MANIFIESTO: POR UNA LEY DE LA MÚSICA .TODAS LAS MÚSICAS SON CULTURA

Se presentó en conferencia de prensa en el Circulo de Bellas Artes de Madrid una iniciativa realmente interesante que como periodista musical apoyo y suscribo plenamente: Establecer por fin, tal y como existe desde hace más de 25 años en Francia o como se ha intentado hacer en Catalunya, una LEY DE LA MUSICA. Para ello se ha elaborado un libro en el que se recoge la propuesta para una regulación cultural de la música popular con todas las medidas que esa ley debería recoger para profesionalizar el sector fundamental mente de la música en directo, sin excluir todos aquellos que estan íntimamente vinculados al mundo de la música popular.

Aquí os reproduzco el manifiesto que conjuntamente han elaborado ARTE (Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo), la Associaçió Professional de Representants, Promotors i Managers de Catalunya, UNIPROM (Unión independiente de promotores de música), APM (Asociación de Promotores Musicales), ROAIM (Red de Organizaciones de Autores e Intérpretes de Música) y ACCES (Asociciación Estatal de salas de música en vivo).

Las organizaciones abajo firmantes, representantes de todos los sectores y ámbitos que integran la música popular,
MANIFESTAMOS:
Que existe un trato de no igualdad e indiferencia hacia la música en relación a otros sectores culturales, como puede ser el teatro o el cine.

Además, la música popular no está considerada cultura ni existe una regulación cultural de la misma.

Nunca ha habido una ley de la música y todos los que trabajamos en este sector, sobre todo del directo, sentimos una indefensión que va, desde un trato discriminatorio a los artistas y músicos en general, hasta una indefinición asombrosa para los profesionales y las salas de música en directo.

Que, en cambio, el sector de la música popular está compuesto por un conglomerado rico y complejo, con una importantísima iniciativa privada y diferentes estamentos que la hacen posible:

.- Una importante base artística, compuesta por autores, intérpretes, músicos y artistas.

.- Varias entidades de gestión de derechos.

.- Una industria discográfica, actualmente en fase de remodelación.

.- Los conciertos, de gran importancia cultural, de comunicación artística, de generación de empleo y de creación de nuevos públicos.

.- Y un público con demanda creciente de calidad y diversidad musical.

Por ello RECLAMAMOS:

Una Ley de la Música:

a) Que reconozca que todas las músicas son cultura y que garantice al público el derecho constitucional de acceso a la cultura y el de la libertad de expresión a los creadores.

b) Que dignifique la música popular atendiendo a los criterios de calidad, diversidad cultural e independencia, capaz de potenciar y defender el mercado nacional, entendiendo por éste la música que surge dentro del Estado español.

c) Que contemple normas de excepción cultural en pro de la pluralidad cultural.

d) Que regularice el sector desde un punto de vista cultural, regulando las competencias de las diferentes administraciones.

e) Que marque un modelo de gestión sobre las músicas, coordinando todos los organismos que afectan al fomento de las mismas.

f) Que propicie la creación del Estatuto del Músico, con el fin de dignificar su condición.

g) Que se potencie la creación de un Código de Buenas Prácticas dentro del sector.

h) Que se cree un convenio artístico que regule la especificidad del sector: colegiación de profesionales, marcos de actuación, seguridad social de artistas, etc.

i) Que se cree una licencia homologada para las salas de música en directo que considere la labor cultural de estos espacios.

A nuestros representantes en las administraciones y a los legisladores,

EXIGIMOS:

Que se lleven a cabo las medidas ejecutivas y legislativas necesarias para llevar a la práctica las reclamaciones enumeradas anteriormente y apoyaremos las iniciativas que se propongan desde el INAEM, desde el ministerio de Cultura y el resto de Instituciones Públicas, siempre y cuando vayan en esta dirección.

Todos aquellos que quieran apoyar el proyecto, pueden colaborar con su firma contactando con cualquiera de las asociaciones promotoras, cuyas direcciones son las siguientes:

-info@salasdeconciertos.com (ACCES) Apartado de correos 4019 28080 Madrid

-secretaria@apmusicales.com (APM) Rambla Cataluña 127,3o2a 08008 Barcelona

-arcatalunya@arcatalunya.cat - Fax: 933181937 (ARC) Portal de l´Angel,40,5e,11- 08002 Barcelona

-comunicación@arte-asoc.es - Fax: 915722614 (ARTE) Rosario Pino 6, 6ºB 28020 Madrid

-production@festimad.es - Fax: 915226118 (UNIPROM) San Bernardo 8, 4º- Izda. 28015 Madrid.

-info@roaim.org - (ROAIM) Alcalá,119-1º. Izda. Desp.2- 28009 Madrid.

