobby inconsciente con un pedo de caballo bestial en una bañera llena de Champagne en un hotel de Bruselas.
Sensacional leer como Keith te cuenta como en la grabación del 'Mixed Emotions' en Barbados en el 89, apareció por allí un amigo de Mick Jagger gilipollas que se puso a dar opiniones sobre como Keith debería acabar un solo de guitarra, y como Keith cortó su estúpida perorata lanzándole una navaja que se clavó en la pared a escasos centímetros de su garganta. Y para mi, lo mejor de todo el libro, es como a pesar de que Keith no se corta a la hora de criticar a "Brenda" -lease Mick Jagger- y a pesar de algunas críticas poco fundamentadas y muy poco rigurosas sobre este libro, Keith no deja de decir que a pesar de todo, Mick Jagger es su amigo, su colega y su hermano, es su alma gemela en los Rolling Stones, y se nota que le quiere y le aprecia, precisamente por como le dolieron algunas actitudes por parte de Mick hacia él y hacia los Stones.
Vamos a ver, seguro que a cualquiera de nosotros nos ha pasado con nuestro mejor amigo: ¿nunca habéis tenido una bronca de cojones con ese amigo o amiga del alma, que precisamente más nos duele porque es nuestro mejor amigo, el que más nos conoce...? y esa bronca a veces ¿no es verdad que es la más difícil de perdonar, porque es la que más nos ha dolido? pues eso es lo que cuenta Keith de Mick sobre su enfrentamiento en los 80.
Una frase para mi muy reveladora que Keith escribe en estas memorias y que reproduzco textualmente para que os hagáis una idea de lo que podéis leer en este excelente libro: "Yo hay muchas veces que discutiendo con Mick, sería capaz de patearle la cabeza. Cuando se pone en su papel de reinona estúpida lo único que se merece es un buen par de hostias, pero... como alguien sea capaz de meterse con Mick Jagger sin estar él presente y delante de mi, soy capaz de cortarle el cuello."
Más criticable me parece el escasisímo apartado que Keith dedica a su relación con Brian Jones, algo que yo esperaba con mucho interés, así como las mínimas líneas - eso sí, muy respetuosas y elogiosas- que dedica a uno de mis Stones de cabecera, Mick Taylor. Alguien que hizo con Keith muchos de los discos más clásicos de los setenta con el grupo pienso que merecía más atención por parte de Keith en este recorrido por su vida en relación con los Rolling Stones. Esos son para mi los dos únicos puntos más criticables del libro.
Y no me resisto a señalar un apunte que para mi es fabuloso, sobre todo porque en contra de muchas opiniones que he escuchado, en ese sentido, Keith Richards me da la razón; en cada disco de los que Keith habla, no tiene reparos en señalar sus canciones favoritas y en explicar porqué son sus favoritas. Y hay una canción -bueno, hay muchas, pero una especialmente- en la que coincide plenamente conmigo: una de las mejores baladas que ha hecho para los Stones es "How Can I Stop" del 'Bridges To Babylon'. Un temazo que termina con un solo de saxo de Wayne Shorter de los que si no te saca las lágrimas de emoción, es que ya estás muerto.
Y Keith coincide conmigo en que es la mejor balada que los Stones han grabado en muchísimos años. ¡Por supuesto, Maestro!
En resumen, un libro como se puede esperar de Keith Richards: irónico, divertido, tóxico, contradictorio, salvajemente rockero, puramente stoniano, a ratos entrañable, a ratos duro y visceral... y creo que esencialmente, sincero y honesto. A estas alturas ¿tiene algo todavía que ocultar Keith Richards?

Maestro, hermano, colega... sé perfectamente que nunca llegarás a leer este blog, pero por si acaso... he pasado los mejores momentos de mi vida escuchando tu guitarra con los Stones. Y ahora también, leyendo tu vida, y viendo como mi propia vida también tiene algun reflejo en la tuya.

Gracias, maestro y hermano.

Gracias, Keith.

NUEVOS PROGRAMAS DE RADIO Y THE METAL EXPERIENCE CLUB

2011-01-09T20:48:00.007+01:00

Nuestra primera emisión del año fue el pasado 4 de enero, y en ese programa estrenamos, entre otros los nuevos discos de MOTORHEAD, STRATOVARIUS, TNT, MR.BIG, RALF SCHEPERS en solitario, repasamos las fechas de conciertos más interesantes, informamos sobre la cita el jueves 13 de enero con la METAL EXPERIENCE CLUB y el día 5 de enero la actualidad estuvo centrada en los nuevos discos de DEICIDE, BLACK LABEL SOCIETY y OLIVER WEERS, el recuerdo a los shows esta primavera de MEGADETH y SLAYER y noticas sobre el contenido del nuevo número de la... revista Heavy Rock en la primera hora de programa. La segunda hora tuvo como protagonistas a BLACK COUNTRY COMUNION, TEN, BAD HABIT, noticias sobre los ROLLING STONES, en el apartado español los nuevos discos de GARAGE JACK, TAKO y WEB ONES y peticiones relacionadas con IRON MAIDEN y BLACK SABBATH en la parte final del programa.

Volveremos sobre ello, pero no quiero dejar de recomendaros a quienes seais de Madrid, que no dejéis de visitarnos cada jueves a partir de las 9 de la noche en la Sala Live de Carabanchel, en una nueva edición de la METAL EXPERIENCE CLUB. Ya tuvimos una buena fiestecita de inauguración con Sherpa el pasado 30 de diciembre y ahora, cada jueves a partir de este próximo 13 de enero, retomamos esta serie de sesiones musicales recuperando el espíritu de lo que fueron salas como Canciller o Studio Rock. Estamos desde las 9 de la noche con una descarga total de Hard Rock y Heavy Metal con videos en pantalla gigante, regalos, radio en vivo... ¡No te lo pierdas!

La Sala Live! está en la Avenida Nuestra Señora de Fátima 42, metros más cercanos Eugenia de Montijo y Carabanchel.

En cuanto a los programas de radio, ya sabéis que los tenemos para escuchar y/o descargar en el canal Rock Star / Mariano Muniesa de www.ivoox.com y el podcast de Mariskalrock.com.

Más noticias muy pronto

FELIZ AÑO 2011

2010-12-31T18:40:00.002+01:00

Pues eso... después de un año tan difícil en tantos aspectos, por lo menos que los próximos doce meses sean algo mejores que este año que termina.
Estaremos, si nada se tuerce, en Sweden Rock, en Graspop, en los grandes festivales de verano, seguiremos desde Heavy Rock y www.mariskalrock.com al pie de la actualidad, haciendo periodismo musical a pie de calle, compartiendo con todos vosotros la actualidad y la mejor música. De hecho, ya os anuncio que nuestro programa de radio, Rock Star, vuelve a emitirse como siempre en www.mariskalrock.com todos los martes y miércoles de 17.00 a 19.00 de la tarde, hora de España. Este martes 4 de enero, arrancamos de nuevo.
¡Y no terminará el año sin que tengamos noticias de los Stones!

Un abrazo a todos los comuneros y pasadlo lo mejor que podáis. Feliz año 2011

MERCADOS CONTRA INFORMACION, TOTALITARISMO MEDIATICO

2010-12-23T22:13:00.003+01:00

Esta siendo muy comentado en toda clase de foros la noticia de la "fusión" (en realidad una absorción) del canal del grupo PRISA Cuatro por Tele 5 y la primera consecuencia de ello es la noticia del final de las emisiones de CNN+, un canal de noticias temático que llevaba 11 años emitiendo primero desde Canal Satélite Digital, y ahora en Digital + y TDT.
Como periodista, como antiguo trabajador de algunas de las empresas del grupo Prisa, también como ciudadano, es un tema que me preocupa y del que no me resisto a compartir con vosotros algunas reflexiones.
Esto quiere decir que de entrada, y probablemente ya para siempre, un profesional de la extraordinaria categoría profesional y humana de Iñaki Gabilondo probablemente ya no vuelva a la radio o a la televisión, y junto con él, otro gran periodista y además buen amigo como Antonio San José, además de un elenco de periodistas de gran valía, de los cuales he conocido a muchos durante los ocho años que pasé trabajando no solo en 40 Principales Radio, sino en Canal + y 40 TV, justo cuando ese canal comenzaba sus emisiones.
El cierre de CNN+ es una noticia pésima para el mundo de la comunicación en este país. Primero, porque con esta absorción se refuerza mediática y políticamente incluso al canal que más ha hecho por denigrar, degradar y degenerar la televisión como medio, Tele 5, el engendro del neofascista Berlusconi. El canal símbolo de la telebasura, el canal de la zafiedad, del chillido chirriante, de lo hortera, de lo chabacano, de lo cutre y de lo casposo.
En segundo lugar, porque a pesar de que mucha gente consideraba a Cuatro y CNN+ unos canales de "izquierda", y aunque en realidad no lo eran ni podían serlo, -no se olvide de donde viene la CNN, una cadena integrante del complejo mediático yanqui, y eso se notaba siempre en sus ataques groseros y falsarios contra nuestra Cuba revolucionaria o nuestra Venezuela Bolivariana - pero al menos, era posible acceder a un nivel de información no necesariamente dictada a todas horas por el PP y sobre todo, en los debates políticos que se hacían en sus programas -de nuevo, excelentes los debates de Iñaki Gabilondo en "Hoy"- era posible escuchar argumentos razonados en un clima de respeto, de pluralidad y de cierto sosiego. Cuando uno ha visto los bodrios de "debates" que se organizan en otras cadenas, todo a base de gritos, barullo, histrionismo, exageraciones y demagogia de la más burda, pensar que ese es el único modelo que se impone ahora produce tanta tristeza como pavor.
Y tercero, porque no ya la derecha, sino que la Extrema Derecha a nivel televisivo, definitivamente impone su dictadura total en el medio. Desde las televisiones públicas del PP como las de Madrid o Valencia a los salvajes de Intereconomia, pasando por los ultras de "Libertad" Digital, la televisión de El Mundo o la caverna religioso-medieval de María Visión a Antena 3. Súmese a eso la previsible purga que los pepitos harán en RTVE si ganan en 2012 o antes -¿os imagináis que vuelva el "cece-oo-oó"?- para colocar a sus acólitos y nos encontraremos con un panorama en el que el poder mediático estará en manos de gente como Belén Estéban, el homófobo Vidal, el energúmeno Losantos o el apologista de la pederastia Sánchez Dragó. De pesadilla.

Parece increíble que todavía haya que explicar algo que debería ser evidente, y es la gran farsa de la democracia occidental, esa "democracia" en la que el poder, lejos de estar en el pueblo o en los votos, está en manos de las agencias de calificación, los grandes grupos empresariales y en la oligarquía bancaria. ¿Se puede mantener que existe libertad de expresión cuando los periódicos, las cadenas de radio y las televisiones están en manos del mercado, se compran y se venden, se fusionan... y se manipulan para que todos los medios vayan en una sola dirección? ¿se puede sostener que existe libertad de expresión cuando todos los medios de comunicación están en manos de la extrema derecha?

Al final tendra razón como siempre, Groucho Marx: "Considero que la televisión es sumamente educativa. En cuanto veo alguno de sus programas, a los pocos minutos apago el receptor y me pongo a leer un libro".

