THE ROLLING STONES - THEIR SATANIC MAJESTIC REQUEST (1967)

Este es el disco probablemente más controvertido de toda la carrera de los Rolling Stones, que más división ha creado tradicionalmente entre los stonianos, y sin embargo, a mi juicio uno de los más interesantes para escuchar, eso sí, partiendo de la base de que es un disco intencionadamente experimental, fruto de un ambiente y de unas circunstancias muy específicas de la década de los 60, y por supuesto sin pretender compararlo con trabajos posteriores. Yo he de decir que no es de mis favoritos, y que durante años y años no lo escuché, porque apenas me gustaba. Mientras he machacado hasta rayarlos el Exile... Let It Bleed, Some Girls, Tattoo You o Voodoo Lounge, Their Satanic Majestic Request acumuló polvo durante mucho tiempo, hasta que cuando empecé a escribir libros sobre los Stones, o artículos de prensa, lo desempolvé, lo escuché desde otra perspectiva y hoy creo que puedo dar sobre él un juicio más objetivo.
Cuando en 1998 escribí mi libro The Rolling Stones para Ediciones Cátedra, dije acerca de Their Satanic Majestic Request que era un disco que contenía muchas de las mejores ideas musicales de los Stones de los 60, pero probablemente demasiado recargadas, demasiado adornadas, incluso puede que demasiado difusas. Ello obedece en mi opinión a que durante la grabación de este disco es cuando se produjo de facto la ruptura entre Andrew Loog Oldham y los Stones. La relación entre ambas partes, que se había enrarecido precisamente a raíz de la irregular producción que Oldham hizo de Between The Buttons, se quebró completamente cuando éste se desentendió por completo de la situación de Mick, Keith y Brian cuando fueron juzgados y encarcelados por posesión de drogas. En el estudio, y ante las constantes discusiones y enfrentamientos, Oldham una tarde se levantó de la mesa de mezclas y dimitió como manager y como productor. Mick y Keith tomaron el mando sin la experiencia suficiente en el estudio como para dar forma a todo lo que querían experimentar.
Es evidente por otro lado, y además Mick Jagger lo ha explicado así en múltiples ocasiones, que el grupo no quería mantenerse al margen de la revolución que se vivía en el pop y el rock en Inglaterra entre 1966 y 1969. Los Stones siempre han querido a lo largo de toda su trayectoria aportar su visión musical de los diferentes fenómenos que han existido en el rock -desde la música disco con "Hot Stuff", "Miss You", "Dance" o "Undercover Of The Night" al reggae con "Cherry Oh Baby", la música étnica con "Can You Hear The Music o "Continental Drift" o hasta el tecno-industrial en “Might As Well Get Juiced”- en 1967 quisieron ser parte de esa revolución musical y optaron por introducir en sus canciones muchos elementos propios del rock psicodélico así como temas más experimentales, más progresivos, con transiciones y desarrollos instrumentales muy complejas, usando instrumentos como el mellotron, los primeros sintetizadores, clavicordio, arpa, violin, flauta o la tabla hindú y contando con la sapiencia musical de importantes colaboradores en la producción, caso por ejemplo de John Paul Jones y Jimmy Page, músicos de sesión habituales de los Olympic studios londinenses donde los Stones grabaron este disco y poco después miembros de Led Zeppelin, cuyos efectos de sonido jugando con los ecos y las grabaciones rebobinadas y reproducidas al revés son una característica fundamental en este disco en temas como "2000 Light Years From Home".
Con todas esas ideas en la cabeza, los Stones grabaron este disco entre febrero y octubre de 1967, poniendose a la venta en la primera semana de diciembre de ese mismo año y en un principio con el título de Cosmic Christmas, que se cambió a última hora por el de Their Satanic Majestic Request.
La prensa en general, salvo muy contadas excepciones, criticó con dureza el disco y acusó a los Stones de pretender el exito comercial imitando a Pink Floyd o a los Moddy Blues. Las evidentes semejanzas entre Their Satanic... y el Sargent Peppers Lonely Hearts Club Band de los Beatles, editado seis meses antes fueron otro argumento que la crítica empleó contra los Stones, acusándoles de imitar a los Beatles y de estar creativamente atascados.
No obstante, el paso del tiempo ha dejado a este disco en un lugar mucho más acorde con su calidad musical. "Citadel" es un fenomenal ejemplo de como los Stones habían escuchado y asimilado mucho del llamado British Blues (Traffic, Cream) y hacen en esta canción un rock con unas guitarras fabulosas, impregnadas de esa dureza y esa solidez del blues británico evolucionado que esta ya anunciando la explosión del Hard rock. Y si hay un tema que es puro rock progresivo, que retoma esa faceta más experimental, más arriesgada y difícil que los Stones ya mostraron en el "Goin´Home" de Aftermath, ese tema es el que encierra los casi 8 minutos de "Sing This All Together (See What Happens)".
"In Another Land", la única canción compuesta y cantada por Bill Wyman en la historia de los Stones si se puede decir que es pop-rock psicodélico muy de aquel momento, tanto por las melodías, los coros, los colchones de teclados... en esa misma línea musical, "The Lantern", en mi opinión la mejor canción de todo el disco, entra en ese terreno musical en el que se amalgamaban en aquel momento el pop convencional, la psicodelia y las primeras composiciones de lo que después se llamó rock sinfónico. "Gomper" es el tema más exótico, cabe imaginar que fruto de las experiencias vividas en Marruecos y que entronca, aunque desde un punto de vista propio y diferenciado, con esa fuerte corriente de influencia de la música hindú que entre 1967 y 1969 se vivió en diferentes ámbitos del rock. Y finalmente, la canción más conocida, "She´s A Rainbow", una preciosa medio balada romántica muy pop, con arreglos orquestales y una parte intermedia progresiva en la que Brian Jones se muestra como el consumado multinstrumentista que era, tocando el violín, la guitarra, el órgano electrico y el mellotron.
Hace algunos años me hice con una caja de seis cd´s pirata con las outtakes, tomas desechadas y canciones no acabadas de la grabación de Their Satanic Majestic Request, y resulta enormemente significativo que a juzgar por como eran algunas de las canciones, Their Satanic... podía haber sido un álbum mucho más progresivo, psicodélico y experimental todavía. Algunas versiones de "2000 Light Years From Home" o "Citadel" eran aún mucho más enrevesadas, recargadas de detalles de producción y extendidas en varios minutos. Y desgraciadamente, escuchando estas outtakes, se comprueba que la contribución musical de Brian Jones, todavía muy fecunda y valiosa en este disco, que fue casi el último que grabó con el grupo dado que en Begars Banquet estaba ya muy desligado de los Stones, apenas pudo salir a la luz en la mezcla final de este conjunto de canciones.
La polémica sobre este disco no se limitó en su día a su contenido musical. En Sudafrica se editó con el título de The Stones Are Rolling, puesto que las autoridades prohibieron que apareciera la palabra "satanic". La portada, que mostraba a los cinco Stones disfrazados de personajes de cuentos infantiles en un fondo psicodélico, y en cuyo centro aparece Mick Jagger vestido con una túnica negra de mago, fue uno de los argumenros de algunos supuestos expertos en ciencias ocultas que lo señalaban como una prueba más de que el cantante era un devoto de la magia negra.
En la primeras ediciones del disco, esta fotografia realizada en su momento por Michael Cooper, se puso en la portada en forma de imagen lenticular, es decir, que la imagen cambiaba según se moviera la portada en una dirección u otra o se mirase desde un ángulo u otro distinto. Meses después, en las siguientes ediciones la foto tridimensional se suprimió debido a al elevado coste de su impresión convirtiendo las ediciones anteriores en una cotizadísima pieza de coleccionista que me costó en su día una fortuna adquirir, pero de nuevo los "iluminados" empeñados a asociar a los Stones con el satanismo, aseguraron que la foto tridimensional se eliminó porque la compalñía discográfica se dió cuenta de que una de las imagenes lenticulares ocultas mostraba a un gran macho cabrío, animal que simboliza al demonio, encima del grupo.
Dado que este disco se grabó en el estudio que era el centro neurálgico del ambiente rockero de Londres en los 60, los estudios Olympic, los Stones pudieron contar con la colaboración de un amplio elenco de celebridadeas que pusieron su granito de arena en la obra final. Aparte de los mencionados Jimmy Page y John Paul Jones, John Lennon y Paul McCartney de los Beatles hicieron coros en "Sing This All Together", Nicky Hopkins tocó el piano en la mayoría de las canciones, y Steve Marriot y Ronnie Lane, guitarrista y bajista de los Small Faces colaboraron en "Sing This All Together (See What Happens)". Como curiosidad final, los ronquidos quese pueden escuchar al final del "In Another Land" son del propio Bill Wyman, al cual se los grabaron una noche que la grabación de un tema se prolongó hasta bien entrada la madrugada y se quedó dormido en un sofá.
Vuelvo a repetir que no estará nunca entre mis favoritos, pero cada vez que lo escucho, sigue teniendo para mi el mérito de llevarme a otra época, de reproducirme un escenario musical fascinante que solo he podido conocer indirectamente, el mundo del rock psicodélico, pero que gracias a discos como este Their Satanic Majestic Request, puedo imaginar con una enorme veracidad. Tal es la grandeza de la música.