GRANDES DISCOS EN DIRECTO: LOS PIONEROS .CREAM (2)

CREAM 'Live Cream' (Abril 1970)
Cuatro temazos en vivo de Cream registrados en los conciertos de los días 9 y 10 de marzo de 1968 en el Winterland de San Francisco, más un tema inédito perteneciente a los descartes de las grabaciones de 'Disraeli Gears' de marzo de 1967, "Lawdy Mama". Producido genialmente por Robert Stigwood, Ahmet Ertegun y Felix Pappalardi, contiene alguna de las interpretaciones más geniales e inspiradas de los números clásicos de blues que Cream siempre desarrollaron en sus recitales, como es en este caso el formidable "Rollin´And Tumblin´" de Muddy Waters, para gusto de muchos seguidores de la banda, la mejor pieza de todo el disco, sin desmerecer el magnífico "N.S.U" de Jack Bruce que abre el disco. Grandísimo disco, aunque todavía mejor fue su segunda parte.


CREAM 'Live Cream Vol.II' (Marzo 1972)
La excepción a la famosa regla de que segundas partes nunca fueron buenas se hizo realidad con este segundo volumen del testamento en vivo de Cream. Recueprando nuevas grabaciones del Winterland del 68 más tres formidables retazos de puro rock en el Oakland Coliseum Arena en aquel mismo tour, como era el fabuloso "White Room" que incluyeron en este disco, en este segundo volumen se puede escuchar a unos Cream infinitamente más fuertes, inspirados y potentes que en el primer volumen, en especial en su extensa "Hideaway", un temazo de más de 13 minutos con todo lo mejor del espíritu innovador de Cream condensado en una improvisación instrumental progresiva única, llena de fuerza, de tremendismo sonoro y en la que que ya esta presente el Heavy Metal entendido como intensidad, como volumen, como fusión del blues y del rock en su grado de potencia superior. Un álbum imprescindible en la historia del rock en la transición entre los años 60 y los 70.

EMISION ROCK STAR 27 ENERO 2009

Hola a todos, familia.

Como de costumbre, informaros de que hoy martes se emite un nuevo Rock Star. Es a las nueve de la noche, en www.tntradiorock.com y en él podeis escuchar los nuevos discos y las últimas novedades de DEATHSTARS, KREATOR, SAXON, IRON MAIDEN, EDGUY, JEFF SCOTT SOTO, THE ANSWER, JORGE SALAN, una amplia entrevista con SARATOGA acerca de su próximo concierto en Madrid, que también podéis ver y escuchar en www.rockola.fm y el recuerdo a los grandes discos en directo de LED ZEPPELIN (The Song Remains The Same) y DEEP PURPLE (Made In Europe)

Gracias a todos y espero que sigamos en contacto.

MOTORHEAD - SIN REMORDIMIENTOS

Quiero hablaros hoy de un libro que me ha parecido muy interesante, y que desde La Comuna os recomiendo en especial si sois fans de una de las bandas más legendarias de la historia del Hard Rock y del Heavy Metal: Motörhead.
Miguel Asturias, el autor de 'Motörhead Sin Remordimientos', ha sido músico, editor de fanzines y actualmente colabora en la revista This Is Rock y dirige la web Metal80.com, aunque tal y como afirma en la contraportada del libro, es por encima de todo un fan del buen rock duro clásico, y por tanto, en este extenso y documentado libro nos narra la singular historia del genial grupo liderado por Lemmy Kilmister con el rigor y la objetividad del profesional, pero con un estilo y un discurso que no oculta su pasión por el grupo protagonista de este libro, y que sin duda proporciona que su lectura sea muy estimulante.
Estructurado en cinco bloques que recorren la historia de Motörhead desde las raíces más profundas -el libro comienza con el nacimiento de Lemmy en Bruslen, Stock-On-Trent en la Navidad de 1945- los años que Miguel denomina la edad de "Bronze" y que se corrersponden con la época de mayor éxito de la New Wave Of British Heavy Metal, la época de decadencia, el repunte de comienzos de los 90 y la actualidad, el relato de la historia del grupo es completísimo, no se deja fuera absolutamente ningún detalle y resulta realmente un instrumento muy valioso como obra de consulta, puesto que el libro incluye tambien una extensisima discografia, videos, una seleccion de fotos realmente curiosas y en las que aunque parezca difícil, cuesta reconocer a Lemmy -fíjate sinó en la de los Rocking Vicars- y que yo por lo menos, no habia visto nunca.
Quiero sinceramente enviar mi enhorabuena a Miguel Asturias por este libro, recomedarlo una vez más a todos los seguidores del Heavy Metal, y por si os costara trabajo encontrarlo en las librerías, podeis pedirlo a la dirección en internet de la editorial, www.quarentenaediciones.com, una pequeña pero entusiasta y ambiciosa editorial alternativa de Catalunya que esta haciendo un trabajo realmente formidable de difusión de la buena música a traves de su colección de libros de rock, en los que puedes encontrar tambien magníficas biografias de grupos como Judas Priest, Iron Maiden, el Mundo Gótico, el Black Metal o Los Suaves, por citar solo algunos ejemplos.

