CLASICOS DE ORO (II) BLIND FAITH 'BLIND FAITH' (1969)

Si bien el debut de Eric Clapton con Cream quedó indudablemente ensombrecido por las excepcionales obras maestras que le siguieron, ‘Disraeli Gears’ y ‘Wheels Of Fire’, este único disco del fallido proyecto Blind Faith, evolucionada y renovada continuación de Cream en donde Eric Clapton compartía en un nuevo super-grupo protagonismo con Steve Winwood de Traffic, Rick Grech y su ex compañero de la Crema Ginger Baker en la batería, es el alfa y el omega, el único testimonio musical de un grupo que pudo ser grandioso en la historia.

El que fuera primer y último disco de este grupo nunca fue especialmente apreciado, paradójicamente, por ninguno de los músicos que tomaron parte en él. El fracaso de la aventura sin duda debió dejar una sensación de amargura muy grande con relación a este disco, que sin embargo era de una calidad extraordinaria y dejaba ver unas posibilidades magníficas cara a un segundo trabajo y una carrera musical más a largo plazo. Pero por un lado, los managers del grupo no apoyaron con suficiente convicción la idea, y por otro parece ser que las relaciones personales/lucha de egos entre Eric Clapton y Steve Winwood deterioraron mucho la situación interna y las ganas de continuar con el proyecto, que tras un gran concierto inaugural en Hyde Park, una gira por Estados Unidos durante el verano del 69 y unas actuaciones por Escandinavia, desaparecía tan solo 10 meses después de haberse creado. Las ventas más bien pobres del disco en Inglaterra –no así em Estados Unidos, donde fue un impacto de ventas espectacular, llegando a estar en el nº1 de Billboard- tampoco ayudaron a que el grupo se consolidadse.

Musicalmente, vuelvo a insistir, el disco es una auténtica maravilla. Una originalísima mezcla entre Cream y Traffic en el que sobresale el gran trabajo de Jimmy Miller como productor, que ya había empezado a trabajar con los Rolling Stones, y que supo sacar lo mejor del cuarteto tanto en las canciones más rockeras como “Had To Cry Today” o el sensacional experiemento de rock progresivo de “Do What You Like”, una extensa y fabulosa pieza de 15 minutos de duración con uno de los solos de batería más demoledores que se hayan registrado nunca en un estudio de grabación, como en las piezas más tranquilas, caso de la sugerente y cálida “Can´t Find My Way Home”, la pieza más clásica de este discazo, “Presence Of The Lord”, que Clapton siempre ha mantenido en sus conciertos en directo y por supuesto, en la que quedaría para la posteridad como la mejor de todo este álbum piedra angular del rock contemporáneo: la versión de “Well All Right” de Buddy Holly, un clásico de clásicos de la historia del rock.

Este disco es igualmente famoso por su portada. La original, y dentro de una moda que estaba muy en boga en la época, no traía ni título para el disco ni el nombre del grupo, y tan solo mostraba un diseño en el que aparecía una muchacha desnuda sujetando entre sus manos un aeroplano. En Estados Unidos se prohibió la edición del disco con esa portada y se sustituyó por otra –que también fue la que se usó en España en la época del franquismo- en la que aparecía simplemente una fotografía del grupo en blanco y negro. Sobre la chica que apareció en la portada, se corrieron los más extraños e inverosímiles rumores: Desde que se trataba de una hija ilegítima de Ginger Baker a que se trataba de una grupie a la que la banda había poco menos que secuestrado. Tiempo después se supo que era una chica londinense normal y corriente, que posó para Bob Seidemann, el fotógrafo que diseñó la portada, con el consentimiento y aprobación de sus padres.

BLUES Y ROCK PROGRESIVO (1)

1966-1970: LIBERTAD CREATIVA E INTERCAMBIO DE INFLUENCIAS

Fusión, experimentación y volumen: Estas tres claves podrían ser las que definirían el espíritu que animó a los músicos que tanto en Inglaterra como en Estados Unidos comenzaron en la segunda mitad de los 60 a crear un nuevo concepto musical, a partir del cual en los 70 se crearían estilos con una personalidad musical y una identidad propia (Heavy Metal, Rock Sinfónico, etc.) pero cuya génesis está en la puesta en práctica de estas ideas.