REFLEXION DESDE LA VENEZUELA BOLIVARIANA

2010-12-11T21:52:00.002+01:00

Os reproduzco en esta entrada una interesante reflexión de mi amigo Emilio Pino, rockero de pro y persona comprometida con el desarrollo y evolución del socialismo del siglo XXI en America Latina. A quienes estéis interesados en esta problemática, os aconsejó su lectura, yo me identifico plenamente con él y croe que es un punto de vista muy lúcido acerca de la situación revolucionaria en Venezuela.

REFLEXIÓN PERMANENTE: LO QUE NOS HACE FALTA
El socialismo no se puede explicar como si fuera una forma inefable o una pócima que convierte las cosas malas en buenas, o decir que de la noche a la mañana se construirá la sociedad socialista.
El socialismo es un proceso que surge a través de una conciencia social, de una voluntad de cambio y de un profundo sentimiento de solidaridad. El socialismo no se puede imponer, es una acción social y espiritual.
Es por eso que discutir, con personajes, escuálidos, burgueses, anticomunistas; puede ser algo inútil (una perdida de tiempo), ya que ellos, ignoran lo social.
Y nos seguiremos enfrentando a esas consignas (ya pasadas de moda) o discursos anunciando el caos y el juicio final con iniciativas de reivindicación para el pueblo.
¿Y que nos hace falta para la consolidación de la revolución Bolivariana y Socialista?, precisamente eso, claridad en el discurso y en la acción, en estos momentos no necesitamos de socialistas de libritos o señores dogmaticos, empecinados en copiar el modelo soviético. Necesitamos es de verdaderos revolucionarios- marxistas que comprendan la dialéctica como camino para el cambio.
Nos hace falta, seguir derrotando las estrategias imperialistas, las silenciosas, las descaradas. Desde la terrible alienación, hasta las pretensiones de invasión militar y el siempre latente magnicidio.
Nos hace falta, la definitiva consolidación de la Venezuela productiva. Es urgente seguir fortaleciendo la integración y cooperación con los países hermanos, para cortar con la dependencia ilógica con los Estados Unidos, ya que dicha dependencia nos aleja del progreso.
Nos hace falta, más igualdad de condiciones, equidad, justicia en la distribución. Eliminar el privilegio, absurda conducta de la burguesía.
Nos hace falta, el fortalecimiento de la revolución cultural. El reconocimiento de nuestra realidad y talentos. La cultural debe dejar de ser un espacio cerrado o un mecanismo para hacer dinero.
La reflexión debe ser continua, permanente. Hay profundas razones para creer que podemos lograr el objetivo: EL SOCIALISMO.
Emilio Pino
http://www.facebook.com/l/d915dkSu4Wt9bgmSaEAPmF4cW1A;www.caminosocilista.blogspot.com
caminosocialista@gmail.com

MI SALUDO SOLIDARIO Y MI ABRAZO A WILLY TOLEDO

2010-12-05T01:49:00.004+01:00

Como todos sabéis, con motivo de todas las movilizaciones que se están llevando a cabo para expresar la solidaridad del pueblo español con el pueblo saharaui y especialmente con las víctimas de la represión brutal y asesina ejercida por el gobierno de Marruecos y la monarquía alahuita, se produjo hace unos días un incidente en el congreso en el cual José Bono, el mejor aliado que la derecha meapilas, ultranacionalista y ultraborbónica tiene como submarino en el PSOE -da vergüenza ajena recordar los desprecios incalificables que este "socialista" ha hecho a los familiares de represaliados del franquismo, o sus provocaciones de tufo españolista contra Euskadi y Catalunya- expulsó a mi amigo Willy Toledo del hemiciclo.
Ahora se sabe que podrían imponerle una fuerte multa e incluso podrían condenarle a una pena de prisión.
Antes este nuevo atropello de un gobierno acobardado, acomplejado y ya definitivamente vendido vergonzantemente a la derecha, quiero expresar mi apoyo, mi solidaridad y mi admiración por el coraje, la valentía y la coherencia de este ejemplar ciudadano.
Willy Toledo, además de un magnífico actor, además de ser un trabajador de la cultura, es una persona inteligente, comprometida y solidaria, que ha dado un admirable ejemplo de conciencia cívica con su solidaridad con Aminetu Haidar, con este gesto de defensa de los derechos humanos en el Sahara ante las acciones del gobierno de Marruecos, y a pesar de todos los ataques, provocaciones e improperios de los energúmenos de la derecha más extrema y lacaya del imperialismo, ha defendido con valentía la realidad de la revolución cubana desmintiendo las intoxicaciones de los voceros de la ultraderecha americana, ha puesto a mucho "demócrata" en el sitio que le corresponde -en el de simples y meros delincuentes- y es alguien que mantiene una postura de defensa de valores progresistas y democráticos con los que yo me identifico plenamente y que asumo como míos.
Ademas, es un colega rockero con un gusto musical excelente -le gusta a tope el Heavy Metal- y buena prueba de ello son alguno de los programas que ha hecho en nuestra emisora on line, www.mariskalrock.com , en donde de vez en cuando se deja caer para regalarnos buenas dosis de rock en vinilo con Black Sabbath y Judas Priest.
Willy, tronco, desde aquí mi abrazo, mi solidaridad y mi apoyo en tu ejemplar lucha por que el mundo de la cultura siga estando a la vanguardia de las luchas por la igualdad, por la dignidad de los pueblos oprimidos y contra toda clase de imperialismo, racismo y explotación capitalista.

CLASICOS DE ORO (II) BLIND FAITH 'BLIND FAITH' (1969)

2010-11-18T21:20:00.010+01:00

Si bien el debut de Eric Clapton con Cream quedó indudablemente ensombrecido por las excepcionales obras maestras que le siguieron, ‘Disraeli Gears’ y ‘Wheels Of Fire’, este único disco del fallido proyecto Blind Faith, evolucionada y renovada continuación de Cream en donde Eric Clapton compartía en un nuevo super-grupo protagonismo con Steve Winwood de Traffic, Rick Grech y su ex compañero de la Crema Ginger Baker en la batería, es el alfa y el omega, el único testimonio musical de un grupo que pudo ser grandioso en la historia.

El que fuera primer y último disco de este grupo nunca fue especialmente apreciado, paradójicamente, por ninguno de los músicos que tomaron parte en él. El fracaso de la aventura sin duda debió dejar una sensación de amargura muy grande con relación a este disco, que sin embargo era de una calidad extraordinaria y dejaba ver unas posibilidades magníficas cara a un segundo trabajo y una carrera musical más a largo plazo. Pero por un lado, los managers del grupo no apoyaron con suficiente convicción la idea, y por otro parece ser que las relaciones personales/lucha de egos entre Eric Clapton y Steve Winwood deterioraron mucho la situación interna y las ganas de continuar con el proyecto, que tras un gran concierto inaugural en Hyde Park, una gira por Estados Unidos durante el verano del 69 y unas actuaciones por Escandinavia, desaparecía tan solo 10 meses después de haberse creado. Las ventas más bien pobres del disco en Inglaterra –no así em Estados Unidos, donde fue un impacto de ventas espectacular, llegando a estar en el nº1 de Billboard- tampoco ayudaron a que el grupo se consolidadse.

Musicalmente, vuelvo a insistir, el disco es una auténtica maravilla. Una originalísima mezcla entre Cream y Traffic en el que sobresale el gran trabajo de Jimmy Miller como productor, que ya había empezado a trabajar con los Rolling Stones, y que supo sacar lo mejor del cuarteto tanto en las canciones más rockeras como “Had To Cry Today” o el sensacional experiemento de rock progresivo de “Do What You Like”, una extensa y fabulosa pieza de 15 minutos de duración con uno de los solos de batería más demoledores que se hayan registrado nunca en un estudio de grabación, como en las piezas más tranquilas, caso de la sugerente y cálida “Can´t Find My Way Home”, la pieza más clásica de este discazo, “Presence Of The Lord”, que Clapton siempre ha mantenido en sus conciertos en directo y por supuesto, en la que quedaría para la posteridad como la mejor de todo este álbum piedra angular del rock contemporáneo: la versión de “Well All Right” de Buddy Holly, un clásico de clásicos de la historia del rock.

Este disco es igualmente famoso por su portada. La original, y dentro de una moda que estaba muy en boga en la época, no traía ni título para el disco ni el nombre del grupo, y tan solo mostraba un diseño en el que aparecía una muchacha desnuda sujetando entre sus manos un aeroplano. En Estados Unidos se prohibió la edición del disco con esa portada y se sustituyó por otra –que también fue la que se usó en España en la época del franquismo- en la que aparecía simplemente una fotografía del grupo en blanco y negro. Sobre la chica que apareció en la portada, se corrieron los más extraños e inverosímiles rumores: Desde que se trataba de una hija ilegítima de Ginger Baker a que se trataba de una grupie a la que la banda había poco menos que secuestrado. Tiempo después se supo que era una chica londinense normal y corriente, que posó para Bob Seidemann, el fotógrafo que diseñó la portada, con el consentimiento y aprobación de sus padres.

CLASICOS DE ORO (I): THE JEFF BECK GROUP - TRUTH (1968)

2010-11-15T02:46:00.005+01:00

Jeff Beck, el guitarrista de blues-rock más grande de los primeros tiempos del proto-Heavy Metal de mediados/finales de los 60 con Eric Clapton y Jimmy Page, había dejado a The Yardbirds en 1966. A comienzos del 67 empezó a dar los primeros pasos para crear su propio grupo, que en un primer momento podría haber contado nada menos que con Jimmy Page, John Paul Jones, Nicky Hopkins, y Keith Moon, con los que grabó uno de sus más conocidos singles, “Beck´s Bolero”. Pero por una parte, Keith Moon no se decidió a dejar los Who para unirse a Beck en este proyecto, y Jimmy Page por otra parte quería mantenerse como lider en los Yardbirds. En ese mismo año, grabó junto al folk-rockero Donovan un tema que obtuvo un importante éxito de ventas como fue “Barabajal” y grabó dos singles, “Hi Ho Silver Lining” y “Tallyman”.

Pero a pesar de este éxito, Beck quería formar un grupo, tener una banda estable con la que grabar discos de larga duración y salir de gira. Así, ofreció el puesto de cantante a Rod Stewart, que venía de Steampacket y Shotgun Express, Ronnie Wood se hizo con el bajo y Micky Waller, que había estado con John Mayall & The Bluesbreakers, se sentó tras la batería. Tras una serie de extensos ensayos, entre febrero y marzo de 1968 este primer line-up del Jeff Beck Group registró en los Abbey Road de Londres uno de los discos que dejaría una huella más profunda en el nacimiento del Heavy Metal. Partiendo del blues, como en otros casos, el grupo desarrolló un tipo de sonido totalmente revolucionario por su fuerza, su dureza y su volumen, que aunque desde un punto de vista mucho más personal, no se alejaba del que ya habían mostrado Cream y la Jimi Hendrix Experience. Vehiculizando todo a través de la guitarra de Jeff Beck, en este excelente ‘Truth’ se contienen tanto verdaderas joyas del rock duro más primigenio, como “Ol´Man River”, “I Ain´n Superstitious” o “Rock my Plimsoul” como temas de blues progresivo de primerísima categoria, caso de “Let Me Love You” o “You Shook Me”, que seis meses después aparecería también en el primer disco de Led Zeppelin. E incluso, para dar más variedad y heterogeneidad a este excelente trabajo, un instrumental acústico adaptación de una vieja canción tradicional Made In Jeff Beck de factura tan impecable como “Greensleeves”.