PIRATERIA LIBERTARIA EN EL CARIBE: NUEVO LIBRO DE EDICIONES EL GARAJE

El pasado miércoles tuve la oportunidad de asistir a la presentación del nuevo libro de Ediciones El Garaje, sello editorial continuador de la antigua Ediciones VOSA y que también dirige el conocido escritor y editor Manolo Blanco Chivite. 'Los Hermanos de la Costa - Piratería Libertaria en El Caribe' es un interesantísimo trabajo realizado por Bernardo Fuster, quien además de escribir esta curiosa e interesante historia, ha adpatado junto a su compañero de andanzas musicales en Suburbano, Luis Mendo y la cantante Cristina Martinz un repertorio de canciones de piratas del siglo XVI que se edita en cd conjuntamente con el libro.
Bernardo Fuster nos explica como si bien la piratería, los piratas eran fundamentalmente en los siglos XVI y XVII la carne de cañon de las monarquías, los mercenarios que hacían el trabajo sucio de las potencias de la época, surgió en el Caribe en esa misma época en la Isla de la Tortuga un grupo de piratas que no se sometieron a las ordenes de los monarcas y que se independizaron, constituyendo una sociedad plenamente libertaria, que tenía entre sus lemas "ni dios, ni patria, ni rey˝ -un lema que sigue siendo necesario defender en el siglo XXI- lo cual es todo un precedente de las consignas fundamentales del pensamiento anarquista.
Esa sociedad libre, en la que los piratas vivían de forma comunitaria e incluso establecieron un primitivo sistema de ayuda mutua muy similar al de una compañía de seguros -por ejemplo, habia un sistema de indemnizaciones para compensar económicamente al pirata que perdiese una mano, o un brazo durante algún abordaje o ataque- es explicada de manera muy amena por Bernardo Fuster, con detalles y anécdotas interesantísimas. En cuanto al disco, son canciones sencillas, pero de una originalidad y una belleza extraordinarias, y estoy seguro que pasaréis un rato magnífico escuchándolas.
John Silver El Largo, Barba Negra, Francis Drake, Johnny Depp, Keith Richards... todo un mundo sobre el cual existe una visión quizá demasiado idealizada por la literatura romántica y el cine, pero que conoció otra versión, otro mundo, que puedes conocer ahora en este magnífico libro de Bernardo Fuster.