¿VUELVEN A REUNIRSE LOS FACES EN 2009? (¡SI, POR FAVOR!)

No lo puedo evitar, son una de mis debilidades especiales en el mundo del rock, los Faces. Una genuina banda de rock inglés con una carrera jalonada de canciones que se han convertido en clásicos absolutos de nuestra historia, que reunió a parte de los mejores músicos de la Inglaterra de los 70 para crear juntos un estilo de rock elegante, personal, duro pero con clase, cuya influencia ha llegado con el tiempo a músicos de muy diferentes trayectorias y generaciones; desde los Dogs D' Amour, Quireboys, The Black Crowes o Guns N'Roses a Steve Jones, Glen Matlock y Paul Cook de los Sex Pistols, que afirman que cuando ni aún se imaginaban que revolucionarian el mundo del rock en 1977 el primer concierto al que acudieron fue el de los Faces en el Wembley Arena en 1972. Tengo todos sus discos, algun que otro pirata muy interesante y es de esas bandas, afortunadamente de esas pocas bandas favoritas mías de todos los tiempos que no he podido ver nunca en directo.

Podeis imaginaros por tanto la expectación que me ha producido conocer, a través de las últimas declaraciones de Rod Stewart en diferentes medios de comunicación la noticia de que es prácticamente seguro que Faces se reunirán, aunque solo sea para alguna aparición puntual en festivales o en algún concierto benéfico a lo largo de 2009. El rumor de la reunión de la mítica banda desecha oficialmente en 1975 periódicamente ha aparecido entre las noticias relacionadas con la prensa musical en los últimos años, pero solo ahora el propio Rod Stewart ha confirmado que ha habido ya conversaciones y negociaciones en serio para reunir a Faces.
La primera noticia en este sentido se filtró a los servidores de noticias en Internet al final del verano pasado, en los primeros días de septiembre, y ya se hablaba de una gira de entre 12 y 15 conciertos en Inglaterra, pero inmediatamente se echó marcha atrás; todo indica que los Rolling Stones iban a empezar ensayos regulares a partir de noviembre para empezar a grabar un nuevo disco de estudio en este mismo mes de diciembre y que por tanto Ronnie Wood se vería obligado a dedicarse full time al trabajo con los Stones. Se dice incluso -esto es solo un rumor- que el propio Mick Jagger telefoneó a Rod Stewart y le dijo que no volviera a sacar el tema en público, porque no quería que Woody estuviera pensando más en repasar el riff de "Cindy Incidentally" que en aprenderse las nuevas canciones del próximo disco.
En efecto, Stewart ha matizado que en principio, todo quedaría pendiente de encontrar un bajista adecuado que pudiera reemplazar al fallecido Ronnie Lane, y que solo en ese caso se organizaría un concierto, que sería algo limitado a una breve gira de festivales o algun shoow benéfico, y hasta se dijo que podrían hacer algún concierto solidario de navidad. La última noticia conocida en este sentido es que quien podría ser el candidato ideal para ser el bajista que sustituyera a Lane sería Glen Matlock de los Sex Pistols, rendido y reconocido fan de los Faces -me lo contó personalmente cuando tuve oportunidad de que estuviera conmigo en el stand de la revista Rock Hard en la Fira del disc de Reus de 2003- y cuya banda, The Philistines, teloneó a Ronnie Wood en 2001 en Londres a la banda de Ronnie Wood en solitario cuando éste presentó en directo su disco Not For Beginners, otro show que tuve la fortuna de ver y en el que Matlock demostró estar en un perfecto estado de forma.

Para quienes no conozcais mucho acerca de esta sensacional banda, os cuento brevemente su historia. Faces se forman en el otoño de 1969 a raíz de la marcha del guitarrista Steve Marriott de los Small Faces, una de las formaciones más famosas del pop-rock ingles de los 60 para formar junto al guitarrista de The Herd, Peter Frampton, uno de los grupos pioneros del Hard Rock británico con los Sabbath, Free, Zeppelin o Purple: Humble Pie.
Los restantes miembros de Small Faces, Ronnie Lane en el bajo, Ian McLagen en los teclados y Kenny Jones en la batería deciden continuar con el grupo y se ponen en contacto con Rod Stewart y Ron Wood, cantante y bajista respectivamente del Jeff Beck Group, banda que acababa de deshacerse, en tanto que Jeff Beck quería unirse a Carmine Appice y Tim Bogert de Vanilla Fudge para hacer un nuevo grupo y aunque contaba con Rod Stewart como cantante para este proyecto, Rod no quiso formar parte de él. Regresó a Londres con Woody y éste una tarde le telefoneó para decirle que había estado ensayando con los Small Faces, que le habían ofrecido ser su nuevo guitarrista y que le habían preguntado si él estaría interesado en unirse a los -todavía- Small Faces. El cantante aceptó la oferta y tras varias semanas de ensayos, entre diciembre de 1969 y enero de 1970 grabaron el primer álbum de Faces, que en las primeras tiradas de la primera edición de marzo de 1970 apareció por error con el nombre en la portada de Small Faces, a pesar de que el grupo había firmado con Warner un nuevo contrato en virtud del cual el nombre del grupo cambiaba, y pasaban a llamarse simplemente Faces. Posteriormente, cuando salió al mercado la segunda edición, en abril del 70, aparecía ya el nombre original, First Step.
Ese "primer paso", el mítico First Step es un sensacional disco hecho por un grupo ávido de experimentar, de implicarse en esa formidable eclosión de experimentación, progresión y evolución que el british blues esta viviendo y que le llevará a sentar las bases de Hard Rock y del Heavy Metal, al tiempo que no renuncia a dar una nueva forma musical mucho más personal a su cúmulo de influencias, y ello se plasma tanto en la rockerizada versión que graban del "Wicked Messenger" de Bob Dylan, como en la evidente presencia de las guitarras cálidas del rock de la costa oeste de "Devotion", o en la combinación de blues progresivo-hard rock de "Pineapple And The Monkey" y "Looking Out The Window". Este sensacional debut contó con la labor de Martin Birch como ingeniero de sonido, quien se haría mundialmente famoso años más tarde como productor entre otros de Deep Purple, Scorpions y Iron Maiden.
A partir de ahí, Faces llegaron a lo más alto. Giraron por todo el mundo, vendieron millones de copias de First Step y de su continuación Long Player, y al tiempo Rod Stewart comenzó a consolidar su carrera en solitario con álbumes como el fabuloso Gasoline Alley de 1970 y en especial, Every Picture Tells A Story, cuyo celebérrimo hit "Maggie May" pronto competiría a finales de 1971 en las listas inglesas y americanas con "Stay With Me", el gran clásico de los Faces incluído en otro album que merece una mención especial: A Nod Is As Good As A Wink...To A Blind Horse
Este sensacional disco, que llegó a lo más alto de los charts en la navidad de 1971 y que tuvo a los Faces girando por todo el mundo en el 72 contenía en sus microsurcos joyas musicales como el ya mencionado "Stay With Me", una sensacional pieza de primigenio Hard Rock con un tempo blues inspiradísimo -preguntad a Carlos Tarque de M-Clan, o recordad a aquellos M-Clan de comienzos de los 90 que hacían devastadoras versiones de este tema en sus primeros conciertos- la versión blues de "Memphis, Tenesse" de Chuck Berry o el Rock´n´Roll stoniano y bien recubierto de watios, "Too Bad". Impresionante igualmente la guitarra de Ronnie Wood, que parece en "That´s All You Need" un cruce entre Jimmy Page y Ry Cooder. Otro álbum maravilloso, imprescindible, que nadie debería dejar de escuchar si le gusta de verdad el buen rock.
El éxito de la carrera de Rod Stewart por un lado, las constantes desavenencias de Ronnie Lane con el resto del grupo, que culminaron con su marcha en 1973 y finalmente, la incorporación de Ron Wood a los Rolling Stones en 1975 como sustituto de Mick Taylor, provocaron la disolución del grupo en diciembre del 75. Con ellos desapareció toda una época del rock inglés, en gran medida entiendo que su época dorada, primera mitad de los 70, y nació la leyenda. Una leyenda que aunque nunca podrá ser recreada en su primera formación, en la más auténtica y genuina, -ello no es posible sin Ronnie Lane- si por lo menos puede volver con la mayor parte de los miembros originales y un sustituto de lujo como Glen Matlock, será uno de los mayores sucesos musicales del próximo año. Ojalá que sea posible.

Five guys walk into a bar...