Hacia 1966-67, toda una serie de factores favorecían este fenómeno de intercambio de influencias y de exploración de nuevos lenguajes musicales: en primer lugar, el LP, el álbum, el disco de larga duración pasaba a ser el formato básico para desarrollar una carrera y para valorar las posibilidades reales de un grupo, en lugar de los hit-singles de 2 ó 3 minutos para la radio. En ese contexto, por tanto, se abren enormemente las posibilidades de componer trabajos musicales más ambiciosos, que permitan un mayor grado de experimentación, que dejen más campo abierto a la imaginación y a la creatividad del artista. En ese contexto, los Rolling Stones son pioneros con canciones de casi 11 minutos de duración como su "Goin´Home" del álbum Aftermath de 1966, antes incluso de que los Beatles lo hicieran en Sgt.Peppers o en el white album.

El cambio social y cultural que se vivió en esos años tuvo como consecuencia directa un cambio en la mentalidad y en los gustos musicales de esa generación, que al buscar en la música, o más concretamente en el rock un lenguaje de liberación, un mundo de sensaciones nuevas con el que identificarse, demandaban un tipo de rock más complejo, con más contenido, también más intenso, por tanto también más fuerte, algo que fue rápidamente captado por músicos como Jeff Beck, Eric Clapton, Jimi Hendrix, Jimmy Page, etc. en un momento en que el cambio de ciclo generacional favorecía que la industria del disco arriesgase y apoyase ese cambio. Todos estos factores explican como a partir de esos años, se vive una extraordinaria eclosión de creatividad en el rock, que encuentra su inspiración básica de un lado en la evolución hacia formas más elaboradas instrumentalmente y con un notable grado de progresión compositiva, (Moddy Blues, Genesis, Pink Floyd, Jethro Tull) y de otro, en el blues progresivo (Traffic, Cream, The Jimi Hendrix Experience, etc.). Incluso el jazz, o si se quiere el jazz rock, también participa de ese espíritu a través tanto del siempre vanguardista y experimental Miles Davis , quien por ejemplo en su sensacional álbum de 1968 Miles In The Sky incorpora nada menos que a George Benson como guitarrista, Ron Carter en el bajo, Herbie Hancock en los teclados y Tony Williams en la batería, mientras que en su histórico Bitches Brew de 1970 se decanta claramente por el rock, como de los Blood Sweat & Tears creados por Al Kooper, del primer Santana o ya en los 70, Weather Report, The Mahavishnu Orchestra o Return To Forever.

INGLATERRA: DEL BRITISH BLUES AL ROCK PROGRESIVO

En el mundo del blues rock, o blues progresivo, en Inglaterra tenemos un importante grupo de músicos, la mayoría de ellos en contacto desde sus tiempos de estudiantes en las escuelas de arte, que van a conformar la base de ese movimiento innovador que va a cambiar la evolución del rock partiendo del blues.

Como precedentes, incluso como influencias más directas, es necesario mencionar en primera instancia el blues más clásico: Muddy Waters, el primer bluesman que tocó en directo en Inglaterra en 1959 con una banda eléctrica y fuertemente amplificada, además de conseguir un enorme éxito en ese momento, abre las mentes de muchísimos jóvenes y les despierta el interés por adentrarse en el blues y en todo lo que conlleva como lenguaje musical. Tras Muddy Waters, Bo Diddley, Sonny Boy Williamson, Elmore James o John Lee Hooker empiezan a ser conocidos en Inglaterra por los jóvenes músicos blancos, que aportan su propia visión de esta nueva música y fruto de esa fusión, dan carta de naturaleza propia al rock británico.

Sin lugar a dudas, los Rolling Stones son el grupo que consigue en este ámbito mayor popularidad, aunque en lo musical tan influyentes o más que ellos van a ser John Mayall & The Bluesbreakers, The Yardbirds o The Spencer Davis Group, sin olvidar desde Irlanda a los Them de Van Morrison, formaciones que se consolidan en torno a los años 1964-1966. De estas formaciones es de donde van a salir los músicos protagonistas de este nuevo movimiento.

Como precedente altamente interesante, existe una colección de cinco volúmenes editados por RCA -supongo que también deben existir en CD- llamada British Archive Series - Blues For Collectors grabada originalmente en 1966 que es una de las mejores joyas para los amantes del blues-rock que se han editado jamás. En especial, en los volúmenes 3 y 4 de esa colección, nos encontramos con joyas de blues progresivo como "Steelin" o "L.A. Breakdown", en las que Jimmy Page y Jeff Beck, antes de tocar juntos en los Yardbirds, y con el inestimable apoyo de un genio del piano y los teclados como Nicky Hopkins, recrean estas piezas con una inspiración, una energía y una sensibilidad tales, que son la primera piedra, el primer eslabón de una cadena que lleva inexorablemente al blues eléctrico y proto-Heavy Metal que Led Zeppelin originaron. Esa misma sensación se siente cuando se escucha en el volumen 3 el emocionante "Miles Road" en el que hacen juntos un dueto único Eric Clapton y Jimmy Page.