Además de la destreza y el talento de los cuatro componentes del grupo, en este ‘Truth’ jugaron también un importante papel Nicky Hopkins como teclista, tocando el piano eléctrico en "Morning Dew", "You Shook Me", "Beck's Bolero" y "Blues Deluxe", Keith Moon, que grabó la batería de “Beck´s Bolero”, Jimmy Page, que tocó la guitarra de doce cuerdas en “Beck´s Bolero” igualmente y John Paul Jones, que toca el órgano Hammond en “Ol´Man River” y “You Shook Me”.

El impacto de este disco fue realmente espectacular. El Jeff Beck Group obtuvo gracias a este trabajo un enorme éxito, y y hasta que esta formación se deshizo en 1969, tocó en directo muy a menudo por Estados Unidos. Y en sus surcos se contiene gran parte de la historia de nuestra música.

THE ROLLING STONES ARE BACK!

2010-11-07T23:07:00.002+01:00

NOTICION CONFIRMADO POR CLASSIC ROCK EN LONDRES: LOS ROLLING STONES EMPEZARAN A GRABAR NUEVO DISCO EN ENERO DE 2011.
Diga lo que diga Keith sobre Mick, o Mick sobre Keith, "el bebé (los Stones) es demasiado para nosotros dos. Aunque nos odiemos, siempre tendremos que cuidar de él".
¡¡¡¡¡¡YEAH!!!!!
En declaraciones a la BBC6 Music realizadas hoy mismo, Keith Richards ha dicho textualmente: "Todos estamos listos para empezar a trabajar. Mick tiene un buen montón de ideas, Ronnie también, y yo también he estado trabajando lo mío, y hay un buen montón de canciones grabadas y temas de cuando grabamos "A Bigger Bang" que no pudieron entrar por falta de espacio y a las que solo les falta que le demos el remate final, así que entre diciembre o enero empezaremos a grabar. ¿Quien dijo que teníamos que parar? ¿Y quien dijo cuando? Solo sabremos que ha llegado el momento de parar cuando la muerte se empeñe en meterse por medio."

Más info en http://www.rollingstones.com/

Todo cuadra a la perfección: Memorias de Ronnie Wood, Memorias intencionadamente polémicas de Keith Richards, ríos de tinta en la prensa calentando el ambiente... y más o menos, lo de costumbre: Grabar entre enero y abril, sacar el disco en agosto-septiembre, gira americana de septiembre a Diciembre de 2011, America Latina, Australia, Japón, Sudáfrica entre enero y marzo... y en el verano de 2012, en el 50 aniversario Europa, con shows a lo grande en el O2.

¡¡¡¡UUUUAAAAAAAAAAARRRRRGHHHH!!!!!!

NUEVOS DISCOS DE BLUES ROCK QUE DEBES CONOCER

2010-11-07T20:37:00.003+01:00

El sello Provogue, que hace ya algunos meses editó el nuevo disco de Joe Bonamasa, ‘Black Rock’, ahora nos ofrece dos propuestas a cual más interesante y de mayor calidad para todos los aficionados a la buena música. En primer lugar, ‘Common Ground’, el magnífico nuevo trabajo de Walter Trout.

Lejos quedan ya los tiempos de Canned Heat o John Mayall & The Bluesbreakers para este poco conocido pero excepcional guitarrista de blues rock, en cuya hoja de servicios musicales también encontramos nombres de la categoría de Joe Tex o John Lee Hooker. En este disco, que de entrada recomiendo con toda sinceridad a cualquiera que desee escuchar buen blues contemporáneo dentro de una sonoridad y un contenido plenamente rockero, Trout nos ofrece temas que si por un lado son magistrales lecciones de Hard Rock de la vieja escuela excelentes, caso por ejemplo de “Her Other Man”, que podrían haber grabado perfectamente Bad Company o “Loaded Gun”, que tiene un aire musical muy a lo ZZ Top, por otro nos regala los oídos con blues de primerísima categoría, con temas como el que da título al disco, “Common Ground” y canciones como “Danger Zone”, que se mueve entre los dos terrenos, el blues y el rock, con tanta sensibilidad como fuerza.

Un álbum de rock muy clásico, con mucho sabor blues, una producción que roza la perfección, la calidad que garantiza la presencia de instrumentistas en su banda como el batería Kenny Aaronoff, por citar solo un ejemplo. Una joya que que te entusiasmará si te atrae el rock clásico y bluesero de tradición y solera.

E igual te sucederá cuando escuches ‘Space Age Blues’, el nuevo disco de Devon Allman´s Honeytribe. El apellido Allman retrotrae de inmediato a una de las bandas más indiscutiblemente grandes de la historia del rock, y en este caso con una formación que en este disco se reclama en todos los sentidos heredera de la esencia musical de aquellos pioneros del rock sureño llamados Allman Brothers Band. Devon Allman, a quien muchos ya conoceréis por sus colaboraciones en la Vargas Blues Band, es el líder musical de este proyecto y sus Honeytribe se formaron hace ya bastantes años, en 1999, aunque su actividad ha sido muy esporádica y muy espaciada en el tiempo. Ahora parecen retomar de manera más decidida su actividad y con este nuevo trabajo muestran una solidez, una madurez y una fuerza propias de un grupo que debería tener una continuidad mucho mayor.

En los primeros temas del disco, como “Space Age Blues” o “Salvation”, lo que tenemos es fundamentalmente blues rock muy al estilo Gary Moore, por citar un referente más o menos próximo, con un peso muy importante de la base de ritmo y guitarras muy rockeras, muy duras. Tras escuchar una versión original y muy imaginativa del “Sir Duke” de Stevie Wonder, empieza a predominar la vena más puramente blues y folk, siendo especialmente destacable en este caso “Bleu Est Le Vide”, un instrumental acústico excelente y “New Pet Monkey”, un medio tiempo baladístico muy a lo AOR con una sección de viento sugerente y muy bien introducida.

Tanto uno como otro, imprescindibles para aficionados al blues-rock moderno e imaginativo.

CON JAVIER VARGAS Y DANKO JONES EN ROCK STAR

2010-11-03T20:54:00.005+01:00

Esta semana hemos tenido dos invitados con los que me ha hecho una especial ilusión no solo poder entrevistarles en mi programa de radio, sino hablar con ellos en un tono más desenfadado, más distendido que cuando se hace una entrevista de promoción más o menos al uso. Este pasado martes -el lunes, al ser festivo, no hubo programa- vino a Rock Star un músico al que conozco ya desde hace muchos años y con el que siempre es un placer hablar: Javier Vargas.

Javier presenta en directo el próximo 12 de noviembre su último disco 'Mojo Protection Revisited' en un concierto en Madrid, y estuvo en Rock Star para hablar sobre ese concierto, pero en la segunda hora de programa, hicimos algo que tanto él como yo veníamos queriendo hacer desde hacía tiempo: hablar y comentar simplemente sobre buena música, escuchar música de calidad dentro del blues y del rock, y para ellos Javier trajo una excelente selección de discos que degustamos y paladeamos como exquisitos manjares: Desde Eric Clapton -su último disco me ha parecido fabuloso- a los buenos tiempos de Peter Green en Fleetwood Mac, pasando por Tommy Bolin o Gov T'Mule en directo. Una verdadera gozada

Este miércoles también se pasó por Rock Star Danko Jones, que ha estado de gira por España en estos días. Unos tipos con muy buen humor, a los que se les vé rockeros hasta la médula y que han conseguido hacerse amigos de Axl Rose, nada más y nada menos. Y como siempre, todo ellos acompañado de la actualidad, los nuevos discos que van apareciendo en el mercado y también nuevas bandas del uinderground como Innerfate, Cube o Agressiva.

Estos son los links de descarga:

http://www.ivoox.com/rock-star-2-noviembre-2010-1-hora_md_412640_1.mp3

http://www.ivoox.com/rock-star-2-noviembre-2010-2-hora_md_412648_1.mp3

http://www.ivoox.com/rock-star-3-noviembre-entrev-danko-jones_md_413803_1.mp3

http://www.ivoox.com/rock-star-3-noviembre-2010-2-hora_md_413829_1.mp3

¡A ver si os gustan!

ADIOS A UN CIUDADANO EJEMPLAR, NUESTRO COMPAÑERO Y CAMARADA MARCELINO

2010-10-30T05:30:00.002+02:00

Ha muerto otro hombre íntegro, fiel a sus ideas, luchador incansable por la libertad, la igualdad y el socialismo, el histórico militante comunista y sindicalista ejemplar Marcelino Camacho. Mi recuerdo, mi saludo revolucionario y mi homenaje a una figura única en la historia del movimiento obrero.
Emocionante de verdad la capilla ardiente que he visitado y en la que he dejado mi semblanza de homenaje y tributo a este gran luchador. Caían hoy en Madrid chuzos de punta, pero colas y colas de trabajadores esperábamos impertérritos nuestro turno para dar nuestro último saludo solidario a Marcelino. Su ejemplo y su recuerdo vivirá siempre en cada combatiente por la revolución y por un mundo libre del capitalismo y el imperialismo.
Arriba, parias de la tierra, en pié, famélica legión...

COMIENZA THE METAL EXPERIENCE CLUB

2010-10-27T20:41:00.007+02:00

Este jueves 28 de octubre, y todos lo jueves a partir de ahora, en la Sala Live de Carabanchel, iniciamos lo que hace ya algún tiempo denominamos The Metal Experience, es decir, sesiones dedicadas íntegramente al Hard Rock/Heavy Metal y todos sus derivados. Videos, conciertos, regalos, fiestas temáticas, y todo ello en una excelente sala que está acogiendo un interesantísimo ciclo de conciertos de bandas tributo, y en la que pronto se podrá ver en Madrid a grupos como Annihilator, W.A.S.P, Primal Fear o Sonic Syndicate.
Dada la ausencia de auténticos locales de rock en Madrid, la idea de hacer este Metal Experience Club es la de recuperar, en cierta medida, lo que fue el espíritu y el ambiente de la sala Canciller. Tal y como se hace en Londres, que se conozca que cada jueves en Madrid existe un club donde escuchar buena música, tanto actual como del recuerdo, que sea lugar de encuentro entre seguidores del Heavy Metal, músicos, periodistas, y que en los conciertos que se celebren, se puedan organizar sesiones temáticas dedicadas a grupos, estilos, tendencias... Otra de las iniciativas que llevaremos a cabo allí será la puesta en escena de programas de radio, tanto Rock Star como otros que vayan surgiendo.

La Sala Live esta en la Avenida Nuestra Señora de Fatima 42, muy cerca de las estaciones de metro de Carabanchel y Eugenia de Montijo. La entrada es de 8 euros con una consumición en puerta y las chicas tienen entrada gratis.

Os invito a todos los que seáis de Madrid o de sus alrededores a pasaros por allí y haceros socios de este Metal Experience Club. O si sois de fuera pero caéis por el foro en un jueves, sabed que allí estamos y que seréis bienvenidos.