NUEVO DISCO DE LOS BLACK CROWES PARA 2009

"Tenemos toneladas de nuevas canciones para meternos en el estudio. Bueno, esto no es ninguna novedad, Chris y yo estamos constantemente escribiendo, y ya tenemos ganas de empezar otro disco." Así de claro se ha expresado Rich Robinson acerca de los planes de esta singular banda para 2009, que en marzo de 2008 editaron su primer disco de material nuevo en siete años, Warpaint, a través de su sello Silver Arrow.
Estas declaraciones de los Robinson las recoge hoy la edición digital de la revista Billboard (www.billboard.com) y en ellas todo indica que el grupo esta en una nueva fase de entusiasmo, de ganas de trabajar, de recuperar esos años en los que estuvieron separados. "Todavía nos gusta mucho hacer esto. Tenemos la sensación de haber renacido, de haber redescubierto nuestra identidad como grupo, y queremos aprovechar este buen momento plasmándolo en nuestras canciones, y por supuesto, en un futuro gran disco."
Los Black Crowes terminan su actual gira con una serie de seis shows entre el 15 y el 20 de diciembre en el Fillmore de San Francisco, y aunque en Billboard se afirma que les han ofrecido nuevos tours, los han rechazado porque aseguran que la prioridad será en 2009 hacer un nuevo disco y probablemente, hacer algunos shows como Brothers Of A Feather, el dúo paralelo acústico que formaron en 2006 y con el que hicieron algunas actuaciones.

Los Black Crowes fueron uno de los fenómenos más interesantes y para mi gusto más estimulantes del Hard Rock cuando surgieron en la década de los 90. Ellos fueron un grupo clave en lo que se dió en llamar el Retro, un movimiento musical que muchos nuevos grupos tanto en Inglaterra como en Estados Unidos, mientras el grunge y el rock alternativo dominaban la escena, basaban su sonido en las raíces tanto del blues progresivo, como del Hard Rock más setentero, el folk y el southern rock. Esa combinación de influencias daba a sus canciones una personalidad singularísima, que abarcaba desde el Rock´n'Roll más clásico, más enraizado en los Stones o Aerosmith que había en temas como "Jealous Again" de su primer disco Shake Your Money Maker, al Hard Rock recubierto de esencia blues como en "Remedy".
De hecho, "Remedy" era uno de los mejores temas de un disco inmortal, intemporal, de lo más inspirado y excelente que se ha hecho en la historia del rock: The Southern Harmony & Musical Companion. Algo más de 50 minutos de calidad musical formidable, en la que se acoplan perfectamente el blues progresivo endurecido de finales de los 60, con guiños en la afinación de las guitarras incluído de "Black Moon Creepin´" y "My Morning Song", el aire cálido de "Thorn In My Pride", el sebtimiento blues de "Sometimes Salvation" o el rock´n´roll de "Hotel Illness", una canción que podrían haber grabado perfectamente los Faces. Les ví en directo en la gira mundial que hicieron para presentar ese disco en diciembre de 1992 en la sala Canciller de Madrid, y la fuerza de su directo, como eran capaces de comunicar, de transmitir, me apasionó. La sala estaba que no cabía un alfiler y a pesar de que era puro invierno y fuera se estaba cerca de los cero grados, el calor del blues y del rock nos hizo a los privilegiados que les vimos en ese mítico club del madrileño barrio de El Carmen vivir un concierto inolvidable.
Volví a verles muchas más veces, pero hay dos que recuerdo muy especialmente; la primera en el Festival de Glastonbury de junio de 1995, compartiendo cartel nada más y nada menos que con Page & Plant, y pocas semanas después, en el estadio de El Molinón de Xixón (¡puxa asturies! ¡puxa Sporting!) teloneando a los Rolling Stones. En aquel momento los Black Crowes estaban en su punto de mayor solidez como banda, y la madurez y la evolución que habían alcanzado en tan solo tres años era espectacular. Fueron conciertos en los que tocaron como si fuera una jam session, improvisando desarrollos instrumentales y medleys entre una canción y otra, al más puro estilo de los Led Zeppelin, Ten Years After o Grand Funk Railroad de comienzos de los 70 y en ambos casos, fueron shows pletóricos de éxito.
A finales de los 90 giraron con Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin haciendo un repertorio de magníficas piezas escogidas del cuarteto inglés, y regalándonos un doble cd que se ha convertido en otro clásico de clásicos: Jimmy Page & The Black Crowes Live At The Greek Theater, cuya escucha es un placer sin límites. Lions, su álbum de 2001, fue un disco en general incomprendido y poco apreciado sin embargo, a pesar de que es un álbum difícil, muestra al grupo capaz de desenvolverse en un terreno tan complejo musicalmente como es la psicodelia.

Por todo ello, cabe esperar con mucha expectación lo que los Cuervos vayan a hacer en el estudio los próximos meses. Warpaint, su disco de regreso, no ha estado mal para re-comenzar, y apunta muy buenos detalles, tales como "Oh Josephine" o "Whoa Mule", pero se ve que son ideas aún no suficientemente trabajadas, no suficientemente desarrolladas.
Con el entusiasmo que los hermanos Robinson dicen tener, el bagaje de la buena ración de carretera que se han dado este año y nuevas canciones más elaboradas por lo menos sobre el papel, es muy posible que lo nuevo de los Black Crowes en 2009 sea todo un impacto. La situación actual del rock lo necesita.

NO HABRA LED ZEPPELIN SIN ROBERT PLANT

Según informa el Robert Plant Newswire a día de hoy, finalmente no habrá reunión de Led Zeppelin en 2009, a pesar de todas las noticias contradictorias que ha habido en este sentido durante 2008. El cantante ha asegurado que esta totalmente inmerso en la preparación de un disco que tiene intención de empezar a grabar en el próximo mes de enero, junto a Alison Krauss y T Bone Burnett. En palabras textuales, "Si Jimmy, Jason y Jonesy quieren salir de gira, me parece estupendo, pero no serán Led Zeppelin, y estoy totalmente convencido de que no usarán ese nombre".
Muchos no salimos de nuestro asombro cuando John Paul Jones declaró a la BBC que si Robert Plant no quería unirse al grupo de nuevo, saldrían de gira sin él e incorporarían al grupo un nuevo cantante, llegándose a decir en determinados medios que Myles Kennedy, de Alter Bridge, sería el nuevo vocalista del grupo británico. Tal sinsentido destapó la caja de los truenos; Jack White, Sammy Hagar, Dave Grohl y Chris Cornell fueron señalados como posibles sustitutos para Robert Plant (!) y en el colmo de la especulación, se dió a entender que Steven Tyler de Aerosmith podría formar parte de los "nuevos" Led Zeppelin, máxime cuando el guitarra de los de Boston, Brad Whitford, declaró en una conocida emisora de radio norteamericana que Steven había estado ensayando con ellos, a pesar de que insistió en que fue solo una suerte de jam-sessión para divertirse, tocando viejos standards de blues y que no había nada serio detrás.
Finalmente, parece que todo ha vuelto a la normalidad. La agencia Q-Prime, que lleva el management personal de Jimmy Page ha hecho público un comunicado firmado por el propio Jimmy en el que afirma categóricamente que aun en el poco probable caso de que se organizara un grupo entre John Paul Jones, Jason Bonham y él con otro cantante, en ningún caso se llamaría Led Zeppelin. Textualmente, "Si Robert Plant no esta en el grupo con nosotros, no habrá Led Zeppelin."
Entiendo que era lo único razonable que cabía hacer por parte de Jimmy Page. En otros casos puede ser factible, pero cuando un grupo de rock marca una época, un estilo, una estética y una personalidad con la profundidad que Led Zeppelin lo hicieron, es impensable imaginar que bajo ese nombre pueda haber otro cantante que no sea Robert Plant, ni otro guitarrista que no sea Jimmy Page. Por supuesto, cualquier cosa que hagan por separado inevitablemente tendrá el sello zeppeliano y dejando al margen ese nombre, su capacidad, su calidad y su talento como músicos hace que sea muy deseable que Jimmy Page grabe un nuevo disco -aún recuerdo el sensacional Outrider de 1988- o salga de gira y podamos apreciar en directo su destreza y su inspiración como guitarrista.
Pero si lo hiciera pervirtiendo lo que Led Zeppelin significa, cometiendo el imperdonable error de manipular un nombre histórico como mero reclamo para una gira más o menos oportunista, creo que todos nos sentiríamos engañados. Ya comenté en un blog anterior acerca de ese nexo de unión entre Led Zeppelin, Jeff Beck y los Yardbirds, que en su día me costó entender la actitud de Robert Plant insistiendo en que Led Zeppelin no podían volver en ese momento, comienzos de los 80, poque la gente pretenderia ver lo que Led Zeppelin eran en 1970 o 1972, y que el pasado no puede volver.
Coincido al cien por cien. Deep Purple, los Deep Purple actuales, sin Jon Lord ni Richie Blackmore, son un excelente grupo de rock que hace conciertos buenísimos y en donde instrumentistas como Don Airey y Steve Morse brillan con luz propia, pero... para mi no son Deep Purple. Estoy seguro que muchos fans de la púrpura me entendéis perfectamente cuando escribo esto.
A modo de conclusión, lamento mucho que Robert Plant se niegue a volver al grupo, máxime cuando todas las crónicas del concierto del pasado diciembre de 2007 en el O2 Stadium de Londres unánimemente señalaron que habían demostrado estar en una forma excelente y que tenían aún ese aura mágica, misteriosa, única y que muchos nunca hemos vivido ni probablemente podremos llegar a vivir... pero lamentaría mucho más ver en el escenario a un sucedáneo descolorido de los Zep originales, y aplaudo la inteligencia de Jimmy Page al rechazar ese absurdo, amplificado y magnificado por cierta prensa musical especializada en vender rumores en lugar de noticias.