THE ROLLING STONES - SOME GIRLS

Durante varios años, este fue mi disco favorito de los Rolling Stones, hasta que descubrí 'Exile On Main Street'. Fue el primero que compré de ellos, alla por julio de 1978, cuando acababa de descubrirles, y quizá por ello, por lo que tuvo de "agente provocador" de mi pasión por el rock, y por ser la llave que me abrió la puerta al mundo de los Stones, siempre le he tenido un cariño especial y cada vez que lo escucho, me evoca emociones, recuerdos y sensaciones muy especiales.
'Some Girls' es un disco con mucha historia detrás. Editado en junio de 1978, se grabó en los estudios Pathé Marconi de París entre los meses de octubre de 1977 y marzo de 1978, en un momento muy singular de su historia. Por un lado, Keith Richards estaba en plena fase de desintoxicación y rehabilitación de su adicción a la heroína tras todo el affaire de la detención en Toronto, el juicio, y la posible condena que le podría caer si era hallado por el tribunal culpable de la acusación de traficante. Ronnie Wood acababa de separarse de su mujer Chrissie y atravesaba, aunque en menor medida, problemas con el alcohol y las drogas, y Mick Jagger, entre toma de voz 1 y toma de voz 2, se pasaba el tiempo enganchado al teléfono discutiendo con sus abogados los asuntos de su separación de Bianca Jagger.
Por otro lado en el mundo del rock también se vivía un momento difícil. Entre 1976 y 1977 el punk rock había causado un auténtico terremoto en el estabilishment de la industria del rock, y los Stones eran el blanco de las iras de muchos punks que no dudaban en calificarlos de antiguallas acartonadas y apolilladas. La prensa inglesa -como es habitual, aunque nunca he entendido porqué- masacró con críticas feroces cargadas de veneno su anterior disco, el doble en directo 'Love You Live' y era evidente que los Stones no vivían su mejor momento ni de popularidad ni de credibilidad. Los rumores de separación, una vez más, volvían a ser moneda común entre los comentarios de la prensa musical del momento.
¿La respuesta de los Stones? encerrarse en un estudio 24 horas al dia, en plan terapia de choque y concentrar todas sus energías en grabar un disco, plenamente dedicados a ello, contrariamente a como habían sido las grabaciones de sus últimos discos anteriores. En los Pathé Marconi se grababa absolutamente todo, desde un ensayo improvisado, a un tema "in progress" que aún no tenía letra, y de hecho, en esos seis meses, obviando las cuatro semanas de vacaciones de navidad, se dejaron grabadas un total de 44 canciones, que surtieron de material posteriormente a 'Emotional Rescue', 'Tattoo You' y 'Undercover'.
'Some Girls' fué un álbum de intencionada y lograda actitud rockera. Si en discos como 'Goats Head Soup', 'It´s Only Rock´n´Roll' y especialmente en 'Black And Blue' los Stones mostraron ser permeables a otro tipo de influencias y en cierta medida eran discos más eclécticos, 'Some Girls' fue un álbum de puro y duro rock´n´roll, por supuesto variado, con temas para todos los gustos y todos los estado de ánimo, pero en el que lo que predominaba eran las guitarras, guitarras duras, fuertes, crudas, y en el que destacaban sobremanera los rocks sucios y casi heavys de "When The Whip Comes Down", "Respectable" y "Lies". Tanto que en mitad de la grabación, el pianista Ian Stewart se marchó del estudio y no quiso grabar más temas, aduciendo que "estos tíos quieren sonar ahora como si fueran Status Quo."
Era como decir a los punks: "Creíais que estábamos acabados ¿eh? que no somos capaces de hacer rock´n´roll ¿verdad? ¡pues tragaros esto!" En todo, en las letras, en el sonido, incluso en el diseño de portada, supieron hablar a la nueva generación en su propio lenguaje.
Musicalmente, como ya he dicho, 'Some Girls' es quizá el álbum más rockero, más duro de los Stones. "When The Whip Comes Down" era un tema lleno de fuerza, con unas guitarras fortísimas y una base de ritmo, en especial la batería de Charlie, potentísima, "Lies" es un tema que podrían haber grabado perfectamente AC/DC, "Shattered" tiene una de las bases de bajo-batería más penetrantes, densas y solidas que puedes escuchar en un tema de los Stones, y por suspuesto, mi favorita de todo el disco: "Respectable". ¡que temazo! ¡qué pedazo de rock! ahí si que Keith y Ronnie suben los potenciómetros a tope, Charlie se sale literalmente empujando desde la bateria como si de un ciclón se tratara y Mick aulla "Get Out Of My Life...Don´t come back!" como un verdadero animal. Inolvidable, entre los momentos más salvajes que he vivido en los conciertos de los Stones, cuando en junio de 1999 la tocaron, con una macarrería, una chuleria y un rollo rockero únicos en el concierto del Monte do Gozo, en Santiago de Compostela. Incluso, en la adaptación de un viejo standard de soul como "Just My Imagination", las guitarras cobran una fuerza tremenda, y le imprimen al tema si cabe más intensidad, más sentimiento, más feeling.
Pero no solo hay rock duro en 'Some Girls'. "Miss You", una no declarada confesión de nostalgia de Mick hacia Bianca, recuerdo perfectamente como se convirtió en el hit del verano de 1978, junto al "You´re That What I Want" de John Travolta y Olivia Newton John en "Grease" y el "Rock´n´Roll En La Plaza Del Pueblo" de Tequila, otros stonianos de pro. Tema discotequero pero con clase, con estilo Stone, ha sido durante décadas pieza clásica de sus conciertos. "Far Away Eyes", una exquisita pieza country-rock lenta, tipo balada, con Mick cantando maravillosamente, Ronnie Wood sobresaliente con la slide y genial Keith Richards al piano -¡Si! al piano, el piano de "Far Away Eyes" es de Keith-
"Some Girls" es una semibalada con una cadencia sugerente, insinuante, fabulosa, medio bluesera que por desgracia, los Stones no tocaron nunca en directo hasta la mítica noche filmada por Scorsese en 'Shine A Light'y cuya letra es toda una declaración de principios sobre las mujeres, o mejor dicho, sus mujeres, ex-mujeres, amantes o amigas con derecho a roce. "Este álbum se llama 'Some Girls' porque se lo queremoos deciar a las groupies que nos han hecho pasar tantos buenos ratos en las giras, y como no podemos recordar los nombres de todas,por eso el título es así de genérico." declaró Keith Richards preguntado en Estados Unidos acerca del porqué del título del disco.
Uno de los mejores artículos que he leído nunca acerca de este disco fue el que en julio de 1978 escribió el periodista catalán Oriol Llopis en la revista Vibraciones, del cual quiero entresacar un párrafo que suscribo totalmente y con el que siempre me he identificado, en relación a la cruda letra de "Some Girls" . "Cuando los Stones hablan de que las chicas blancas son bonitas y graciosas, pero que les vuelven locos y que las chicas negras solo quieren que te las folles toda la noche, vuelvo a comprenderles. Porque ahora, como debe hacer toda rockandroll band honesta, -es decir utilizar experiencias personales como textos para la música, o al menos así lo entiendo yo-, hablan con su música de su vida. "
'Some Girls' fue un disco que marcó una época. Reconcilió al grupo con la mayoria de la prensa, les devolvió credibilidad y por si sirve de dato significativo, cuando en diciembre de 2001 tuve oportunidad de entrevistar a Ronnie Wood en Londres con motivo de la edición de su disco 'Not For Beginners'al preguntarle cual era el disco de estudio que más le gustaba de los que había grabado con los Stones, sin dudarlo me dijo: "Some Girls".