NUEVOS PROGRAMAS Y NOVEDADES SOBRE ROCK STAR

2010-10-22T03:07:00.003+02:00

Hola, familia.
Tras unas semanas en las que obligaciones laborales de otro tipo me han tenido más tiempo en aviones y aeropuertos que en otros lugares, vuelve a ser regular la emisión de Rock Star en la temporada 2010-2011 y ahora, con un nuevo horario, este sí, ya fijo: Lunes y Martes de 17:00 a 19:00 de la tarde como siempre en www.mariskalrock.com, con algun especial dedicado al rock más clásico para el fin de semana.
Ya estan en www.ivoox.com los programas de esta semana. En el primero, las últimas novedades sobbre Forbidden, Kamelot, Alterbridge, fechas de conciertos, la recomendación del concierto dedicado a los tributos de bandas clásicas de la Sala Live- DWY haciendo tributo a Led Zeppelin, Los Parpel haciendo lo propio con Deep Purple y Sabbra Caddabra homenajeando a Black Sabbath- el rock español con Rulo y La Contrabanda, Reincidentes, Web-Ones, Angelus Apátrida y en el segundo, toda una amplísima info de conciertos acxompañados de buena música de sus protagonistas.
Aqui teneis los enlaces si queréis escucharlos o descargarlos:

Primera hora del 19 de octubre:
http://www.ivoox.com/rock-star-19-octubre-2010-1-hora-audios-mp3_rf_400718_1.html

Segunda hora del 19 de octubre:
http://www.ivoox.com/rock-star-19-octubre-2010-2-hora-audios-mp3_rf_400794_1.html

Programa del lunes 18 octubre:
http://www.ivoox.com/rock-star-18-octubre-2010-audios-mp3_rf_396929_1.html

Espero que os gusten, un saludo. Y ya sabeis, cada lunes y martes por la tarde, Rock Star en directo en www.mariskalrock.com

LA REPUGNANCIA DE LA RENEGADA, LA HIPOCRITA Y LA FALSARIA

2010-10-21T00:15:00.002+02:00

Adivina, adivinanza...

Eerase una vez en una ciudad bella, hermosa, históricamente ejemplo de multiculturalidad racial y filosófica -ese sentimiento y esa filosofía que en Alemania otra renegada apellidada Merkel asegura que ha fracasado y que hay que enterrar- que tenemos en Andalucía y que se llama Córdoba, una mujer que empezó en la política, como mucha gente en Andalucía, en esa Andalucía despreciada, hambienta, empobrecida por décadas de totalitarismo franquista, supuestamenre luchó por la libertad y la democracia. Y lo hizo afiliándose al PCE en 1974, un partido que aunque desde muchos años antes había dejado de ser auténticamente comunista y había renunciado a sus principios más esenciales para entrar en la carrera del oportunismo político más descarado, por lo menos, luchó por establecer en el estado español algo parecido a una democracia, o sea, el circo este en el que vivimos.
La renegada, dando buena muestra de su condición de oportunista rastrera, se apuntó al puño en alto con bandera roja de fondo, -igualita que los Tamames que hoy son estrellas de la televisión de la extrema derecha o las Almeidas ó Lópeces Garridos que entraron como submarinos en el psoe- y como toda oportunista, medró, pisó cabezas, y según conveniese, apuntándose o bien a un discurso revolucionario, de auténtica izquierda, o bien, si convenía lo contrario para pillar cacho, apuntándose al discursito reformista, social-plastodemócrata, conformista y conciliador. Así, ante la tontuna de IU, su medraje mentiroso la hizo llegar muy lejos.
La hipócrita, supo jugar bien sus cartas, siguió trepando y se hizo con un carguito en Izquierda Unida. Oportunista hasta la médula, y lejos de luchar por un fortalecimiento de ese movimiento político y social desde un pensamiento de verdadera izquierda, jugó al divide y vencerás, tuvo la desvergüenza de atacar a su misma coalición en Euskalherría haciendole el juego a la extrema derecha españolista, y viendo como la derecha del psoe le abría los brazos - "...¡Ej de loj nuejtros!" -dijo de ella el adalid de la derecha en el psoe, Pepito Grillo Bono- empezó, como otros tantos profesionales del mercachifleo político, a preparar su salto a la poltrona que esperaba ver su culo sentado en ella.
Con esa hipocresía y ese tonillo pseudoizquierdista tan propio de los que van a dar el salto a la poltrona, a pesar de ser elegida alcaldesa por IZQUIERDA UNIDA, le importó un bledo dar un vergonzoso ejemplo de transfuguismo sucio y repugnante saltando al gobierno andaluz, literalmente cagándose en sus promesas electorales y despreciando tanto a la organización a través de la cual llegó a lo más alto en la bella y hermosa Córdoba como a quienes confiaron en ella y la votaron... eso si, después demostrar su "progresismo" sancionando y persiguiendo administrativamente al único bar de Rock duro, de rock fuerte que había en Córdoba so pretexto de quejas de vecinos, en una zona de bares infestada de discotecas de bakaletas, pijos tontos y fachas de pastilleo y cubata, que claro, ella debía considerar muy adecuados para la cultura joven en Córdoba y a los que no aplicó ni una sola sanción.
Y finalmente, ¡Oh, maravilla de maravillas! la tránsfuga, la rojilla "evolucionada", "demócrata", "constitucional" y bla, bla, bla...hace realidad su sueño. ¡Ya es Ministra!
Ministra de un gobierno que ha acabado haciendo la política laboral y económica que la derecha le ha impuesto -para que encima, la derecha se ría en su cara- que ha recortado los mismos derechos históricos de la clase trabajadora que le votó, y que ante esa especie de nueva deidad que dirige el universo llamada "los mercados", ha protagonizado una bajada de pantalones, por otro lado, propio de la propia bajada de faldas y bragas de la susodicha.
Ahí la tenéis. Feliz, satisfecha, e hinchada de felicidad como ministrilla soci. Y con todos sus principios de izquierda comunista, si es que alguna vez los tuvo, arrojados al water.

¿Adivináis quien es?

LOS STONES... SIEMPRE LOS STONES

2010-10-17T04:20:00.003+02:00

Siempre con el mismo coñazo... ¿verdad? -pensará más de uno-

Bueno, pues vale.. pues si, que queréis que os diga. Soy Stoniano hasta la médula, y cuado me sale determinada vena, o cuando se me toca determinada fibra, los Stones están ahí. Vuestros Stones.
Mis Stones.

Aunque no se parecen en casi nada, Madrid -esta villa en la que desde hace algún tiempo me toca ir consumiento los granos de mi reloj de arena día a día- y Londres -en la que también he vivido- tienen algunas cosas en común. Una de ellas es esa sensación de tristeza, o quizá no de tristeza exactamente, sino de frialdad, de desapego que provocan a la llegada del otoño.

Hoy en cualquier caso, no ha sido para mi en sbsoluto un día triste, ni nada parecido. ¡Joder! es sábado, me he pegado una panzada de jugar y de correr con mi perro por el parque fabulosa, -yo creo que me lo paso mejor que él- el Atleti ha ganado 2-0, y he aprovechado gran parte de la tarde en ordenar papeles, recolocar en su sitio revistas, libros, discos, pero... por la razón que sea, hoy es de esos primeros días de otoño con ese sol quebradizo, con esos atardecderes preciosos, pero con una tristeza inexplicable que se te pega a los huesos, y consecuentemente al teclado...

Al llevar varias semanas metido en trabajos musicales tanto en radio como en prensa muy determinados, llevaba un tiempo sin escuchar a los Stones. Y por ahí, para sacudirme esa tontuna sentimentaloide que me estaba entrando, ha aparecido Keith Richards tirándome de las orejas, y me he vuelto a decir aquello de que esto es solo Rock´n´Roll.
Y también se han dado un voltio por aquí chicas como la mujer del burdel, como Angie, como Miss Amanda Jones, la chica estúpida, el dulce angel negro, Melody -si, ya sé que ese era su segundo nombre- la chavalita de la calle de atrás, y al final, casi cuando las demás se iban, la chica que debería saber tan dulce como el azúcar marrón. También me ha parecido ver a esas bobas que alguna vez pretendieron hacer un santo de mi, y a todas esas que parecían tan respetables... -¡no volváis más, joder! Get Out Of My Life... Don´t Come Back!-
Obviamente, estando Keith por aquí cerca, me he servido un bourbon. Y hemos brindado por el rock´n´roll, por la puta vida que nos queda, por la música que aún tenemos -¡juntos!- que disfrutar, por la próxima gira, y porque los Stones siguen ahí.
Y eso es indiferente de que hagan o no más giras. Eso queda para los que necesitan rellenar columnas de periódicos de manera fría y calculadora, o para quienes aspiran a tener un pase de palco para lamer culos en el próximo show de los Stones con algun pájaro o pájara de la realeza, de los negocios o las finanzas.

Para mi, y puede también que para ti, no es en absoluto necesario que los Stones vengan a un gran estadio con uno de sus siempre impresionantes espectáculos, aunque si vuelven a hacerlo ¡por mi genial...!

Me basta con que pase el tiempo, los otoños, las mujeres, las ex-mujeres, las amnesias... y que cuando quiera estar, aunque sólo sea un par de horas de vacaciones en pleno octubre, o pleno febrero, pueda decir: desconecto el móvil, me sirvo un Jack Daniels, pongo Exile On Main Street... y ya estoy infinitamente más lejos de que que nadie pueda imaginarse.

Incluso, para que veáis hasta que punto es cabrón mi tronco Keith, ahora que escribo este blog, ha metido la mano y en ese orden "aleatorio" de que tengo en la lista de reproducción de las canciones de los Stones en mi iTunes, suena "Coming Down Again". Te gusta hurgar en la herida ¿verdad, viejo zorro de Dartford?

Me conoce como si me hubiera parido... me levanta costras de recuerdos inevitablemente otoñales -Barcelona, Estaçió de Sants, octubre de 2006- , y ahora, sin embargo... hace que suene "Tumbling Dice". Y me acabo el bourbon de un trago, me asomo a la ventana, ahuyento tontos fantasmas nocturnos con una inevitable carcajada que me produce el recuerdo de las mil y una historias que he vivido con esa canción de fondo, y me voy a dormir con la vieja misma idea de siempre.

Los Stones, siempre los Stones....

RECUERDO Y TRIBUTO A UN LUCHADOR POR LA LIBERTAD

2010-10-16T04:29:00.002+02:00

Amigos y compañeros de Catalunya: mi recuerdo y mi homenaje hoy, en el aniversario de su asesinato por el franquismo, de un republicano íntegro, leal y admirable: El vostre President Lluís Companys.
VISCA LA LLIBERTAT CATALANA!

NUEVO DISCO DE FORBIDDEN, 'OMEGA WAVE'

2010-10-15T04:33:00.003+02:00

A los que seais seguidores del Thrash Metal clásico de los 80, imagino que os alegrará saber que los Forbidden –antiguos Forbidden Evil- estan de vuelta. Una de las muchas bandas que surgieron en la misma oleada que los Metallica, Testament, Slayer, etc. aunque no tuvieron la suerte musical que se merecieron. Pero de todas formas, ahí les teneis, con un nuevo contrato discográfico con una de las compañías más prestigiosas del mundo del Heavy Metal –Nuclear Blast- y con un interesantísimo nuevo disco que aquí os comento.

Reza el viejo adagio popular de que el que tuvo… retuvo. A pesar de que Forbidden es una banda que últimamente aparece y desaparece como el Guadiana, en este disco se reivindican como una banda de Thrash Metal que vuelve a dejar una contundente prueba de su fuerza, su potencia y su garra, su capacidad de dejarte noqueado tan solo con temas como “Forsaken At The Gates”, “Overthrow”, el mismo “Omega Wave” o “Draggling My Casket” tanto como de sorprenderte con cortes como “Swine”, con una tétrica intro a lo Sabbath que evoluciona envuelta en más que notables detalles –unos teclados góticos muy inspirados, por citar un ejemplo- hacia un tema de Hard Heavy de la vieja escuela que podría estar en cualquier álbum de los Sabs de la época Dio.