SERIE GRANDES DISCOS EN DIRECTO DE LOS 80: DEEP PURPLE

DEEP PURPLE
'Nobody´s Perfect' (junio 1988)

Desde que editasen 'Made In Japan' y éste álbum se convirtiera en la madre de todos los dobles álbumes en directo, las sucesivas formaciones que tuvo Deep Purple siempre se afanaron -sin conseguirlo- en editar discos en directo que pudieran como mínimo igualar la gloria y el arrollador éxito del disco japonés. Con la formación original que grabó en el 72 aquel disco reformada, Ian Gillan, Richie Blackmore, Jon Lord, Roger Glover e Ian Paice, en el tour mundial que llevaron a cabo para presentar en 1987 el 'The House Of The Blue Light', los conciertos de Verona, Italy, del 22 de agosto de 1987, Oslo, Noruega el 23 de mayo de 1987 y del 26 de febrero de 1988 en Hook End Manor en Inglaterra, integraron el material para un doble directo correcto, válido, propio de un grupo de primera categoría como Deep Purple, pero... ni de lejos llegaba a 'Made In Japan'.
Parte del fracaso de la intentona residió en la producción del disco. Roger Glover, quien por otra parte se había distinguido como un productor de primera categoría con otras muchas bandas (Nazareth, Status Quo) con este directo no hizo ni mucho menos una de su mejores obras como productor. El disco, por la forma en la que se dividieron los cortes, con unos fade-out muy prolongados, fue en muchos aspectos un álbum muy frío, en el que faltaba la sensación de escuchar un concierto completo, como sucedía por ejemplo en el mismo 'Made In Japan'. Ahora bien, dentro de la abundante discografía en directo que Deep Purple y sus derivados editaron a lo largo de los 70 y 80, 'Nobody´s Perfect es muy probablemente uno de los trabajos más sobresalientes, por cuanto ofrece a unos Deep Purple es un magnífico estado de forma, haciendo conciertos muy superiores en cuanto a compenetración, calidad y fuerza a los que habían hecho en 1985 en la gira de 'Perfect Strangers', y de de nuevo, como parecía ser el sino de los grandes álbumes en directo, marcó en gran medida el fin de esa formación, repetición del mítico 'Mark II' de los años 70. La siempre tormentosa y difícil relación personal entre Ian Gillan Gillan y Richie Blackmore, amén de sus puntos de vista diametralmente opuestos sobre el estilo musical que Deep Purple debían seguir se saldó con la marcha de Gillan a las pocas semanas de editarse este álbym, aunque regresaría a la banda en 1992 para la gira de 25 Aniversario de Deep Purple y la grabación de 'The Battle Rages On'.
En cualquier caso, las versiones de "Perfect Strangers", "Space Truckin'" o "Highway Star" de 'Nobody´s Perfect' merecen estar entre las grabaciones de mayor éxito de Dee Purple en sus años de "come back" de los 80.

SERIE GRANDES DISCOS EN DIRECTO: SCORPIONS

SCORPIONS 'World Wide Live' (junio 1985)

En 1984, Scorpions habían logrado llegar a la cima del éxito internacional merced a las multimillonarias ventas de su disco de estudio 'Love At First Sting', en el cual temas como "Bad Boy Running Wild", "Big City Nights", "Rock You Like A Hurricane" y la balada "Still Lovin You" habían encumbrado a Scorpions como un auténtico suceso mundial, siendo el único grupo de Heavy Metal al que en ese momento la MTV apoyaba a tope programando constantemente sus videos. La gira que el grupo llevó a cabo recorriendo todo el planeta durante 14 meses entre 1984 y 1985 les permitió hacer conciertos espectaculares, y el disco en directo resultante, una auténtica obra maestra. Excelente producción, el grupo en un momento de forma único, un repertorio muy bien elegido en el que además de los temas de mayor éxito de su último disco se hacían guiños al pasado con "Another Piece Of Meat" y "Coast To Coast" entre otras y el empaque propio de una gran banda, de un grupo que a mediados de los 80 tenía junto a Iron Maiden, Judas Priest o AC/DC el mismo poder de convocatoria que Deep Purple o Black Sabbath en los 70.
'World Wide Live' llegó al número 6 de la lista de álbumes de la revista Billboard, y se mantuvo en el Top-20 durante 27 semanas, llegando a ser el segundo disco más vendido de toda la historia del grupo tras 'Love At First Sting'. El grupo, que acabó literalmente exhausto tras la larguísima gira y la promoción posterior del disco en directo, no volvió a los escenarios hasta 1988 con 'Savage Amusement', y su siguiente directo, 'Live Bites', editado ya en 1995, ni de lejos llegó a las cifras de ventas ni al eco que consiguieron con su épico doble álbum en directo de los 80.

SERIE GRANDES DISCOS EN DIRECTO: YNGWIE MALMSTEEN

YNGWIE MALMSTEEN 'Trail By Fire - Live In Leningrad' (octubre 1989)
El guitarrista sueco afincado en Estados Unidos Yngwie Malmsteen, conocido hasta mediados de los 80 por su trabajo en grupos como Steeler o los Alcatrazz del ex - Rainbow y MSG Graham Bonnet, se dió a conocer en 1984 con un álbum que revolucionó por completo el mundo de la guitarra en el rock y en el Heavy Metal por lo que tenía de innovador en lo técnico, por el extraordinario virtuosismo de su protagonista, por su avanzado carácter experimental, y por su acierto al fusionar la música clásica con el Heavy Metal.
Ese álbum con el que debutó Yngwie Malmsteen en solitario era 'Rising Force'. Cinco años más tarde, y tras haberse consolidado como uno de los mejores guitarristas -sinó el mejor- del mundo del Heavy Metal, sobre todo en cuanto a habilidad técnica y virtuosismo, había logrado tener en su banda cantantes de la categoría de Jeff Scott Soto o Mark Boals y en aquel momento, el ex - Rainbow Joe Lynn Turner, se presentó en directo en la primavera de 1989 en la Unión Soviética, país que por primera vez empezaba a acoger conciertos de rock de grupos occidentales tras muchos años de reservas y desconfianzas hacia la música que venía de fuera de las fronteras del pacto de Varsovia, y que dentro de los seis shows que Yngwie hizo en la URSS, el celebrado en Leningrado fué el más brillante, y se grabó en su integridad para editarse en forma de disco en vivo.
El entusiasmo de un público entregado a tope y lleno de ilusión por poder ver en directo a artistas que anteriormente tenían casi imposible poder tocar para el público soviético, unido a la excepcional maestría que Yngwie demostró aquella noche con toda su banda en una incomparable suerte de potencia, sensibilidad y magia, hicieron de este disco una verdaderaobra maestra. Marcó el momento de popularidad más alto de Yngwie Malmsteen en toda su carrera -en los 90 su estilo empezó a perder popularidad en favor de nuevas tendencias, en las cuales el virtuosismo técnico no era especialmente valorado en ningún sentido- dejó de tener músicos de primera línea en su banda e incluso él mismo, como compositor y como guitarrista perdió mucho gancho, empezando a repetirse mecánicamente en sus posteriores álbumes de estudio y viendose ampliamente sobrepasado por Vinnie Moore, Joe Satriani o Steve Vai. Como en otros muchos casos, 'Trial By Fire' fue su gran momento de gloria, su momento cúlmen en la historia del Heavy Metal de los años 80. Mención especialísima dentro de este disco, la sublime interpretación de "Heaven Tonight". Una canción única en cuanto a melodía, sensibilidad y calidad, que en esta versión en vivo cobró una nueva dimensión sensacional, elevándola a la categoría de leyenda.