En 1966 se forma en Londres Cream con Eric Clapton como guitarrista, Jack Bruce en el bajo y Ginger Baker en la batería. Según explica Eric Clapton en su autobiografía, ninguno de los 3 al principio tenía una idea muy clara de lo que Cream iban a hacer. Fue la libertad creativa, el dejar fluir la imaginación, el espíritu innovador y explorador en el que los tres confluyeron en ese momento concreto lo que hizo de Cream una de las formaciones más revolucionarias de la historia del rock. Su base musical era el blues, y de hecho empezaron readaptando y trabajando sobre temas del más puro blues de Chicago, aunque ni Eric Clapton ni los demás miembros de Cream querían limitarse a ser un grupo de blues tradiconal. Jack Bruce y Ginger Baker conocían bien el jazz y en un primer momento, la idea de hacer temas de blues rock pero compuestos e instrumentados de forma muy abierta, a la manera de los grupos de jazz más vanguardista, fue la que estuvo presente en su trabajo. Podían estructurar una composición de manera que pudieran improvisar sobre el tema, introducir partes de otro, retomarlo, en definitiva, crear lo que poco tiempo más tarde se conoceria como rock progresivo.

Hablar o escribir acerca de lo que significó Jimi Hendrix para la evolución de la música en este periodo requeriría no solo un artículo completo dedicado en exclusiva a su figura, sino más de un libro. Virtuoso de la guitarra hasta unos extremos desconocidos en la música de aquellos años, dotado de una extraordinaria capacidad de exploración del sonido y siempre inquieto por investigar y experimentar, crea un nuevo concepto de rock absolutamente revolucionario tanto por la intensidad de sus actuaciones en directo como por el sentimiento, la dureza y la originalidad de canciones como "Purple Haze", "Manic Depression" o "Crosstown Traffic". Cultiva el blues progresivo de manera genial su "Voodoo Chile" del álbum Electric Ladyland y reinterpreta el blues de raíz más clásica de manera personalísima en los "If Six Was Nine" y "Little Wing" de su exitoso Axis: Bold As Love. Por encima del mito fabricado en torno a su figura, su música y su aportación a la evolución y la integración transversal del blues y del rock son fundamentales en la historia de la cultura popular contemporánea.

GRANDES DISCOS EN DIRECTO: DELANEY & BONNIE & FRIENDS

DELANEY & BONNIE & FRIENDS
'On Tour With Eric Clapton' (marzo 1970)
Más Clapton. Delaney & Bonnie era un dúo de rock /soul americano de finales de los 60 que seguramente no habría pasado a la historia en modo alguno de no haber sido por este disco. Tuvieron la suerte de que tras editar dos discos de relativo éxito comercial, les contrataron para telonear a los Blind Faith de Clapton durante su gira por Estados Unidos de verano de 1969. El guitarra congenió con Delaney, ambos se hicieron buenos amigos -en más de una actuación de Delaney & Bonnie Eric Clapton salió al escenario a hacer una jam con ellos- y de vuelta a Inglaterra, ante la separación de Blind Faith, Clapton les consiguió una gira por Inglaterra para la cual, unos "amigos" invitados entre los que se encontraban entre otros Dave Mason, Leon Russell, George Harrison de los Beatles o el propio Eric Clapton convirtieron el grupo en Delaney & Bonnie & Friends.
La gira fue un éxito, los conciertos sensacionales y el celebrado el 7 de diciembre en el Fairfield Halls de Croydon, Londres, se grabó para este espectacular disco de rock/soul/blues en directo, en el que por supuesto destaca la fuerza, la intensidad y la genialidad de la guitarra de Eric Clapton, pero sin que le vaya a la zaga la maravillosa voz de Bonnie Bramlett -¡que injustamente olvidada!- o la sección de viento de Bobby Keys y Jim Price, habituales acompañantes de los Rolling Stones.
En plan fuerte, imprescinidble escuchar y vibrar con los medley - tributo a Robert Johnson "Poor Elijah" y el dedicado a Little Richard, el potentísimo "I Don´t Want To Discuss It" , puro Hard Rock muy en la línea del Jeff Beck más duro o de los Zeppelin más primigenios o la sublime "Where There 's a Will, There´s A Way", mientras que en plan más melódico y relajado, impagable el blues "That´s What´s My Man Is For". Del mismo modo, hay que señalar el fantástico trabajo que desde la mesa de mezclas, tres monstruos de la producción discográfica, tanto en álbumes de estudio como en lives, Jimmy Miller, Andy y Glyn Johns hicieron en este disco.
Puro sabor a rock clásico con una calidad extraordinaria. Escúchalo y bebe una copa de bourbon en recuerdo y homenaje al líder de esta banda, Delaney Bramlett (1939-2008) maravilloso músico que poco antes del final del año pasado nos dejó para siempre.