Un álbum que muestra a una banda que sin dejar de ser Thrash Metal clásico, de la vieja escuela, no renuncia a mostrar otras caras musicalmente más poliédricas –supongo que muy probablemente incorporadas por su nuevo guitarrista Steve Smyth, quien además de su dilatada y acreditada trayectoria en el mundo del Thrash Metal es profesor de guitarra en una academia del prestigio del Brighton Institute of Modern Music- y que saben acoplar perfectamente dentro de su estilo netamente metálico.

Siempre he mantenido que aunque no llegaron a conseguir un éxito masivo dentro de la escena Thrash californiana de los 80, es una banda que lo hizo muy bien, lo sigue haciendo muy bien y merece que un disco como este, que es una soberbia lección de Thrash Metal evolucionado y con un toque progresivo muy interesante, consiga una amplia repercusión en el mundo del metal actual.

JUAN CARLOS ARTECHE: HASTA SIEMPRE, CAMPEON

2010-10-14T00:17:00.003+02:00

Hoy ha muerto uno de mis héroes de infancia.

Hoy, ya ayer, ha muerto aquel defensa de leyenda, aquel jugador entregado, duro, contundente, fuerte, pero noble como ninguno y que como muy pocos ha representado y ha reflejado lo que supone el orgullo de vestir cada domingo la camisseta roja y blanca con el escudo del Atlético de Madrid.

Arteche, aquella fortaleza humana incontenible que lideraba al Atleti contra viento y marea que formó parte de una época histórica de nuestro Atleti, era un jugador que jamás daba un balón por perdido, que se echaba al equipo encima, que es verdad que entraba fuerte, a veces muy fuerte, pero limpio. Nunca se me olvida la imagen de muchos delanteros que venían al Calderón precedidos de mucha fama, y que en cuanto le veían aparecer cerca soltaban el balón como si les quemase en los pìes. Arteche entraba con todo, jugaba al choque, pero jamás jugó sucio, ni dio una patada por detrás, ni un codazo en un corner.

¡Cuantes veces recuerdo aquel Calderón coreando ¡Arteche, Arteche...!

Arteche era junto con Don Luis Aragonés como entrenador, con Ruiz como pareja de central, con Abel, Pedraza, Marina, Abel, Quique Setién, Futre, Goico, años antes Juan José Rubio, Eugenio Leal, Capón, Luiz Pereira, Rubén Cano... puro espíritu atlético.
Formó parte de aquel Atleti que se proclamó campeón de la copa del Rey 84-85 en el Bernabeu, en un inolvidable partido emocionantísimo jugado contra el Athletic de Bilbao, aquel otro Athletic histórico que había sido dos años seguidos campeón de liga. También, vivió aquella final de la Recopa el año siguiente, que perdimos en Nantes contra el Dynamo de Kiev. Como siempre en nuestra historia, con las victorias y las derrotas, pero siempre dejándose la piel por nuestros colores, por nuestro Atleti. Ese Atleti con el que se sufre -¡y los que no sois atléticos no sabéis como!- pero que quizá por eso, se le sigue, se le apoya y se le quiere de una manera especial.

Un jugador que creó leyenda en el Atlético de Madrid, y que hoy se ha ido para siempre. El cáncer ha podido con él. Pero ahora es ya patrimonio de nuestra historia, y un ejemplo que espero todos los jugadores que lleguen al Atlético de Madrid le conozcan, aprendan de él y hagan siempre de él ese referente ya permanente en nuestro equipo.

Ya se ha hecho recuerrente el chascarrillo de: "Papá, ¿porque somos del Atleti?" Hoy pienso que muchos padres dirán a sus hijos: Por gente como JUAN CARLOS ARTECHE.

Siempre vivirá en nuestro recuerdo.
¡AUPA ATLETI!

30 AÑOS DE LA NEW WAVE OF BRITISH HEAVY METAL: LOS GRANDES FESTIVALES DE 1980

2010-10-12T23:53:00.009+02:00

Aunque no es posible establecer una fecha, - o cuando menos, pienso que sería equivocado- señalar un dato concreto, un momento a partir del cual la New Wave Of British Heavy Metal adquiere ese carácter de nuevo movimiento, de nuevo capítulo dentro de la historia del rock, en este caso sí que es posible establecer dos acontecimientos que si bien no puede decirse que fueran al cien por cien el detonador que provocó la gran explosión, sin duda por la repercusión que alcanzaron y el recuerdo tan profundo que han dejado en quienes los vivieron y han testimoniado el eco que encontraron en quienes apoyaron todo lo que la New Wave Of British Heavy Metal significó, son de obligada referencia en un estudio mínimamente serio de la historia de la NWBHM.

El primero de ellos, sin duda, la primera edición del festival de los “Monsters Of Rock” que tuvo lugar el 16 de agosto de 1980 en las instalaciones del circuito de motor de Donington Park, en Inglaterra. En un primer momento, el Festival de los Monsters Of Rock de Donington se celebró como un acontecimiento aislado, como un gran concierto que insisto, en esta primera edición, se montó para poner el broche de oro a una espectacular gira que Rainbow, el grupo del ex-guitarrista de Deep Purple Richie Blackmore había hecho por Estados Unidos en la primavera-verano de 1980 presentando su álbum Down To Earth. La popularidad de Rainbow en Inglaterra era enorme en aquel momento, merced sobre todo a los hit-singles "All Night Long" y "Since You've Been Gone" y el propio Richie Blackmore, en cooperación con Paul Loasby -socio en 1980 de Harvey Goldsmith- plantearon a la empresa de Goldsmith la posibilidad de organizar un evento especial, una suerte de homenaje a sus fans ingleses en un gran recinto, que pudiera albergar como mínimo a 50.000 personas. Aunque la primera idea fue hacerlo en algún estadio de fútbol de Birmingham, se optó no obstante por hacerlo en el circuito de Donington, idea que fue ofrecida por quien se convirtió en el socio de Paul Loasby para este concierto -Harvey Goldsmith se retiró del proyecto por discrepancias con Richie Blackmore- el promotor Maurice Jones, que tenía muy buenas relaciones con los propietarios del circuito. La idea de llevar a cabo un gran festival fue tomando cuerpo poco a poco y así, el 16 de agosto de 1980 se celebró el primer festival, con Rainbow de protagonistas absolutos y con Judas Priest, Scorpions, Saxon, April Wine, Riot y Touch como privilegiados acompañantes.

La asistencia, aunque no cubrió todas las expectativas -35.000 asistentes a una inmensa piscina de barro provocada por las incesantes lluvias que cayeron sobre la localidad durante los días previos- dejó notables beneficios a los organizadores, fue un éxito del que toda la prensa se hizo eco, y pronto se pensó que organizándolo con más tiempo, diseñando una agresiva campaña de publicidad y presencia en los medios, podría ser posible organizar al año siguiente un festival parecido y con un cartel igual o más competitivo.

El 22 de agosto de 1981, con una asistencia que duplicó la de la primera edición -66.000 personas- More, Slade, Blackfoot, Blue Oyster Cult, Whitesnake y AC/DC presentando en Inglaterra a lo grande el espectacular show de For Those About To Rock, ya con muchísima presencia de gente de toda Europa, incuidos españoles, se creó la leyenda. A partir de ese año, el Monsters Of Rock de Donington Park, y a lo largo de toda la década de los 80, fue la cita anual imprescindible para todos los seguidores del Heavy Metal. En los años de gloria del género, Whitesnake llevaron en 1983 a 40.000 personas al festival acompañados por un genial Ronnie James Dio que hacía por aquel entonces su primera gira en solitario presentando su álbum Holy Diver y unos Twisted Sister que hicieron la mejor actuación de su carrera en aquel periodo, AC/DC igualaron su marca de 65.000 tickets vendidos en 1984 en uno de los mejores carteles de la historia del festival con Accept, Mötley Crüe, Y&T, Ozzy Osbourne, Gary Moore y Van Halen, y en 1986, aunque no eran los cabezas de cartel, Def Leppard se llevaron algunas de las ovaciones más sentidas y cerradas de todo el evento al volver a escena tres años después y tras esperar todo ese tiempo a que su batería Rick Allen, que sufrió la amputación de un brazo tras un accidente de automóvil, pudiera acoplarse a un complejo sistema que le permitía tocar la batería con un solo brazo.

En cuanto a ese segundo gran evento, el Festival de Reading de 1980; Entrados en los 80, los organizadores de Reading, que siempre se habían caracterizado por intuir con mucha inteligencia por donde evolucionaba la música, en 1980 reconvirtieron Reading en uno de los festivales de Heavy Metal más celebrados de la década, justo cuando este género empezaba a dominar la escena rock en Inglaterra.

La gran mayoria de ellos fueron las estrellas del histórico Reading Festival de 1980, celebrado los días 22, 23 y 24 de agosto, con la participación el viernes 22 de Sledgehammer, Tygers Of Pan Tang, Girl, Budgie, Magnum, Gary Moore, Ozzy Osbourne 's Blizzard Of Oz, Def Leppard y Whitesnake. El sábado 23 tocaron Trimmer and Jenkins, Headboys, Writz, Broken Home, Samson, Q Tips, Pat Travers Band, Angels, Iron Maiden y UFO mientras que para terminar, el 24 de agosto el protagonismo correspondió a Red Alert, O1 Band, Hellions, Praying Mantis, Fischer Z, 9 Below Zero, Gillan, Krokus y Rory Gallagher. Como presentadores, diskjockeys de la entidad dentro del mundo del rock de John Peel, Bob Harris y Jerry Floyd. Al lado de la primera edición del festival de Donington, que se celebró unos pocos días antes, el concierto de Heavy Metal más grandioso de aquel año, que tardó mucho en repetirse.

Desde un punto de vista más local, inolvidable dentro de lo que fue la "época Heavy" de Reading, la edición 1982 en la que al lado de unos Iron Maiden encumbrados en la cima del éxito presentando su álbum ‘The Number Of The Beast’, unos Twisted Sister en lo mejor de su carrera, o un Michael Schenker que junto a un recuperado in extremis Gary Barden hizo en Reading un show histórico, los españoles Baron Rojo culminaron en ese escenario uno de los hitos de su carerera, triunfando ante el siempre exigente público inglés y cimentando su inmensa leyenda de grandes pioneros del Heavy Metal en el territorio español.

1983 marcó el final de una época para el festival. A pesar de albergar con un inmenso éxito las actuaciones de Thin Lizzy, que habían anunciado su retirada ese mismo año y de Black Sabbath con la extemporánea incorporación de Ian Gillan como cantante, las nuevas autoridades locales del Partido Conservador, siempre hostiles a la celebración de eventos rockeros, no renovaron los permisos de concesión de terrenos y no fue hasta 1988, ya con la izquierda de nuevo en el gobierno local, cuando el festival renació, aunque ya con un espíritu y una filosofía músical completamente distintas.

Pero en ambos casos, sin duda, Reading y Donington significaron el gran escenario, la gran puesta en escena, los templos del Heavy Metal donde cada uno de los grandes grupos que aspiraba a ser verdaderamente grande dentro del mundo del metal, tenía que mostrar sus armas, tenía que reivindicarse y demostrar al universo metálico su grandeza. Y todos los que fueron grandes en Donington o Reading en aquellos años lo fueron a lo largo de su carrera.

ASI NO: ¡TODOS A LA HUELGA GENERAL!