MSG SHENKER - BARDEN EN VIVO EN MADRID

Imagináos la siguiente escena: Madrid, comienzos de la década de los 80. No existe la MTV -al menos en España- no existe You Tube, ni Internet, solo el "Popu", como llamábamos familiarmente a la unica revista de rock que existia en el estado español en 1981-82, Popular 1, y sintonizándose con harto esfuerzo con aquellos aparatos de radio cuya banda de FM era un secreto reservado solo a los ingenieros de telecomunicaciones situar correctamente para escucharla con una mínima calidad, los programas de El Buho Musical, Disco Cross o la Emisión Pirata. Y aun en medio de ese desoldor panorama, el boca a boca, los colegas de la legendaria discoteca Osiris en Argüelles, los troncos de la discoteca Argentina de San Blas o la peña del Rastro con la que te juntabas para intercambiar cintas los domingos por la mañana, te van prestando tal o cual o disco, te graban tal cinta, les grabas tu a ellos otra... y así, poco a poco, ese maravilloso mundo musical que era la explosión Heavy Metal de los primeros años 80, es algo que conoces de primera mano, que vives, que sientes, y que te flipa.
Después de pasarte todo el verano del 82 flipando con los Stones por un lado, con Miguel Ríos por otro y tras ver como Italia le ganaba a Alemania la final del campeonato del mundo de fútbol , aquellos históricos vinilos de Baron Rojo, Iron Maiden, Judas Priest, Motorhead, Scorpions... fueron el fluído vital de toda mi generación. Y dentro de ellos, no faltaba un célebre disco en directo del que ya hemos hablado en este blog, 'One Night At Budokan', del Michael Schenker Group. ("...Hello, Tokyo...!)
Un año más tarde, el mitico guitarrista aleman pisaba por primera vez escenarios españoles con su grupo, teloneando a Iron Maiden en unos históricos conciertos en los que presentaban el 'Built To Destroy'. Esa banda, esa imagen, se disgregó y terminó por desaparecer. Por tal motivo, os reconozco que dirigí mis pasos el pasado 30 de octubre a la Sala Macumba para ver este concierto, fundamentalmente por nostalgia. Aparte de por ver la cara de flipe de mi amigo Eduardo Marugán, "El Cuervo", el mayo fan de Schenker que conozco, cosa que finalmente no vi.
Pero nostalgias aparte, el MSG Schenker - Barden dió un concierto en Macumba verdaderamente excepcional. La banda, que cuenta además con el experimentado Chris Slade en la batería -AC/DC, The Firm, Bad Company, etc.- y que ha recuperado a Chris Glen como bajista, es un grupazo que sabe estar al nivel del maestro Schenker, y que supo darnos una noche sensacional, un concierto intenso, potente y entrañable, en el que no faltó el recuerdo a temas ya convertidos en himnos de toda una generación -"Cry For The Nations", "Ready To Rock", impagable el siempre fabuloso "Rock My Nights Away", el imprescindible "Doctor, Doctor" de UFO,- y versiones competentes, creíbles y muy buenas de los temas que han grabado -"Competition", por ejemplo- en su último trabajo de estudio. Sonaron bien, gustaron, a mi juicio convencieron, y por tal motivo, en modo alguno quería dejar de compartir esta sensación con todos vosotros.
No sé cuanto durará esta formación, pero sinceramente, creo que sería muy bueno que se mantuviera unida. Funcionan, dan buenos conciertos, y exhiben un potencial fabuloso. ¡Cruzo los dedos!

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE Y DOCUMENTAL MUSICAL DE BARCELONA: UNA MAGNIFICA INICIATIVA

Este pasado fin de semana tuve oportunidad de acudir en Barcelona a varias sesiones del In-Edit Beefeater Festival, un excelente certámen cinematográfico centrado en un género que tanto por su contribución en tiempos pasados, muy anteriores a You Tube, la MTV y los video clips a la divulgación de la música -desde los concert films como 'Woodstock', 'The Song Remains The Same' de Led Zeppelin, 'Pink Floyd en Pompeya' o 'Ladies And Gentlemen.. The Rolling Stones!' a las operas rock como 'Tommy' de los Who o 'Jesuschrist Superstar'- como por su propio valor como género cinematográfico, es de mis favoritos, el documental musical, más específicamente el centrado en el mundo del rock.
Por tal motivo no perdí ocasión, aunque solo fuera en tres días, de ver gran parte del programa de este excelente festival que de entrada recomiendo ya a todos los que podais no dejéis de ver, pues ofrece una posibilidad única de ver películas que ni estan comercialmente disponibles en DVD ni es factible que se puedan ver en televisión, y que tocan una amplísima variedad de estilos musicales, aunque el rock sea el estilo que tiene una presencia mayoritaria. Junto a piezas como las 4 horas de Rockumentary en estado puro de Tom Petty, la visión del rap de los grupos de los suburbios catalanes de 'Estrellas del Extrarradi" o la excelente historia del jazz contemporáneo narrada en 'Play Your Own Thing: A Story Of Jazz in Europe', convive el formidable retrato de una de las plumas más lúcidas y ácidas del periodismo rock, Hunter S.Thompson en 'Gonzo', el sabor cálido de la samba y la bossanova brasileña en 'Recherché D'Orfeu' o el siempre evocador y pasional tango argentino de 'Café de los Maestros'.
Podeis consultar la programación completa del festival, que se celebra hasta el próximo domingo 2 de noviembre en la página web del festival, www.in-edit.beefeater.es, proyectándose las películas en los cines Club Coliseum y Aribau Club, ambos muy cercanos a la zona de la Plaza Universidad-Plaza de Catalunya.
Acerca de los que pude ver, me quedo especialmente por un lado con 'A Technicolour Dream', un documental logradísimo acerca de la explosión de la psicodelia y del underground a través de los elementos más característicos de aquel fenómeno, desde la edición de la revista The International Times a la apertura del club UFO, pasando por los conciertos de Pink Floyd y The Pretty Things, la Free School, el recital poético de Allen Ginsberg, Lawrence Ferlinghetti y los más relevantes escritores de la Beat Generation en el Royal Albert Hall y su culminación con el Happening 14th Hour Technicolor Dream de 1967. Construida a base de abundantes documentos de la época y de los valiosos -y en más de un caso significativos y hasta cínicos testimonios de los propios Pink Floyd, Kevin Ayers o el legendario fotógrafo Hoppy- es un documentadísimo y a mi juicio, buenísimo trabajo sobre un momento, un escenario y un movimiento muy concretos en la historia de la cultura -o contracultura si se quiere- contemporanea y de infliuencia determinante en la historia del rock, aunque visto desde una perspectiva muy lejana en el tiempo -el documental ha sido realizado este mismo año, 2008- y quizá por ello no exenta de un mensaje que tiende a subvalorar el siginificado real de lo que supuso la explosión del underground, que tiende a restarle importancia y a presentarlo quizá como algo más superficial de lo que realmente fue.
Me gustó aún más, en gran medida porque es una película hecha en ese momento concreto, 1967, y refleja el rock y su significado social, generacional y cultural tal y como se vivió en aquellos años de su eclosión 'Tonite Let´s All Make Love In London' de Peter Whitehead, película en la que puedes ver a los Rolling Stones en vivo en 1966 el Royal Albert Hall acosados por un ejército de fans enloquecidas e incontenibles que paralizan la actuación, a actores como Michael Caine o Lee Marvin opinando sobre el furor que causaba entre las jóvenes británicas la minifalda, a Vanessa Redgrave cantando en un casi perfecto castellano el "Guantanamera" en un acto de apoyo a la revolución cubana, a Eric Burdon en el estudio grabando "When I Was Young" o a Pink Floyd tocando un fragmento de "Interstellar Overdsrive" bajo uno de sus clásicos Light shows en el UFO.
Especial protagonismo acapara este año la figura de Albert Maysles, director de culto invitado en persona a dar una master-classs el viernes 31 de octubre en el Palau de la Virreina y de cuya producción se proyectan entre otras 'What´s Happening? The Beatles in the USA' una mirada inédita, cámara al hombro, sobre aquella mítica primera aparición de los de Liverpool en América y que marcó el comienzo de lo que se dió en llamar la British Invasion. Impagables las escenas en el viaje en tren de Nueva York a Washington, y muy significativa la actitud que muestra cada uno de ellos, en especial John Lennon, quien no oculta con su actitud su posición escéptica acerca de todo lo que esta pasando a su alrededor, y la archiconocida 'Gimmie Shelter' acerca del trágico concierto de los Rolling Stones en Altamont en 1969, que visto hoy, sigue siendo un reportaje cinematográfico-periodístico de una calidad extraordinaria sin perjuicio de que contenga algunos fragmentos que son sencillamente, pura emoción hecha imágenes y recubierta de música, como las imágenes en directo a cámara lenta del grupo en directo mientras suena su versión de "Love In Vain".
En definitiva, un acontecimiento cultural de primerísimo orden, -el pasado viernes, la sección de "Culturas" del diario Público le dedicaba una doble página con amplia información- que de nuevo recomiendo a todo aquel que esté durante esta semana por Barcelona que intente ver y ante el cual, además de expresar mi felicitación a los organizadores, hago votos para que esta misma iniciativa u otra similar pueda llevarse a cabo en más ciudades. ¡Ah! y muy buenos los cócteles de ginebra -Beefeater, naturalmente- a los que se invita a los asistentes al acabar cada sesión.