GRANDES DISCOS EN DIRECTO: LOS PIONEROS. CREAM (1)

CREAM 'Goodbye' ( marzo 1969)
El trío que cambió la evolución del rock y que esculpió la piedra angular de lo que en los años 70 se conoció ya como Heavy Metal dijo expresivamente adiós a su breve pero intensa carrera con un disco en directo grabado durante su última gira por Estados Unidos, más concretamente durante la actuación de Cream en el Forum de Los Angeles el 19 de octubre de 1968. La idea original era que el disco fuera doble y que incluyera fragmentos del concierto de despedida de sus fans ingleses en el Royal Albert Hall el 26 de noviembre de 1968, dato que indujo durante mucho tiempo al error de que los temas de este disco se grabaron en el concierto del RAH. Aunque ese concierto se filmó y se editó en forma de video documental, ninguna grabación perteneciente a ese show se incluyó en 'Goodbye'. En lugar de ello, la cara B del disco original de vinilo incluyó tres temas grabados en estudio, "Badge", "Doing That Scrapyard Thing" y "What a Bringdown", aunque sin duda fueron las poderosas versiones en vivo de "I´m So Glad" y "Sitting In The Top Of The World" lo más recordado del álbum póstumo de la crema.
Su funcionamiento comercial fue muy bueno -llegó a estar 20 semanas en el número 2 de la lista de Billboard desde marzo de 1969- y precisamente por tal motivo, su manager Robert Stigwood, una vez el grupo ya disuelto, siguió explotando el filón de las sensacionales grabaciones en directo del trío en otros dos imprescindibles discos.

ISRAEL: LA BESTIA ASESINA Y SUS REPUGNANTES LACAYOS

Hay quien en ocasiones, refiriéndose a las opiniones y comentarios que expreso en este blog, me critica mi supuesto radicalismo, mi sesgo ideológico, que la música y la política no deben mezclarse, bla, bla, bla (...¿que es política y que no lo es es? cabría preguntar...)
Llevo varias semanas pensando en publicar un blog sobre los crímenes que el estado TERRORISTA (si, TERRORISTA, con todas las mayúsculas) de Israel esta llevando a cabo en la franja de Gaza desde finales de 2008. En más de una ocasión, mi indignación ante la masacre que los poderes de ese criminal estado esta llevando a cabo contra la población civil e indefensa de Gaza ha sido tal que he preferido no escribir nada por miedo a dejarme llevar por la emoción, la rabia, la indignación y el asco que las acciones que esa maquina de matar solo comparable a la Gestapo, las SS y el gobierno de la alemania nazi dirigidas desde Tel-Aviv me produce y perder la objetividad. Pero pensándolo bien, precisamente ante el crimen, ante el genocidio sionista, ante la extrema crueldad de los nuevos Hitler, Goebbels, Himmler o Heydrich que se esconden bajo los bonetes judíos del gobierno de Tel-Aviv, no se puede ser objetivo ni equidistante.
Es precisamente la emoción, el corazón, la solidaridad, lo que debe guiar las palabras. Hay derecho, y derecho legítimo y casi diría, un deber para todo aquel que crea en los derechos humanos, en la paz y en la libertad, de gritar a la cara de los israelíes: ¡¡¡BASTA YA, BESTIAS ASESINAS!!!
El pueblo palestino lleva décadas siendo víctima de la constante agresión de un estado creado artificialmente por la mala conciencia de una Europa cobarde que fué cómplice del establecimiento y fortalecimiento de la alemania nazi -contra la URSS, todo valía, incluso Hitler- y al que se ha condenado a vivir en un permanente exilio, sin derechos, sin reconocimiento de su identidad, y cuyos movimientos de liberación son tachados constantemente de "terroristas" (...¿por quién? ¿os lo habéis preguntado? ¿por gente como Bush o Chemari Ansar?).
El domingo pasado hubo en Madrid una manifestación en la que quienes estamos por el progreso, la civilización, la cultura, la tolerancia, la paz y el intercambio entre pueblos, entre los cuales hay muchísimos miles de judíos e israelíes, inteligentes, cultos, solidarios y progresistas, que me consta desaprueban y desprecian el comportamiento terrorista de su gobierno, dijimos alto y claro, como en 2003, NO A LA GUERRA y en esta ocasión NO A LA AGRESION ISRAELI. Hoy lo repito, máxime cuando este domingo dia 18, entre la ignorancia y el desprecio de la gran mayoría, un puñado de ignorantes, descerebrados y tonto-fascistas arropados por banderas de "Ehpaññña" y con el recorte coreográfico de los jovencitos del PP, han participado en un estúpido simulacro de "solidaridad con Israel", en el cual se han escuchado, como no podía ser de otra forma, gritos racistas y xenófobos contra "los moros, que si acaban con Israel, mañana acabarán con "Ehpaññña!", como exhalaba una de las marujas histéricas presentes en el encuentro bandera "ehpañññiola" en mano como si fuera un fusil.
Ante un crimen, ante un genocidio, ante un auténtico acto de terrorismo internacional, hay que posicionarse. Con independencia de ideologías políticas, de gustos estéticos o credos religiosos.
Yo me posiciono claramente:
SOLIDARIDAD CON EL PUEBLO PALESTINO
SOLIDARIDAD CON LAS VICTIMAS DE LA AGRESION ISRAELI
ESTADO PALESTINO ¡YA!
CONDENA INTERNACIONAL Y PROCESAMIENTO COMO TERRORISTAS Y CRMINALES DE GUERRA ANTE EL TRIBUNAL DE LA HAYA DE LA CUPULA DEL EJERCITO Y DEL GOBIERNO ISRAELI IMPULSORES DE ESTE HOLOCAUSTO.