2010-09-28T03:27:00.003+02:00

Mañana 29 de septiembre, esta convocada por las centrales sindicales UGT y CCOO una jornada de huelga general contra la política del gobierno del PSOE, que exactamente igual que hace 20 años, en la época de Felipe Gonzalez y aquel "plan de empleo juvenil" contra el que toda mi generación nos tiramos a la calle, nos ha vuelto a engañar y a mentir a todos.
Cuando por culpa de una crisis económica devastadora, que hay que repetirlo una y todas la veces que haga falta, ha sido provocada por el capitalismo especulador, por la ambición desmedida de acumular dinero y cuyos responsables han sido los grandes capitalistas, este gobierno, desnortado, sin ideas ni criterio y como siempre que ocuirre con los socialdemócratas, al final vendidos a la derecha económica, se ceba contra quienes menos culpa tienen de este monumental desastre: funcionarios, pensionistas, jóvenes... y encima, aprueba una reforma laboral dictada desde los despachos del poder económico y financiero.
Ya solo por eso, yo voy a apoyar la huelga y de hecho mucho tiempo ya haciendo campaña a favor de esta huelga en varios foros.
De hecho, estoy defendiendo que la huelga sea radical y que se paralice de facto el país. Y por favor, que no me vengan con la cantinela hipócrita de "proteger el derecho a trabajar de los que no quieren hacer huelga". ¿Como se puede tener la caradura de decir defender el derecho al trabajo cuando esa misma gente, salvo mañana, son los mismos que día a día están queriendo imponer la precariedad laboral, el despido semi gratuito, los deslocalizadores de empresas, los que aplauden todas las políticas que lo que hacen es destruir el empleo y no les preocupa lo más mínimo la protección social del trabajador y su verdadero derecho a trabajar?
No, mañana la huelga tiene que ser una movilización masiva, y aunque nos sea incómodo y molesto, mañana tiene que ser un día incómodo y molesto, hay que socializar el conflicto y que mucha gente se plantee como mínimo porque los trabajadores estamos tan hartos ya de que siempre se vaya contra quienes menos tienen y menos pueden defenderse.

Esto que voy a plantear me consta que es mucho más difícil, pero como decía Mao Tse-Tung, la utopía deja de serlo cuando se lucha por ella con ideas claras y herramientas útiles. ¿Podría servir esta huelga para reflexionar y pensar que frente a la dictadura del pensamiento único, tenemos que plantearnos acabar con este capitalismo salvaje y depredador?
¿Vamos a resignarnos a que un derecho supuestamente fundamental como es el derecho a la vivienda sea una carga que te tenga hipotecado de por vida, trabajando como una mula nada más que para pagar 30 años de préstamos usureros a los bancos?
¿Tendremos que soportar siempre que el derecho a un puesto de trabajo sea una arbitrariedad constante, sin ninguna garantía de futuro, del que te puedan echar en cualquier momento, y con ello no tener ninguna opción de poder hacer un plan de futuro, ni personal, ni familiar, ni de ningún tipo?
¿Nos quedaremos impasibles viendo como el capitalismo está destrozando el planeta, esquilmando los recursos naturales, contaminando el mar, exterminando especies animales, produciendo hambre, miseria, guerras..?
¿Nunca seremos capaces de hacer nada?

Quizá rebelarse no solo contra este gobierno, sino contra este sistema sea dar un importante primer paso. Y podemos darlo mañana, apoyando la huelga general.

HOMENAJE A LOS ULTIMOS FUSILADOS DEL FRANQUISMO

2010-09-27T02:25:00.008+02:00

27 de septiembre de 1975: En esa mañana, a pesar de todas las peticiones nacionales e internacionales al régimen franquista en favor del indulto para las condenas a muerte dictadas en España -entre ellas, hasta la del Papa Pablo VI o la del Presidente de Suecia Olof Palme- los militantes antifascistas de ETA Juan Paredes Manot y Angel Otaegui y del FRAP (Frente Revolucionario Antifascista y Patriota) Ramón García Sanz, José Luis Sánchez Bravo y Jose Humberto Baena Alonso fueron fusilados. Fueron las últimas condenas a muerte dictadas y ejecutadas oficialmente en España.

35 años después, 27 de septiembre de 2010, pienso sinceramente que todo aquel que desde cualquier ámbito, luche por la democracia, por la igualdad, por la justicia y por la cultura, máxime si lucha también por un socialismo real, por una democracia auténticamente popular, debe tener hoy un emocionado recuerdo, debe rendir homenaje a estos cinco luchadores por la libertad que dieron su vida para acabar con el fascismo en España, que nos dieron a todos un admirable ejemplo de compromiso con unos ideales de revolución, de emancipación, de rebelión contra un totalitarismo ultraderechista insoportable, un admirable ejemplo de coherencia, de sacrificio y de honestidad.

Cuando hoy todavía estamos luchando por establecer la dignidad de los combatientes republicanos víctimas del regimen franquista asesino a través de esa -pobre- Ley de Memoria Histórica que la ultraderecha mediática, judicial y política se empeña en boicotear, cada vez me convenzo más de que hoy es más necesario que nunca seguir luchando por el reconocimiento al heroísmo de aquellos jóvenes revolucionarios, como tiene que serlo el del reconocimiento a la dignidad de los asesinados por el fascismo en la democracia: Carlos González, Arturo Ruiz, Maria Luz Nájera, los abogados de Atocha, Josu Muguruza o Yolanda González, asesinados por la ultraderecha, o los de Mikel Zabaltza, Germán Rodríguez, o Jose Ignacio Barandiarán, muertos por las fuerzas de seguridad del estado.
Los fusilados del 27 de septiembre de 1975 no eran terroristas, como se pretendió hacer creer desde la propaganda franquista oficial y como la derecha nostálgica del franquismo pretende hacer creer ahora; fueron combatientes antifascistas que merecen todo el apoyo, el recuerdo y el respeto de todo aquel que pretenda tenerse por demócrata.
Durante los años que estuve organizado en el P.C.E (m-l), la organización política que impulsó la creación, la organización y el desarrollo del FRAP, pude conocer en profundidad el ejemplo de lucha que aquellos auténticos héroes llevaron a cabo por acabar con el franquismo. Precisamente por ello hoy me siento especialmente sensibilizado con su recuerdo, e identificado con su ejemplo.
Os adjunto unos links de interés sobre esta cuestión:

http://solidaridadultimasvictimasfranquismo.blogspot.com/2009/07/adhesiones.html http://www.nodo50.org/27septiembre/

http://www.kaosenlared.net/noticia/proximo-27-septiembre-homenajes-multitudinarios-frap-eta-35-anos-despu

http://www.tpellicer.com/descargas.html

http://libertad7.blogspot.com/

Txiki, Angel, Jose Humberto, Ramón, Jose Luis... Salud, camaradas
HASTA LA VICTORIA SIEMPRE

30 AÑOS DE LA NEW WAVE OF BRITISH HEAVY METAL: HOMENAJE Y RECORDATORIO (II)

2010-09-24T02:10:00.011+02:00

Dentro del gran elenco de bandas que formaron la New Wave Of British Heavy Metal, es imprescindible recordar a Def Leppard, quienes tras igual que Iron Maiden, editaron sus primeros singles a traves de un sello de autoedición –Bludgeon Riffola- pero que a finales de 1979 consiguen fichar por Vertigo, el sello de Black Sabbath y editan también en marzo de 1980 su primer disco con la producción de Tom Allom, habitual de las producciones de Judas Priest y Black Sabbath; ‘On Through The Night’, el cual merced al exitazo de temas como “Rock Brigade” también coloca en lo más alto muy pronto a Def Leppard.

Motörhead, aunque era un grupo que existía desde finales de 1975, cuando Lemmy Kilmister dejó Hawkwind, siempre ha estado dentro de una posición de outsiders dentro del género –entre otras cosas porque Lemmy afirma que siempre ha odiado el término Heavy Metal y que para él Motörhead es por encima de todo una banda de rock´n´roll- venía publicando álbumes con escasa fortuna desde su formación, pero será justo en octubre de 1980 cuando su disco ‘Ace Of Spades’, signifique para ellos el espaldarazo definitivo y el salto a la fama internacional. Si mítica fue la gira de ‘British Steel’ de Judas Priest de marzo-abril de 1980, no menos mítica será la que Motorhead harán por el Reino Unido justo un año después y que quedará genialmente plasmada en el mítico álbum ‘No Sleep ‘til Hammersmith’.

Samson, otro de los grupos más característicos del género, a pesar de que no consiguieron apenas trascender –en especial desde que Bruce Dickinson dejó el grupo para unirse como nuevo cantante a Iron Maiden en 1981- su ‘Head On’ de junio de 1980 fue otro de los discos que contribuyó decisivamente a consolidar ese fenómeno del que hoy celebramos su 30 aniversario. Al margen del papel que posteriormente jugaría Dickinson como frontman de Iron Maiden, no hay que olvidar que en Samson militaba un excelente guitarrista, Paul Samson, que fue quien dio su nombre al grupo, en el cual también llegó a militar el ex - batería de Iron Maiden Clive Burr. En 1981 Samson llegaron a tener un cierto éxito merced a la edición de un cover en formato single en cuya cara A se encontraba una versión del “Riding With The Angels” de Russ Ballard, pero que no fue suficiente como para ayudarles a conseguir esa popularidad que obtendrían Def Lepard, Saxon o los propios Iron Maiden.

Los Tygers Of Pan Tang, que venían desde Newcastle, debutaron discográficamente en julio de 1980 con otro excelente álbum titulado ‘Wild Cat’ que respondía en todo a los cánones más standard del género, y que también les situó en muy buenas posiciones dentro de los charts británicos y a conseguir críticas y reseñas muy favorables en las revistas ue más apoyaban en ese momento el nuevo movimiento, en especial la británica Sounds y la norteamericana Circus.

White Spirit, magnífica formación que a pesar de su innegable calidad no consiguió el éxito que se merecía, editó en septiembre de 1980 un único álbum de estudio homónimo, ‘White Spirit’ que era todo un discazo, pero que no logró el éxito que probablemente esperaban, lo cual provocó la separación de la banda en 1981, sobre todo cuando Ian Gillan propuso a Janick Gers unirse a su banda y éste se marchó de White Spirit. El cantante del grupo, Brian Howe, posteriormente formó parte de la banda de Ted Nugent y de la versión años 90 de Bad Company, en el lugar de Paul Rodgers.

Diamond Head, la gran promesa fallida de la New Wave Of British Heavy Metal, fueron de los que como Samson o White Spirit, aún teniéndolo todo para haber llegado a lo más alto, no lograron pasar de una posición medianamente discreta que apenas les permitió mantenerse en una posición de mera supervivencia hasta su desaparición en 1985. Su debut en 1980 con el magnífico álbum ‘Lightning To The Nations’, y posteriormente con el fabuloso ‘Borrowed Time’ de 1982, hicieron que se esperase de ellos –como ocurrió con Def Leppard en 1983- que con un tercer disco podrían dar ese salto de calidad, y de hecho, ‘Canterbury’, que fue su álbum de 1983, bien pudo haber sido ese disco, pero… la suerte no les fue favorable, esa “americanización” de su sonido no funcionó como esperaban y en 1985, tras un último álbum que tampoco fue ese revulsivo que la banda necesitaba, provocó su disolución final. Lars Ulrich, de Metallica, como es bien conocido, fue quién más reivindicó su memoria, ha sido siempre uno de sus más fervientes fans y de hecho fue quien estuvo detrás de su reunión en 1993, cuando tocxaron junto a Metallica, The Almighty y Megadeth en junio de 1993 en el Milton Keynes Bowl.