SERIE GRANDES DISCOS EN DIRECTO: JUDAS PRIEST

JUDAS PRIEST 'Priest...Live!' (mayo 1987)
A las alturas de 1987, quedaba ya lejos el brillo del 'Unleashed In The East' de 1979 para una banda que seguía siendo líder del Heavy Metal pero que había visto como los discos en directo de Iron Maiden y Scorpions se habían convertido en clásicos a mediados de la década, mientras ellos eran duramente criticados por el giro vanguardista y arriesgado de su álbum 'Turbo' de 1986. Puede ser que en parte para contrarrestar el efecto de las críticas negativas sobre el cambio de rumbo musical que el grupo había tomado, decidieron editar un disco en directo grabado precisamente en la gira de 'Turbo' en el cual desde la producción orientaron el sonido del grupo a mostrar a esos Judas Priest netamente más Heavymetaleros que la mayor parte el público demandaba ante las veleidades "tecno" de 'Turbo'.
La jugada salió bien. A pesar de que no eran pocos los escépticos acerca del potencial de Judas Priest en sus giras de la época Turbo, este doble disco disipó todas esas dudas. Los Judas Priest guitarreros, heavies, potentes, cañeros, los Judas Priest que toda la gente del rock ansiaba escuchar en un disco en directo diez años después y que llevaba viendo en sucesivas giras en los 80, por fin aparecían en disco con la grandeza que nunca habían dejado de tener y que se esperaba de ellos.
Puede decirse incluso que el el repertorio para el disco se eligió pensando en el fan de toda la vida, en aquel que además de criticar 'Turbo' se lo había comprado, y en aquel que durante años, no había dejado de acudir a cada una de las giras, a cada uno de los conciertos...
Y 'Priest...Live!' daba a esos fans lo que pedían. Los cinco caballeros armados del Heavy Metal en este trabajo lo daban todo, se dejaban literalmente la piel en temas como "Rock You All Around The World", "Electric Eye", "The Sentinel", "Private Property", "Parental Guidance", el demoledor y speedico "Freewheel Burnng" o "You´ve Got Another Thing Coming", muchos de los grandes clásicos, de los temas históricos que habian hecho de Judas Priest una formación de leyenda, y que al no haberse editado con anterioridad en disco, no habían formado parte de 'Unleashed In The East'. Hasta la versión en directo grabada en este disco de "Turbo Lover", aun con los teclados y los arreglos que se le habían hecho desde la grabacion original, resultaba mucho más potente y vibrante que la fría y cibernética de estudio.
Producido por el "sexto miembro" de Judas Priest, Tom Allom, quizá, aún dentro de su grandeza y su carácter de doble álbum legendario, lo hubiera sido más aún si se hubiera editado al tiempo que se editó 'World Wide Live' o 'Live After Death', pero no por ello deja de se ser fabuloso, grandioso y único. Favorito de todos los fans de Judas Priest, y de pleno derecho, uno de los grandes dobles en vivo de verdad de la década de los 80.

SERIE GRANDES DISCOS EN DIRECTO: OZZY OSBOURNE

OZZY OSBOURNE 'Tribute' (marzo 1987)
En honor a la verdad, 'Tribute' no es en modo alguno uno de los mejores discos en directo de los años 80. En realidad, su producción y su calidad de sonido dejan bastante que desear,-es muy superior en ese sentido el 'Speak Of The Devil'- aunque sin dejar de ser un aceptable directo, su valor más destacable reside, si se quiere considerar así, sobre todo en lo sentimental. 'Tribute', como la misma palabra indica, es un tributo a Randy Rhoads, el ex guitarrista de Quiet Riot que se unió a la banda de Ozzy a comienzos de los 80, y que encontró la muerte de manera tan trágica como fortuita cuando el 19 de marzo de 1982, cuando el grupo viajaba en su autobús de gira de una ciudad a otra, una avioneta con un problema mecánico en su caída colisionó con ese bus tour, provocando la muerte del guitarrista. Un músico joven, cuyo futuro en el rock era era sumamente prometedor, que empezaba a conocer, aunque fuera muy primigeniamente, lo que eran las mieles del éxito dentro de una banda que en América comenzaba a ser un hito en todos los aspectos, perdía la vida siendo ya un mito, uno de los grandes nombres de la guitarra rock en el ámbito del Heavy Metal, que tan solo había dado un porcentaje relativamente muy pequeño de todo su potencial.
La muerte de Randy le elevó casi de inmediato a la categoría de mito, de nombre sagrado en la historia del Heavy Metal, y ante las permanentes muestras de cariño, admiración y recuerdo que Ozzy recibía por parte de sus fans referidas a la figura de Randy Rhoads, a finales de 1986, al terminar la gira de 'The Ultimate Sin', promovió con Sony Music la edición de un disco en directo montado a partir de las cintas de la infinidad de conciertos grabados en las giras con Randy Rhoads -muchos de ellos de ínfima calidad, aunque posteriormente arreglados con relativa fortuna en estudio- a modo de homenaje al gran guitarrista. 'Tribute' fue en marzo de 1987, el resultado de esa iniciativa, especialmente acertada y brillante por la inclusión del fantástico solo de guitarra de Randy en el "Suicide Solution", una demostración de virtuosismo y calidad como guitarrista realmente formidables, aun cuando la calidad de sonido del disco no le hiciera suficiente justicia.
Además de la fuerza, potencia y personalidad propia con las que Randy atacó en este disco las versiones que Ozzy había montado de clásicos de Black Sabbath tales como "Iron Man", "Paranoid" o "Children Of The Grave", tanto en "Crazy Train", como en "Flying High Again" o la balada "Goodbye To Romance", aun dentro de unos standards de sonido manifiestamente mejorables -y que de seguro, en la actualidad habían sido remasterizados de suerte que su mejoramiento habría resultado evidente- no dejan de conseguir el objetivo perseguido: lograr presentar lo mejor de un giuitarrista fabuloso, sensible y fiero, rockero y clásico, que por desgracia fue elevado a la categoría de mito más por su temprana muerte que por ese potencial como gran guitarrista que, quiero insistir en ello, solo llegó a desarrollarse en parte.
A destacar como detalle emotivo y musicalmente interesante, el tema que cierra este disco, tal cual es "Dee", la única cancion de este trabajo no grabada en directo sino en estudio, que Randy dedicó a su madre Delores, y que originalmente se incluyó en el disco debut de Ozzy Osbourne de 1980, 'Blizzard of Ozz'.
Cuando se escucha con la perspectiva del tiempo, se evidencian carencias más que considerables, y se echa de menos los trabajos de ingeniería de sonido actuales capaces de dotar de un colorido, de una cristalinidad, de una calidad inmensas a unas cintas poco trabajadas, pero aún así... sigue siendo emocionante escuchar a Randy Rhoads, apreciar su talento, y soñar hasta donde habría podido llegar de no haberse cruzado de manera tan trágica esa avioneta en sus sueños. Y pienso igualmente que es de justicia reconocer a Ozzy Osbourne que hiciera ese disco en beneficio de la familia de Randy, a la cual se destinó el 50% de las ventas de ese doble álbum.

SERIE GRANDES DISCOS EN DIRECTO: IRON MAIDEN

IRON MAIDEN 'Live After Death' (octubre 1985)
Otro gran disco característico del rock duro de los 80 que hasta que no se editó el monumental directo de Rio de Janeiro en 2001, definitivamente ha quedado para público y crítica como su mejor y más celebrado álbum en directo en dura pugna quizá con 'Live At Donington 1992'.
'Live After Death' se grabó en los conciertos del Hammersmith Odeon de Londres y del Long Beach Arena de Miami, en Florida del World Slavery Tour 1984-85, la gira más larga y más ambiciosa que habían hecho hasta aquel momento, de un año completo de duración y que por primera vez y todavía mucho antes de la "perestroika" recorrió países como Polonia, Hungría y Yugoslavia, grabándose incluso un documental en video sobre estos conciertos que se editó con el nombre de 'Iron Maiden Behind The Iron Curtain'. Aunque después superarían con mucho la espectacularidad de estos conciertos sobre todo en la gira del 'Seventh Son Of A Seventh' Son, en el disco se refleja como en 1984 la doncella estaba en lo más alto, era la encarnación viva del espíritu Heavy, y como todo el planeta estaba literalmente postrado ante ellos. Baste escuchar las versiones de temas como "Aces High", "Revelations", "The Number Of The Beast" o "Running Free" para darse cuenta de la descomunal fuerza, de la potencia sin límites, del gran monstruo del Heavy Metal que eran en ese momento Iron Maiden. Igualmente, en los videos editados paralelamente a este disco en directo, esa visión personalísima e impactante del interior de una pirámide egipcia que recreaba el escenario de cada uno de los conciertos era otra de las innovaciones más vanguardistas que un grupo de rock había hecho hasta la fecha.
El disco tanto en su versión de vinilo como en las sucesivas reediciones en compact disc venía lujosamente presentado, con un magnífico y completísimo álbum de fotos, una amplia relación de todo el equipamiento técnico y humano de la gira, incluyendo el schedule diario de trabajo de todos los roadies que viajaban con Iron Maiden, el personal de gira, la lista completa de todos los conciertos, todos los detalles, desde el menu de los desayunos al resultado de los partidos de futbol ... todo un documento acerca de la majestuosidad y la grandeza de una banda que ya no emulaba, sino que se puede decir que superaba ampliamente a quienes habían sido sus maestros en la década anterior en el entorno del Heavy Metal.
Una de las mejores obras en directo de Iron Maiden, e indiscutiblemente, una de las piedras angulares de su éxito en la década de los 80.