LEYENDA DEL HARD ROCK USA: VAN HALEN, 'VAN HALEN I'

VAN HALEN ‘Van Halen I’ (1978)
Durante la década de los 80 llegarían a ser una de las bandas más descomunalmente grandiosas del rock americano, su guitarrista y líder Eddie Van Halen fue considerado un revolucionario total y absoluto en el mundo de la guitarra eléctrica y hoy por hoy, tienen su nombre escrito con letras de oro en el libro de la historia del rock. Pero antes de que todo eso llegase, hubo un primer álbum, un formidable disco que puso el apellido de dos hermanos hijos de emigrantes holandeses en el liderazgo de una nueva generación de músicos que recuperaban la esencia del Hard Rock de los con un estilo personal, original y fresco. Esto es lo que significó para el mundo del metal americano la edición de ‘Van Halen I’.

LOS ANTECEDENTES: 1974-1978
Casi cuatro años antes de la edición de la Opera prima del grupo, a mediados de 1974, Eddie Van Halen, guitarra, Alex Van Halen batería y David Lee Roth, cantante, llevan juntos casi un año en un grupo llamado Mammoth que vive a base de hacer shows de versiones (tenían un repertorio de ¡más de 300!) por todo el area de clubs de Los Angeles y ciudades cercanas de la Costa de California. Con la entrada de Michael Anthony tras la expulsión del anterior bajista, Mark Stone, el grupo descubre que un grupo que tenía registrado el nombre de Mamooth también esta trabajando por la zona. Tras barajar el nombres como Rat Salad o Eruption (justo como se llamaría después uno de los temas más universalmente conocidos de ‘Van Halen I’) a propuesta de David Lee Roth se quedan con el nombre de Van Halen.
Eran tiempos difíciles. A pesar de que ya en esa época tenían un buen montón de canciones propias y la siempre desbordante creatividad de Eddie Van Halen ya estaba ahí, entre los años 1975 y 1976 no había posibilidades reales de poder tocar sus temas en directo. “Si no hacías un repertorio de versiones convincente, que gustase a la gente y que atrajese público al bar, no durabas una semana. No era cuestión de aburrirles con demostraciones de las nuevas técnicas que estaba probando. Había que hacer “Rock´n´Roll” de los Zep, “We´re An American Band” de Grand Funk, “Proud Mary” de la Creedence Clearwater Revival y cosas por el estilo.” Recuerda Eddie Van Halen sobre aquellos primeros tiempos.
Sin embargo, una noche del mes de mayo de 1976 se pasó por pura casualidad a tomar una copa a uno de los clubs en los que solían tocar, el Starwood, nada más y nada menos que Gene Simmons de Kiss el cual, haciendo una vez más gala de su insuperable olfato para cazar talentos, se fija en la maestría de Eddie y les recomienda especialmente al jefe de unos estudios de grabación de Los Angeles para que graben una maqueta que después el propio Gene Simmons entregará al jefe de Polydor en Estados Unidos. La maqueta, que en un primer momento agrada a los capitostes del sello, hace que el grupo se desplace a Nueva York para grabar otras maquetas más pulidas y en donde se pueda apreciar mejor las posibilidades que este cuarteto que tanto ha impresionado a Simmons pueda dar. “Estuvimos cuatro días en NY, grabando en los Electric Ladyland Studios, y te aseguro que pocas veces he disfrutado más en toda mi vida. Aquellas grabaciones, de las cuales aún conservo una copia, son todavía mejores que nuestro primer Lp, pero… a esa gente les pareció demasiado experimental, demasiado raro para lo que era el rock americano de aquellos años, y al final se echaron atrás. Tuvimos que volver a Los Angeles a tocar covers de “Honky Tonk Woman” y “Johnny B.Goode” después de haber rozado el cielo con los dedos.” Dijo en cierta ocasión Eddie.
Y así fue: a pesar de las recomendaciones de Gene Simmons, el director de Polydor decidió que eran un grupo de buenos músicos, pero con pocas posibilidades comerciales, dato en el que no se puede decir que le faltara razón: Los superventas a nivel de rock en América en 1976 eran las canciones acarameladas de Kansas, The Eagles, Peter Frampton y Chicago, y en ese panorama pocas posibilidades de abrirse paso tenía el rock furioso, duro y ultravanguardista de los hermanos Van Halen…