Mencionados ya los grupos punteros del nuevo fenómeno, los que lo harían perdurar más y que incluso llegarían a superarlo y a sobrevivir a esa etiqueta, en un dossier de estas características no se debe olvidar ni dejar de mencionar a otros muchos grupos que si bien no consiguieron la misma repercusión, formaron parte indisoluble de la NWBHM, y deben ser recordados y conocidos a la hora de analizar ese fenómeno cuando se estudia con la perspectiva de su 30 aniversario. Muchos de ellos en parte no consiguieron ese deseado éxito debido a que se limitaron a copiar mecánicamente los esquemas y el arquetipo musical de otros grupos pioneros del género, como por otra parte sucede a menudo cuando un nuevo género músical se establece.

En ese mismo plano debe mencionarse a muchos de los grupos como Angelwitch, Trespass, las Rock Godess –fallida réplica de las Girlschool que apenas obtuvieron éxito- Tank, un grupo que venían a ser una especie de clones de Motörhead, Jaguar, Grand Prix, Raven –quienes todavía continúan en activo-, A II Z, Kraken, Black Rose… que integraron la, por así llamarla, primera B de la NWBHM.

Pero todos ellos, cada uno de ellos aportando su música, su visión del Heavy Metal, su esfuerzo, entre todos conformaron un verdadero movimiento que actuó como un revulsivo sin precedentes dentro del mundo del rock y que dieron carta de naturaleza a un estilo que salía de las catacumbas de la industria musical para llegar a ser un fenómeno plenamente innovador, y que como se había hecho anteriormente con el blues, heredaba la faceta más intensa, más fuerte, más llena de energía de un género anterior –el Hard Rock- para reinventarlo, darle una nueva personalidad, y crear una línea de progresión y evolución que desde entonces, nunca se ha detenido.

30 AÑOS DE LA NEW WAVE OF BRITISH HEAVY METAL: HOMENAJE Y RECORDATORIO

2010-09-19T04:18:00.007+02:00

Ante la desaparición de Led Zeppelin y el torpedo en la línea de flotación que había supuesto para AC/DC en 1980 la muerte de Bon Scott –todo el grupo quedó profundamente deprimido tras el trágico suceso, pensaron muy seriamente en deshacer el grupo e incluso hubo medios de comunicación que llegaron a dar la noticia de que AC/DC se separaban- era muy difícil de imaginar que justamente en ese momento, fuera un género como el Rock Duro, o el Heavy Metal –etiqueta que se habia empezado a usar por la prensa de manera más o menos habitual- fuera a ser el género que resurgiría con más fuerza justamente a partir de 1980; pues precisamente así fue.

Visto con la perspectiva del tiempo, puede entenderse mejor porque surgió esa Nueva Ola del Heavy Metal británico, esa New Wave Of British Heavy Metal. En 1980, los grandes grupos del Hard Rock estaban, como hemos visto antes, o bien ya separados o todavía en activo, pero en más de un caso habiendo dado ya lo mejor de su carrera y habiendo pasado ya sus años de gloria. El punk rock había sido plenamente absorbido por la industria del disco y del entretenimiento, y los pocos grupos que permanecían fieles al espíritu punk original ya no estaban en la vanguardia. Las modas del estilo New Romantics, Tecno Pop o New Wave obviamente eran fenómenos pasajeros, con un contenido musical válido según gustos, pero que en modo alguno representaban el sentir de una nueva generación, ni incorporaban nada que tuviera una vocación de permanencia.

Es decir, para muchos de los chicos que buscaban en el rock, como en el caso de las generaciones anteriores, una forma de expresión propia, de reafirmación, un lenguaje con el que comunicar sentimientos, sensaciones, existía un gran vacío que vinieron a llenar recuperando por un lado lo mejor de los clásicos –Zeppelin, Purple, Sabbath, Grand Funk, etc. -sobre todo, lo relativo a la energía, la fuerza desbordante y la intensidad que tuvieron en sus mejores años (1970-1975) pero añadiendo esa concepción del rock directa, impactante, inmediata que los grupos de punk rock incorporaron a su música. Buscaron una estética propia, visualmente más llamativa, tanto en su indumentaria como en los logotipos de sus bandas o las portadas de sus discos, e indudablemente, su propuesta se ganó a toda una nueva generación que ahora sí encontraba un estilo, un lenguaje musical con el que se identificaba plenamente y con el que sus anhelos de autoafirmación, de sentimiento de pertenencia a una comunidad, a un colectivo con el que compartía una forma de ser y de sentir, adquirían pleno sentido.

Existe un precedente algo lejano en el tiempo, pero cuya conexión con lo que fue la explosión de la New Wave Of British Heavy Metal es absolutamente innegable, y es el inmenso éxito de la gira británica de presentación del álbum ‘Killing Machine’ de Judas Priest, que tiene lugar a lo largo del otoño de 1978 y en cuyo marco tuvo lugar un hecho que sin duda significó un notable cambio de tendencia: El histórico y apoteósico concierto del Hammersmith Odeon de Londres el 3 de noviembre de 1978.

Judas Priest, estrenando un disco excelente y una puesta en escena y una estética romperdoras y innovadoras al máximo –el latex, el cuero, las cadenas, la parafernalia sadomasolquista y la estética que en general, en maylor o menor medida según los casos adoptarían casi todos los grupos de Heavy Metal de comienzos de los años 80- se presentaron en un local que se convertiría en el templo de la NWOBHM, el Teatro Odeon de Hammersmith, en Londres, llenándolo hasta la bandera contra todo pronóstico y haciendo una de las actuaciones más memorables de toda su carrera. El éxito tan apoteósico de Judas Priest en este concierto empezó a llamar la atención de la prensa, que observó asombrada como en muy pocos meses y liderado por este grupo, toda una eclosión imprable de grupos de Heavy Metal se apoderaría de la escena musical británica. Este concierto de Judas Priest fue la primera piedra de ese gran edificio musical.

Si se toma a los Judas Priest de la etapa post-Stained Class como grupo precursor, como pioneros básicamente de la nueva estética del Heavy Metal y de un sonido igualmente innovador, a partir de 1980 es cuando salen a la luz por mor de la edición de sus primeros discos, los grupos que conforman la punta de lanza, la vanguardia de ese nuevo movimiento.

En enero de 1980 se pone a la venta un álbum recopilatorio de grupos del underground rockero británico, el ya legendario ‘Metal For Muthas’, que será la primera referencia del sello creado por Rod Smallwood y Andy Taylor, Sanctuary Records, disco que a finales de mes y contra todo pronóstico estaba en el puesto nº12 de las listas oficiales de venta de discos en el Reino Unido, en el cual se incluyeron temas de grupos que van a quedar íntimamente ligados a este fenómeno: Samson, Angelwitch, Ethel The Frog, Sledgerhammer, los suecos E.F.Band, Toad The Wet Sprockett y con “Sanctuary” y “Wratchild”, otra de las vacas sagradas del género: Iron Maiden. El inesperado éxito discográfico de este recopilatorio lleva a la edición casi inmediata de un segundo volúmen en el que se encuentran temas de Trespass, Eazy Money, Dark Star, White Spirit, Xero o Horsepower y la puesta en marcha de una gira llamada igualmente Metal Form Muthas, que recorre Inglaterra durante todo el mes de febrero, con Motörhead, Saxon, Iron Maiden y Samson como grupos fijos, añadiendo diferentes teloneros según la ciudad en la que se encontrasen, estando entre ellos Angelwitch, Raven, Urchin –grupo en el que se encontraba Adrian Smith- Wytchfind, Diamond Head o Quartz.

En la primavera de 1980, meses antes de los dos grandes hitos que marcaron la etapa inaugural de la NWBHM tuvo lugar en Inglaterra otra gira absolutamente esencial en la consolidacion del género, de mayor repercusión todavía que la del Metal For Muthas y más espectacular todavía que la del otoño del 78, que tenía como protagonista cabeza de cartel a Judas Priest presentando nada menos que ‘British Steel’ y como teloneros a Iron Maiden, que presentaban su primer álbum. En tan solo cuatro meses, el Heavy Metal, que prácticamente no existía en Inglaterra, esta dominando la escena, y lo mejopr de ello, con bandas nuevas, bandas jóvenes que con sus primeros discos están logrando un éxito sin precedentes.

Aunque habían debutado en 1979 con escaso éxito, sin embargo en esa primavera de 1980 se produce otro lanzamiento discográfico de enorme relieve: la edición de ‘Wheels Of Steel’ de Saxon. La banda de Yorkshire, liderada por Peter “Biff” Byford, con este disco y la amplia repercusión conseguida en el tour de Metal For Muthas, logra gran popularidad y no tarda en ser otra de las bandas emblemáticas del género, y canciones como “Wheels Of Steel” y “747 (Strangers In The Night)” pasan a ser clásicos de la categoría de “Transilvania” en cuestión de semanas.

En enero se había editado también el primer álbum, ‘Demolition’, de otro grupo no sólo característico como pocos de la New Wave Of British Heavy Metal, sino pionero en los 80 de las bandas de rock femeninas; Girlschool. Las “chicas de colegio” van a ser uno de los grupos de mayor presencia y relevancia de la NWOBHM tanto en este disco como en su continuador ‘Hit And Run’ demostrarán que no tienen absolutamente nada que envidiar en cuanto a fuerza, dureza y potencia a ninguno de sus compañeros masculinos.

Así, hace 30 años ahora, surgía todo ese sensacional movimiento gracias al cual existe el Heavy Metal contemporáneo. Y en próximas entregas, seguiremos explicándolo.

GOV´T MULE, TRIPLE DISCAZO EN DIRECTO

2010-09-15T03:59:00.002+02:00

‘Millenium’. Así se llama esta excelente obra musical de un formidable grupo, de mis favoritos del rock americano, los Gov T’ Mule, disco que me he encontrado en la redacción de la revista nada más llegar de vacaciones, y que quiero recomendaros en este reinicio de la temporada en el blog.

A priori, es difícil que un triple álbum pueda llegar a hacerse corto… pero en este caso, así sucede. Los tres CD´s que componen este fabuloso directo de los sureños hardrockeros Gov’T Mule muestran a esta ya mítica formación en un momensto de sensibilidad, inspiración y energía difícilmente repetibles. Sencillamente fabulosos, aunando en una producción de primerísima categoría excelentes adaptaciones en directo de sus magníficos temas ya clásicos en el escenario – “Bad Little Doggie” o “Larger Than Life”, por citar sólo dos ejemplos- con una insuperable colección de covers que recorren desde el “Dazed And Confused” de Led Zeppelin al “21st Century Schizoid Man” de King Crimson, pasando por “Sometimes Salvation” de los Black Crowes, “Helter Skelter” de los Beatles o “I Shall Be Released” de Bob Dylan. Por no mencionar el electrizante y emocionante “Simple Man” de sus maestros Lynyrd Skynyrd.

Si te gusta el Hard Rock clásico americano con esa raíz sureña y bluesera tan característica de Gov’T Mule, ‘Millenium’ es una obra musical que con toda sinceridad, es verdaderamente excelsa, no tiene ni un microsurco de desperdicio. Rock en su máxima expresión, sentimiento a flor de piel, y un sabor clásico que nos retrotrae a aquellos fabulosos grandes álbumes en vivo de los 70, de los que que este ‘Millenium’ es un dignísimo heredero.