SERIE GRANDES DISCOS EN DIRECTO: SAXON

SAXON The Eagle Has Landed - Live! (mayo 1982)

Junto al propio 'No Sleep´til Hammersmith' es probablemente el disco en directo más característico de la New Wave Of British Heavy Metal y el que ha marcado más decisivamente, para bien o para mal, la carrera de Saxón: desde "Motorcycle Man" a "Machine Gun", pasando por "Wheels Of Steel", "Princess Of The Night" o "Strong Arm Of The Law", los diez temas que conformaron este disco se convirtieron en los clásicos más afamados de la historia de Saxon, que gira tras gira, siguen siendo el puntal de todas sus actuaciones en directo.
Entre octubre y noviembre de 1981 Saxon llevaron a cabo una larga gira por todo el Reino Unido y Europa para presentar su álbum 'Denim And Leather', en la cual movilizaron un completo equipo móvil de grabación y el material de los conciertos grabados de esta gira en Francia, Alemania e Inglaterra fue el que integró finalmente el disco. En el momento cúlmen de la New Wave Of British Heavy Metal, con unos Saxon rebosantes de fuerza y ante unas audiencias fabulosas, el grupo cuajó unas actuaciones extraordinarias, plasmadas a la perfección en un disco único, de largo el mejor que han editado Saxon en toda su carrera, a pesar de que se hayan puesto a la venta otros dos directos con ese mismo nombre.
Aunque no fue un impacto tan fuerte como el de Motorhead con 'No Sleep´til Hammersmith', sí obtuvo unas ventas más que considerables, sobre todo en Europa y por primera vez en Estados Unidos, donde Saxon también giraron en diciembre de 1981.
En lo relativo a la producción, 'The Eagle Has Landed' es un álbum que tiene la virtud principal que debe tener un disco en directo, en especial si hablamos de Heavy Metal: es crudo, denso, con guitarras muy en primer plano, duras, fuertes, y tiene una gran calidad de sonido sin estar sobreproducido. Un disco en directo, en todos los aspectos, sobresaliente.

SERIE GRANDES DISCOS EN DIRECTO: MOTORHEAD

MOTORHEAD 'No Sleep´til Hammersmith' (diciembre 1981)

Durante muchos años, hasta la eclosión a finales de los 80 del Thrash Metal y de los géneros más extremos en los 90, este magnífico pedazo de pura adrenalina amplificada hasta el infinito otorgó a Motorhead la vitola de grupo más salvaje del Heavy Metal. Cuando se escucha en la actualidad, incluso en la versión de vinilo, sigue siendo electricidad pura, sigue exhalando watios, energía, agresividad sin límites. Una formación básica de guitarra, bajo y batería demoledora.
En marzo de 1981, con el álbum 'Ace Of Spades' en nº4 de todas las listas de rock y el maxi-single 'The St. Valentine Day Massacre' causando sensación en toda la escena Heavymetalera, el trío se lanzó a una espectacular gira por el Reino Unido en la cual se grabaron varios conciertos con la idea de tener material para editar un disco en directo aprovechando el gran momento de popularidad de Motörhead, hasta entonces un grupo que solo había hecho hasta ese momento una gira como cabezas de cartel desde su formación en 1975.
Las actuaciones del 28 de marzo en Leeds, las de Newcastle del 29 y el 30 de marzo y "Iron Horse", que se rescató de las cintas de un concierto en Londres en febrero de 1980 compusieron el disco, que finalmente se editó como álbum simple por problemas de presupuesto de Bronze, la compañía que lo editó, la cual dudaba de que un disco doble de un grupo tan anti-comercial como Motörhead pudiera ser un éxito de ventas. Los ejecutivos de Bronze apenas podían dar crédito a los charts británicos de diciembre de 1981, cuando 'No Sleep´til Hammersmith' estaba el nº1 de la lista de revistas como Sounds o Kerrang! y era disco de oro en Inglaterra a las dos semanas de ponerse a la venta.
"No Class", "Capricorn", "Overkill", "Ace Of Spades" el apoteósico final con "Motörhead", todos los temas de este discazo eran auténticas bombas. Sonido crudo, distorsionado, que reflejaba la atmósfera cargada de todos aquellos teatros, cines y salas de la Inglaterra de 1981 en los que la poderosa máquina de hacer Metal de Motorhead descargaba su atronadora catarata de agresividad. Otro de los álbumes que marcó la historia del grupo caracterizando esta formación como la formación mítica de la banda en los 80 -Lemmy en el bajo y la voz, Philty Animal Taylor en la batería y Eddie Fast Clarke en la guitarra- que fué el único numero 1 en listas que consiguió Motorhead en su historia y que
a pesar de que la banda ha editado con posterioridad diferentes discos en directo, en ningún caso han logrado el éxito, el reconocimiento de los fans y el recuerdo que se tiene de 'No Sleep´til Hammersmith' ni siquiera cuando este álbum se reeditó en Cd en 2001 como disco doble en formato especial 20 Aniversario.

MEXICO 1968, LA MASACRE DE TLATELOLCO: 40 AÑOS DE SILENCIO Y VERGÜENZA

La pasada semana se cumplieron 40 años de uno de los hechos más horribles que se han producido en la historia contemporánea de América Latina: La matanza de la Plaza de las Tres Culturas del barrio de Tlatelolco en México DF perpetrada por el ejército mexicano y un batallón policial especial en la tarde-noche del 2 de octubre de 1968. Un auténtico crimen de estado cuyos culpables conocidos siguen viviendo en una vergonzosa impunidad.
Durante aquel año de 1968 en el país azteca se vivía un momento de efervescencia social y política como no se había conocido en México en décadas, cuya manifestación más destacada fue el movimiento estudiantil, que se extendió en las escuelas y universidades con una enorme fuerza y un grado de organización y movilización inmensos. Los estudiantes mexicanos exigían mayor representación en los organos de gobierno, participación en las comisiones de planes de estudios, autonomía universitaria y libertad para los estudiantes detenidos en julio de 1968 en las primeras manifestaciones, todo ello en un tono muy crítico con el sistema de gobierno del país y reclamando más libertades cívicas y políticas. Profesores, catedráticos e incluso el rector de la UNAM se piusieron de lado de los estudiantes, quienes empezaron a organizar sus primeras asambleas y reuniones masivas durante la primavera y el verano del 68 en la Plaza de la Tres Culturas, un lugar muy popular en aquellos años donde los fines de semana se reunían los hippies y los rockeros mexicanos, se celebraban mercadillos de intercambio de discos, libros, posters e incluso se organizaron algunos conciettos de rock.
Los estudiantes, al calor de la consigna de "¡Unete, pueblo!" lograron la adhesión de los sindicatos obreros, de muchísimos militantes de todos los sectores de la izquierda -comunistas en especial- descontentos con la poca energía con la que ejercían la oposición al P.R.I. y ya el 26 de agosto del 68 llegaron a convocar una gigantesca marcha de miles de manifestantes protestando contra la política del gobierno en la plaza del Zócalo, frente al edifico de la Presidencia, que tuvo que ser disuelta por unidades del ejército. Pero en los siguientes días, en todas las Universidades nuevas convoctorias de huelga, asambleas y movilizaciones puso al gobierno de Diaz Ordaz contra las cuerdas.
El gobierno, en plena crisis, inició la consabida campaña de intoxicación diciendo que los líderes estudiantiles eran "agentes del comunismo internacional" -lo mismo que decían los Franco, Pinochet, Videla, etc. contra cualquiera que se les opusiera- y con la excusa de "garantizar la normalidad ciudadana" ante la celebración de los Juegos Olímpicos, que se inaugurarían unas semanas después, inició una escalada represiva que culminó con la tragedia del 2 de octubre.
Para ese día el Comité de Huelga y todas las organizaciones que lo apoyaban convocaron sobre las cinco de la tarde una concentración en el lugar habitual, la Plaza de las Tres Culturas, en la cual hablarían los líderes del movimiento estudiantil en un mítin. Se calcula que alrededor de 8.000 personas se congregaron allí.
El mítin se produjo sin incidentes, pero a los pocos minutos de terminar las intervenciones de los oradores, sobre las 6 de la tarde un helicóptero que sobrevolaba la plaza disparó una bengala que fue la señal de inicio de la masacre. A partir de ese momento, unidades del ejército fuertemente armadas entraron en la Plaza, y al tiempo que los francotiradores del llamado Batallón Olimpia de la policia comenzaban a disparar sobre la multitud desde los pisos más altos de un edificio contiguo, las ráfagas de metralleta de los soldados empezaron a hacer víctimas indiscriminadamente entre los manifestantes.
En cuestión de minutos, cientos de personas, no solo estudiantes, sino amas de casa e incluso niños intenaron huir de aquel baño de sangre desatado por las armas del ejército y la policia. Pánico, confusión, horror... después de la matanza, el ejército detuvo a cientos de estudiantes a los que sometió a incomunicación y torturas, y el gobierno impuso la censura oficial sobre los hechos. En la Plaza de las Tres Culturas habia cientos de heridos y una cifra de más de 60 muertos que nunca se llegó a confirmar ni a reconocer oficialmente, pero aquella noche ni la radio ni la televisión dió noticias sobre lo ocurrido. Se cortó la luz y el teléfono en los bloques de viviendas cercanas a la plaza durante la noche para incomunicar a los posibles testigos y algunos vecinos afirman que vieron como los soldados llegaron a sacar los cadáveres de la plaza en camiones de basura.
Aquella tragedia es uno de los episodios más negros de la historia de México y lo seguirá siendo mientras quienes ordenaron aquella matanza no comparezcan ante un tribunal. El último responsable, el presidente Díaz Ordás murió en 1970, pero el ministro del interior en 1968, Luis Echeverría, que después fue presidente del pais entre 1970 y 1976 ha sido acusado como autor intelectual y organizador de los crímenes de Tlatelolco, y todavía esta eludiendo la acción de la justicia, salvo el brevísimo periodo en el que se le sometió a arresto domiciliario. Pero por desgracia, muchos de los mandos militares y policias que tomaron parte activa no han sido todavía juzgados. Tlatelolco se convirtió en un lugar casi tabú, y el mercadillo que allí se celebraba se trasladó al Chopo, donde ha crecido y se ha consolidad hasta convertirse en uno de los centros de rock más conocidos de todo el continente, el Tianguis del Chopo.