…aunque todo llega en esta vida. En los mentideros del negocio discográfico, no tardó en conocerse la noticia de que los Van Halen habían estado en el punto de mira de una gran compañía, y quizá picado por la curiosidad, un productor que trabajaba habitualmente con la Warner fue una noche al Starwood Club a ver si esos Van Halen eran tan jodidamente buenos como se decía. Un año después de la providencial visita de Gene Simmons, Ted Templeman acudió con Mo Ostin a ver a Van Halen y aquella vez fue la definitiva. En julio de 1977 el grupo grababa 25 temas para seleccionar un total de 9 que serán los que finalmente se graben en los Sunset Sound Studios de Los Angeles en 18 días de septiembre para dar forma, por fin, al primer Lp de Van Halen.
“Durante la grabación de las demos del disco vinieron a visitarnos los Angel, una banda de rock sinfónico que empezaba a estar capa caída, y yo, idiota de mi” –recuerda Eddie Van Halen- “no se me ocurrió una idea mejor que dejarles escuchar la versión que habíamos preparado para “You Really Got Me”…y de pronto, viene un día Ted al estudio diciendo que no podemos grabarla porque los Angel ya la tienen lista para su próximo disco. ¿Te lo puedes creer? Menos mal que no hicimos caso y decidimos grabarla, fue un single de gran impacto y al final, ni siquiera recuerdo si Angel llegaron a grabar “You Really Got Me” o no.”

10 DE FEBRERO DE 1978
Fecha oficial de la salida a la venta de ‘Van Halen I’. Un disco que ofrecía al mundo a un grupo que aún guardaba, sobre todo en su estética, muchos resabios de los clásicos de los 70, con un cantante carismático, lleno de lascivia, sex appeal y una voz de gran variedad de registros, una base de ritmo competente, compenetrada y muy sólida y un guitarrista absolutamente revolucionario. En una época de transición en el Hard Rock americano, con unos Aerosmith virtualmente destrozados por el alcohol y las drogas, con los grandes grupos de los 70 en retirada y con Inglaterra y Europa dominadas por la resaca del punk rock del periodo 1976-77, de pronto surgía cosechando un éxito inaudito un grupo de la vieja escuela que sorprendía por su dureza, su agresividad y su personalidad. Canciones que eran todo un ejercicio de futurismo en el rock de aquellos años, como la que hemos mencionado antes, el instrumental “Eruption”, hit-singles como el cover de “You Really Got Me”, que no tardó en hacerse pieza esencial en cada concierto, o el celebérrimo “Running With The Devil”, medios tiempos en los que lo que destacaba más era la versatilidad de la voz de Dave Lee Roth, como “Little Dreamer” y joyas que han quedado ya como clásicos del grupo como “Jamie´s Crying”, compuesta durante las mismas sesiones de grabación.
La crítica, incluidas revistas como el mismísimo Billboard magazine, sorprendidas , reaccionan saludando positivamente esa bocanada de aire joven y fresco que supone la irrupción de Van Halen en el rock americano, y el mercado no tarda en reaccionar: ‘Van Halen I’ es disco de oro en el mes de mayo, y el 10 de octubre, la R.I.A.A certifica el platino ¡de un disco de un estilo de rock que se consideraba literalmente muerto y enterrado!
Más cifras: En enero de 1979, la revista Guitar Player, por votación de sus lectores, elige a Eddie Van Halen mejor guitarrista del año, a ‘Van Halen I’ erl mejor disco de 1978 y al acabar ese año, el debut de VH ha estado tres meses en los charts de superventas asmericanos y dos meses en las listas inglesas, llegando a estar en el puesto nº19.
“Puede que hiciéramos discos mejores, pero creo que nunca tuvimos un nivel de creatividad y de inspiración tan grande como cuando hicimos nuestro primer disco” –recordaba Alex Van Halen- “Eddie estaba ansioso por investigar, por explorar, por examinarse a si mismo como compositor como no loestuvo en ningún otro disco después, y en ese verano que estuvimos casi tres meses seleccionando el material que iba a ir al disco, era como si la música fluyese de nuestro cerebro como un grifo que dejas abierto. A cada canción Eddie sugería una cosa, cambiábamos el riff, llegamos a grabar hasta siete versiones alternativas de un mismo tema… ¡parecía como si fuéramos a grabar nuestro primer y nuestro último disco a la vez!”