ULTIMOS PROGRAMAS ROCK STAR DEL VERANO

2010-08-26T17:24:00.007+02:00

En las últimas semanas en Rock Star hemos hecho la última tacada de programas especiales del verano, de los cuales, como es costumbre, os dejo aquí los enlaces y una información básica acerca de su contenido.
El 20 de agosto hicimos un repasito a la actualidad de lo que van a ser ya inminentes lanzamientos discográficos de septiembre, así como a lo más fuerte del verano: Iron Maiden, Blind Guardian, etc. en el aspecto más heavy, así como en cuanto a novedades dentro del rock más clásico, como el nuevo disco acústico de los Black Crowes.
Poco después, recuperamos una de las viejas tradiciones de Rock Star: los grandes discos en vivo. Y en esta ocasión, grabaciones en directo fabulosas, aunque no de las más conocidas, caso del "Caught In The Act" de Grand Funk Railroad, del "How The West Was Won" de Led Zeppelin o del "Live In California 1976" de Deep Purple en aquella última gira que hicieron en 1976 con Tommy Bolin de guitarrista.
Y para terminar esta serie, un programa dedicado a leer en antena traducciones de letras de canciones históricas en el rock, en cuya letra se encierra un gran contenido poético: Desde los Who a Bob Dylan, pasando por los Doors, Janis Joplin o el "Sympathy For The Devil" de los Rolling Stones, cuya letra fue inspirada por el escritor ruso Mikhail Bulgákov. Música y poesia, palabra y acorde, emocion y sonido.

Y por esta temporada... se acabó.

En septiembre arrancaremos una nueva temporada en la que Rock Star va a tener una emisión prácticamente diaria en Mariskalrock, en la que como siempre, nos embarcaremos en nuevos proyectos, nuevos libros, y para cargar bien las pilas, este communard que os escribe, a partir de este momento, 17,38 de la tarde del 26 de agosto de 2010, se toma unas vacaciones en mi paraíso particular: Catalunya y las maravillosas playas de la Costa del Garraf/Maresme. Ya me esta esperando el tren...
Estos son los links de descarga:
Rock Star de actualidad del verano:
http://www.ivoox.com/rock-star-20-agosto-2010-audios-mp3_rf_351414_1.html

Rock Star de discos en directo clásicos:
http://www.ivoox.com/rock-star-grandes-discos-directo-audios-mp3_rf_351415_1.html

Rock Star de traducciones de clásicos:
http://www.ivoox.com/rock-star-especial-traducciones-canciones-audios-mp3_rf_351497_1.html.

A la vuelta os cuento más cosas. Salud a todos

ROCK STAR: PROGRAMAS DE VERANO

2010-08-18T22:50:00.006+02:00

En estos meses de verano, en lo que la actualidad discográfica decrece considerablemente, estoy haciendo algunos programas más intemporales, con otros contenidos si se quiere más clásicos. Uno de ellos, que he llamado "Canciones con Historia" tiene un recuerdo a canciones de la historia del rock que han adquirido con el tiempo un significado específico: Desde el "Train Kept´a Rollin'" de los Yardbirds, explicando como ese tema de los Yardbirds está en la génesis de un grupo como Led Zeppelin, y como influyó en Aerosmith al controvertido "Helter Skelter" de los Beatles y su extraña y siniestra relación con Charles Manson y la versión que de esta canción grabaron Mötley Crue, pasando por un blues con una historia propia como "The Sky Is Crying".
Otro programa es el que hemos dedicado al 30 Aniversario de la New Wave Of British Heavy Metal, recordando la gran repercusión que tuvo ese fenómeno en la evolución del rock en los años 80, los primeros festivales de Donington, el legendario Reading'80 y por supuesto, los grandes discos en directo de Saxon y Motörhead, las primeras producciones de Iron Maiden, Def Leppard, Samson, Tygers Of Pan Tang...
Aquí os dejo los links de escucha y /o descarga:
Para el programa de 30 Aniversario de la NWOBHM
http://www.ivoox.com/rock-star-30-anos-nwbhm-audios-mp3_rf_344761_1.html

Para el programa de Canciones con Historia
http://www.ivoox.com/rock-star-verano-2010-canciones-con-historia-audios-mp3_rf_344739_1.html

Espero que os gusten, un saludo.

MYRATH 'DESERT CALL'

2010-08-13T00:09:00.004+02:00

Otro disco muy especial. Desde tierras del Magreb, un lugar desde el que es poco habitual recibir discos de grupos de rock desde Tunez para ser más exactos, nos llega este nuevo disco de Myrath, una magnífica formación de Metal sinfónico-progresivo que ha tenido el acierto de saber incorporar a su sonido y a su música toda una serie de sugerentes elementos étnicos muy característicos –sin que se parezcan, pero en ese sentido guardan una cierta proximidad con Medina Azahara- y que en los temas que componen este singular disco, han sabido amalgamar todas esas influencias en unos temas complejos, elaborados, con grandes dosis de virtuosismo, pero sin dejar de tener feeling, fuerza, potencia y mucha originalidad.

Analizando con más detenimiento los temas de ‘Desert Call’, quiero destacar entre los que me parecen que les han quedado mejor la que da título al CD, “Desert Call”, cuyos rasgos arabescos son muy originales y adornan muy bien la canción, “Madness”, en la que llama la atención las flautas -¿se habrán grabado con los maestros de Jajouka?- y la transición instrumental progresiva intermedia, relamente muy buena. “Memories” es otra fenoemnal pieza, más lenta, con una sonoridad diferente y “No Turning Back” un tema que me parece idóneo para los conciertos en directo.

Aún les falta a mi juicio no complicar tanto algunos temas –a veces dan la impresión de que en cada canción es como si quisieran meter demasiadas cosas, y hay cortes que les han quedado demasiado enrevesados- y quizá llegar a dar con un riff, con un estribillo, una melodía que pudiera ser un buen single. Pero de momento, estamos ante un magnífico grupo, al que en su estilo auguro un más que prometedor futuro.

Metal progresivo con mucha carga étnica en lo musical que te gustará si te gusta el rock sinfónico-progresivo de grupos como Symphony X, Dream Theater o Pink Floyd. No olvides que uno de sus principales valedores es Robert Plant, que les vió en directo en un festival de folk-rock en unas antiguas ruinas de Cartago en 2006 y desde entonces les ha apoyado y les ha promocionado en todo lo que ha podido.

MOLLY HATCHET, NUEVO DISCO 'JUSTICE'

2010-08-11T02:51:00.002+02:00

El verano, sobre todo el mes de agosto, es una época poco propicia para el lanzamientos de discos relevantes; normalmente, en en septiembre cuando incluso se satura el mercado, pero en este tiempo de verano de vez en cuando se encuentra uno con discos muy buenos, que merece la pena escuchar y recomendar. Es este el caso de ‘Justice’, el nuevo Lp de estudio de los Molly Hatchet.

Esta veterana formación de Hard Rock/Rock sureño que inició su andadura allá por los 70, tras diversos cambios de formación y avatares varios, se mantiene ofreciéndonos en general discos de excelente factura, y este último ‘Justice’ no es una excepción. Una base de sonido si cabe más heavy, más dura que de costumbre, pero sin perder la raíz sureña tan característica de su sonido y que no excluye incluso temas cercanos al rock progresivo, como los que cierran el álbum, ‘In The Darkness Of The Light’ y “Justice” o algunos con un friff de guitarra plenamente heavymetalero, como en “Been To Heaven – Been To Hell’.

“Deep Water” y “Gonna Live ‘Til Die”, así como “As Heaven Is Forever” son en el otro lado, los más fieles al Southern Rock más tradicional, y son de los que harán disfrutar más a sus fans de estilo más tradicional. Un álbum largo, pero que no se hace en ningún momento pesado, con canciones de nivel general alto y de indudable calidad. Rock sureño de toda la vida con interesantes incursiones en el Heavy Metal y con detalles sinfónico-progresivos que seguro te llamarán la atención.

CUBA, NUESTRO EJEMPLO DE LIBERTAD, DIGNIDAD Y LUCHA POR AUTENTICA DEMOCRACIA

2010-07-29T02:09:00.003+02:00

Cada 26 de julio, fecha del inicio de ese fascinante proceso histórico que fue la revolución cubana comandada por los camaradas Raul y Fidel Castro con la inconmensurable participación del Comandante Ernesto Che Guevara, tiene para mi un motivo, primero de celebración y satisfacción. Frente a las campañas intoxicadoras, las mentiras, las manipulaciones, el odio que las derechas más extremas y reaccionarias vierten contra la Revolución, como bien dice el compañero Silvio Rodríguez, Cuba Va...
Otro motivo de reflexión es siempre el intentar difundir, explicar, dar una versión alternativa a las campañas calumniosas contra la Cuba Socialista y Revolucionaria, y buscar argumentos para dar a conocer mejor esa realidad de una Cuba que por encima de todas las mentiras, es realmente una democracia sólida, popular, forjada por el trabajo de la clase obrera y por el entusiasmo de generaciones y generaciones de cubanos que han crecido y progresado gracias un estado que les ha proporciondo un vivienda sin sangrarles con hipotecas, que les ha facilitado el acceso a la cultura, la ciencia, la educación, la salud... una revolución contra la cual, se diga lo que se diga, solo se rebelan mercenarios a sueldo de potencias imperialistas, y a lo que a pesar de sus delitos y conspiraciones, el estado cubano trata con generosidad, como se ha visto recientemente con la llegada de los supuestos "presos políticos" a nuestro país.
¿Donde estan en Cuba las movilizaciones de masas que se rebelaban contra los gobiernos de Videla o Pinochet? ¿es que pensáis que el imperialismo no aprovecharía la ocasión de difundirlas a todo el mundo?
Pero para mi, la mejor reflexión posible es la que me proporciona el Diario Granma, organo oficial del Partido Comunista de Cuba y medio de comunicación cuya lectura siempre me proporciona estimulantes reflexiones, a veces también críticas, pero siempre interesantes y que siempre aconsejo conocer.
A modo de ejemplo, os aconsejo la lectura de este excelente artículo del Granma. Muchos mitos y mentiras quedan descalificados si se lee con espíritu objetivo y equilibrado.
http://www.granma.cu/espanol/cuba/27-julio-fidel.html

VISCA CATALUNYA Y VIVA EL NO A LA TORTURA Y EL GENOCIDIO CONTRA LOS ANIMALES

2010-07-28T22:44:00.002+02:00

El Parlament De Catalunya, es un acto que le honra y que le pone a la cabeza de la dignidad humana y para mi, al máximo respeto y admiración política por su valentía y humanidad, HA PROHIBIDO EL SANGUINARIO ESPECTACULO DE LAS CORRIDAS DE TOROS.

¡SI Señor! Una vez más, VISCA CATALUNYA!

PENSAMIENTO PARA LA REFLEXION

2010-07-25T03:37:00.003+02:00

“La obligación de un revolucionario es hacer la revolución. La labor de un músico es hacer música. Pero hay una ecuación que no debe pasarse por alto: la música es revolución. El rock and roll es una de las fuerzas revolucionarias más vitales en Occidente –empuja a la gente de nuevo hacia sus sentidos y les hace sentirse bien, como si estuvieran vivos otra vez, en medio de este monstruoso funeral de la cultura occidental-

Y de eso trata la revolución: tenemos que establecer una situación en este planeta donde toda la gente se pueda sentir bien en todo momento. Y no vamos a descansar hasta que esa situación sea una realidad.”

John Sinclair, manager de MC5, Ensayo sobre Rock y Revolución, 1968.