GRANDES DISCOS EN DIRECTO: THE PLASTIC ONO BAND

THE PLASTIC ONO BAND
'Live Peace In Toronto 1969' (Diciembre 1969)
Todavía no se habían separado formalmente los Beatles, pero John Lennon, que ya hizo un amago de abandonar el barco en 1968, convencido de que el cuarteto ya solo existía por una cuestión de contratos, negocio e intereses, ya desde que en diciembre de 1968 participara en el 'Rock´n´Roll Circus' de los Rolling Stones y a lo largo de 1969 tantease con Jimi Hendrix y Brian Jones la posibilidad de formar otro grupo, -posibilidad abortada de modo muy explícito por el manager de Jimi Hendrix, Mike Jeffries, un auténtico mafioso del mundo del management- volcó todas sus inquietudes musicales en diferentes proyectos, entre los cuales quedó para la posteridad merced a este álbum en directo, la Plastic Ono Band.
Acompañado por Yoko Ono, Eric Clapton en la guitarra -recien salido de los separados Blind Faith y tras haber dicho no a una oferta de Mick Jagger para entrar en los Stones sustituyendo a Brian Jones- Klaus Voorman en el bajo y el futuro batería de Yes Alan White, la Plastic Ono Band se presentó en el Rock´n´Roll Revival Festival de Toronto el 12 de septiembre de 1969 y llevó a cabo un concierto que en el disco queda claramente reflejado en dos partes bien diferenciadas: Lo que era en la época del vinilo la "cara A", contiene una sesión de rock´n´roll clásico sensacional, con la banda sonando como una verdadera máquina y en donde puedes difrutar tanto de los maravillosos 'Blue Suede Shoes' o "Dizzy Miss Lizzy' como de un duro y rockero "Yer Blues" -uno de los números más celebrados del album blanco de los Beatles, que Lennon ya había tocado con Clapton en el Rock' n´Roll Circus stoniano que podeis ver y escuchar en este video- así como de los coros de la gente cantando con el propio Lennon el "Give Peace A Chance" .
En la segunda cara el planteamiento es completamente distinto: Lennon cede el protagonismo a Yoko Ono, y toda la

cara B es una extensa, transvanguardista, dramática y experimental pieza basada en los quejidos de Yoko Ono a modo de performance sobre como la tierra sufre por la agresión humana.
Como dato para la historia, 'Live Peace In Toronto 1969' entró en las listas de Billboard en enero de 1970 y se mantuvo entre los puestos 10 y 13 durante 9 semanas.

GRANDES DISCOS EN DIRECTO: LOS PIONEROS .CREAM (2)

CREAM 'Live Cream' (Abril 1970)
Cuatro temazos en vivo de Cream registrados en los conciertos de los días 9 y 10 de marzo de 1968 en el Winterland de San Francisco, más un tema inédito perteneciente a los descartes de las grabaciones de 'Disraeli Gears' de marzo de 1967, "Lawdy Mama". Producido genialmente por Robert Stigwood, Ahmet Ertegun y Felix Pappalardi, contiene alguna de las interpretaciones más geniales e inspiradas de los números clásicos de blues que Cream siempre desarrollaron en sus recitales, como es en este caso el formidable "Rollin´And Tumblin´" de Muddy Waters, para gusto de muchos seguidores de la banda, la mejor pieza de todo el disco, sin desmerecer el magnífico "N.S.U" de Jack Bruce que abre el disco. Grandísimo disco, aunque todavía mejor fue su segunda parte.


CREAM 'Live Cream Vol.II' (Marzo 1972)
La excepción a la famosa regla de que segundas partes nunca fueron buenas se hizo realidad con este segundo volumen del testamento en vivo de Cream. Recueprando nuevas grabaciones del Winterland del 68 más tres formidables retazos de puro rock en el Oakland Coliseum Arena en aquel mismo tour, como era el fabuloso "White Room" que incluyeron en este disco, en este segundo volumen se puede escuchar a unos Cream infinitamente más fuertes, inspirados y potentes que en el primer volumen, en especial en su extensa "Hideaway", un temazo de más de 13 minutos con todo lo mejor del espíritu innovador de Cream condensado en una improvisación instrumental progresiva única, llena de fuerza, de tremendismo sonoro y en la que que ya esta presente el Heavy Metal entendido como intensidad, como volumen, como fusión del blues y del rock en su grado de potencia superior. Un álbum imprescindible en la historia del rock en la transición entre los años 60 y los 70.