En septiembre de 2005 visité México, e impresionado tanto por el fenomenal libro de Luis Gonzalez de Alba sobre la matanza, como por el estremecedor testimonio que escuché de boca de uno de los supervivientes del 2 de octubre de 1968, el líder estudiantil Raúl Alvarez Garín en una conferencia que dió en el Ateneo de Madrid a mediados de los 80, cuando yo estaba implicado en el movimiento estudiantil en la Complutense, quise conocer la Plaza de las Tres Culturas a modo de homenaje a aquellos luchadores asesinados.
Os aseguro que fue una de las experiencias más fuertes que he vivido nunca. No puedo explicar racionalmente las sensaciones que viví allí, pero os aseguro que el recuerdo de aquellos jóvenes muertos, el monumento que se ha levantado en su memoria, caló muy hondo en mi. Sentí un estremecimiento, una emoción, incluso un dolor y una pesadumbre imaginando todo lo que sucedió allí que muy pocas veces en sentido en ningún otro lugar. Generación tras generación, los jóvenes mexicanos más comprometidos, más progresistas son conscientes de los que significó aquella masacre, y algo, algo muy indefinible, casi espiritual, ha dejado impregnados los edificios y la atmósfera de esa histórica plaza. Yo puedo deciros que lo sentí muy desde dentro.
Por tal motivo, quiero expresar hoy, y compartir con vosotros si es posible, mi solidaridad con las familias de todos los que perdieron a sus seres queridos bajo las balas de los soldados, con todos los activistas de la izquierda mexicana que llevan 40 años trabajando para que se juzgue a los culpables y exista por parte del estado mexicano una reparación moral a esas víctimas. Mexico es una gran nación y un gran pueblo que aprendí a apreciar y a conocer. Nunca mereció vivir una tragedia así. Ojalá que se siga recordando, reivindicando y explicando, para que nadie la olvide.

AC/DC 'BLACK ICE'

Hace ya algunos días que pude escuchar en las oficinas en Madrid de la compañía Sony/BMG el nuevo disco de estudio de AC/DC cara a escribir un comentario para la revista Rolling Stone. Unas semanas antes de que se ponga a la venta, os comento lo que me ha parecido este regreso de los australianos a la jungla discográfica después de ocho años de no editar material nuevo.
Lo primero, y aunque pueda parecer una obviedad, es que es AC/DC. AC/DC al cien por cien, con su clásico sonido de guitarras, sus rocks densos, sencillos, penetrantes y característicos, la voz aguda y chirriante de Brian Johnson... es decir, en 'Black Ice' vas a escuchar lo que el fan de AC/DC de toda la vida desea: Hard Rock clásico, estilo AC/DC total de la primera a la última canción.
Entre lo más positivo, sin lugar a dudas el tema que abre el disco, "Rock´n´Roll Train", un rock´n´roll tipiquísimo de AC/DC, que incluso tiene un aire, un sonido y unas guitarras muy de los AC/DC de los 70, de la época Bon Scott. Es quizá el tema del disco más claramente de la vieja escuela. En esa misma línea, quiero destacar entre los mejores "Anything Goes", un rock muy pegadizo, quizá más comercial, más melódico, el fortísimo "War Machine", un temazo super heavy, en el que la base de ritmo es demoledora -¡¡que inmenso bajista es Cliff Williams, y que poco apreciada su labor!!" y que seguro que te recordará al escucharlo al "Who Made Who". Otro bombazo, de los más duros, "Wheels", es otro de los temas con unas guitarras más marcadas, mas heavymetaleras, al igual que "Spoiling For A Fight", una canción con un riff muy característico de AC/DC, muy penetrante, podría ser otro magnífico single.
"Big Jack" es un tema menos trabajado quizá, es muy machacón -un tema tipo "Money Talks" o "Safe In New York City"- pero que puede funcionar bien para los conciertos, y "Stormy May Day", es junto a "Rock´n´Roll Dream" los únicos temas que se salen un poco del guión y que ofrecen otra cara de AC/DC a todas luces muy interesante. La primera es un medio tiempo con un sabor muy bluesy, en una onda Zeppelin/Whitesnake muy inspirada, mientras que la segunda no es propiamente una balada, aunque comienza lenta para ir cambiando a un medio tiempo hard rock mucho mása potente. En cuanto a su estructura de composición, sobresale por su orimginalidad con respecto al resto, y es también de las mejores de 'Black Ice'.
El nuevo disco de AC/DC es muy largo, son 15 temas, y aunque el nivel general es muy satisfactorio, tambien hay cortes que no son más que de mero relleno. "She Likes Rock´n´Roll" y "Money Made" son piezas muy simples, muy ramplonas incluso, que no aportan nada especialmente interesante y "Skies On Fire" un medio tiempo muy standard, muy repetitivo y muy flojo. Aunque bueno, no dejan de ser canciones de AC/DC, solo que que al lado de las que he mencionado en primer lugar, pierden mucho gancho.
¿Conclusión personal? 'Black Ice' es mucho mejor que 'Stiff Upper Lip' y aunque para mi gusto no supera a 'Ballbreaker', no deja de ser en ningún momento un gran disco, hecho a la medida del fan de AC/DC de siempre, al que sin duda no va a defraudar. Ahora solo falta que en directo ese alto nivel al que AC/DC nos tienen acostumbrados también se mantenga.

JORGE SALAN: NUEVO DISCO, 'SUBSUELO'

El pasado martes 30 de septiembre los buenos colegas de Pagana Records me invitaron junto con un buen puñado de compañeros de otros medios de comunicación a escuchar el nuevo disco del excelente guitarrista Jorge Salán, uno de los mejores músicos del país, que desde hace ya algunos años compatibiliza su brillante carrera en solitario con su labor en Mago de Oz.
De entrada, deciros a todos que el nuevo disco de Jorge es, como cabía esperar, una verdadera gozada. Se nota que por un lado, al ser este su cuarto disco, la trayectoria y la experiencia acumuladas le han hecho perfilar su estilo y ser capaz de hacer unas composiciones mucho más elaboradas en algunos sentidos, mientras que por otro, toda la carretera que se ha cargado sobre las espaldas con Mago de Oz es evidente que otro bagaje que necesariamente tiene que haber influído en la destreza, la habilidad y la variedad de estilos que toca.
El disco no estará a la venta hasta febrero de 2009, pero no me resisto a la tentación de adelantaros algo de lo que váis a poder escuchar en 'Subsuelo'. En los primeros cortes predomina el Hard Rock más heavy, y en ese campo, temas como "Mystic Highway" y "The Dragon" son verdaderas piezas maestras, en las que Jorge además de tocar la guitarra como un verdadero as del mastil, ha ganado más empaque, más fuerza como cantante. "The Pride On Top" es más Hard Rock clásico, muy bueno, muy pegadizo, que es otro de los que más me ha gustado en esta primera escucha.
Dos temas brillan con luz propia en este 'Subsuelo', tanto por la envergadura de las coalboraciones con las que Jorge se ha hecho acompñar, como por la extraordinaria calidad de las composiciones. Por un lado, "Trouble Walking", un tema con un aire Purple-Rainbow muy sugerente, un solo de guitarra de Jorge formidable y la voz de Danny Vaughan, simplemente excelsa, como la de Miguel Rios, que presta su voz al tema que da título al disco, y que canta con la clase, la elegancia y la sensibilidad que caracteriza al hombre que hizo obras como 'La Huerta Atómica', 'Extraños en el Escaparate' o el legendario doble en directo 'Rock In Rios', disco que en la pequeña rueda de prensa que Jorge hizo tras la escucha del disco mencionaba como el primer disco de rock que escuchó y que por consiguiente le despertó la admiración que siente todavía hoy por Miguel.
No puedo por menos de desear que 'Subsuelo' llegue a ser un gran éxito. Primero, porque pienso que realmente lo merece por la gran calidad que encierra como obra musical, por ser un disco grande de verdad en el panorama de nuestro rock, y en segundo lugar, y no me importa decirlo abiertamente, porque con Jorge me une una larga, sincera y entrañable amistad. He seguido sus pasos en la música desde que acompañado por nuestro amigo común Paco Gonzalez, antiguo director de www.rocktotal.com y ex - colaborador en mis revistas, vino a los 40 Principales a traerme su fabulosa primera maqueta. Tuvo el detalle que nunca le agradeceré lo suficiente de componer una sintonía para la sección de anuncios de conciertos en directo de mi programa de radio, Rock Star, de la que muchísima gente todavía se acuerda y me sigue preguntando, y a lo largo de estos años, siempre hemos estado en contacto, he podido estar presente en muchos de sus conciertos, y a día de hoy veo con una enorme satisfacción que se consolida como un músico de primerísima categoría en el rock estatal.
Desde aquí, os recomiendo muy especialmente que en febrero no dejeis de haceros con 'Subsuelo', el magnífico nuevo disco de mi amigo Jorge Salán.