‘Van Halen I’ fue definitivamente, un álbum que cambió la cara del rock y redefinió por completo todo un estilo musical para el que abrió horizontes de evolución nuevos y que sirvió como revulsivo para que miles de músicos en toda América se adentrasen en el rock duro hasta hacer de ese estilo una de las claves sin las cuales no se puede entender el rock americano de los años 80. Su éxito de ventas, que desde el ya lejano año 78 no ha dejado de incrementarse y la forma en la que ha quedado en la memoria de los seguidores del Hard Rock en todo el mundo hace de él, sin lugar a duda de ninguna clase, un álbum de rock clásico donde los haya.

SERIE GRANDES DISCOS EN DIRECTO DE LOS 80: RUSH

RUSH
'A Show of Hands' (enero 1989)
'Exit...Stage Left', era un disco doble en directo de Rush editado en 1981, de gran calidad pero que ya a finales de los 80, no era un álbum en directo que reflejara la calidad que Rush habían ganado en directo, en especial a través de la incorporación de toda clase de avances tecnológicos. Por ello, se seleccionaron fragmentos de los mejores conciertos de las giras 'Power Windows' de 1986, y 'Hold Your Fire' de 1988 cara a editar un gran doble en directo, que presentase a unos Rush actualizados y plenamente desenvueltos en directo.
Los shows del 31 de marzo y 1 de abril de 1986 en el Meadowlands Arena de East Rutherford, Nueva Jersey, del 27 de enero de 1988 en el Lakefront Arena de New Orleans, del 1 de febrero de 1988 en el Veterans Memorial Coliseum de Phoenix, del 3 de febrero de 1988 en el Sports Arena de San Diego, y finalmente, el show del 21 de abril de ese mismo año en el National Exhibition Centre de Birmingham en Inglaterra fueron la base de este excelente álbum, el mejor disco en directo de Rush de toda su carrera cuyas versiones de "Subdivisions", "Instant Early Warning", o el siempre favorito de sus fans, "Closer To The Heart", le dieron a 'A Show Of Hands' esa vitola de gran álbum de leyenda, con la misma aura de obra definitiva, de obra que marcaba un antes y un después que marcaban los legendarios dobles en directo de los 70.
De 'A Show Of Hands', se editó también un video-concierto del mismo nombre unos meses más tarde en la primavera de 1989, un DVD como parte de un box-set en 2006 y finalmente un DVD con el mismo contenido del VHS más algunos extras en 2007. En febrero de 1989, logró alcanzar el puesto nº21 en la lista de álbumes de Billboard. Por encima de modas más o menos fugaces, y con independencia de que su estilo de rock progresivo estuviera más o menos en boga en el momento, Rush seguían en vanguardia del rock ofreciendo espectáculos sensacionales, conciertos únicos e irrepetibles, y demostrándolo en álbumes en dirercto tan magníficos como 'A Show Of Hands'.

SERIE GRANDES DISCOS EN DIRECTO DE LOS 80: READING & DONINGTON

Finalizamos esta serie dedicada a los grandes live de la década de los 80 con dos directos que recopilaban momentos históricos de dos grandes festivales que caracterizaron la década, en especial en lo que al rock duro se refiere. Son dos discos difíciles de encontrar, pero si os hacéiscon ellos, os aseguro que merecen la pena.
1980 MONSTERS OF ROCK (1982)
Disco editado originalmente solo por la Polydor Japonesa en 1981, pero que ante el éxito conseguido en el mercado nipón, se editó internacionalemte un año después. Álbum compuesto por temas de cada una de las bandas que intervinieron en la primera edición del Festival de Donington de 1980, a excepción de Judas Priest. Destacan los dos temas de Rainbow, "Stargazer" y "All Night Long" en los que podemos disfrutar de un Richie Blackmore sensacional, único, el excelente "Another Piece Of Meat" de Scorpions, y el "I Like To Rock" de los canadienses April Wine. De la actuación de Saxon, que en este disco no fue recogida con demasiada fortuna, se editó un disco con el set en su integridad titulado 'Saxon Live At Donington 1980' en 1999.

READING ROCK (1984)
Doble álbum editado en España por la desaparecida compañía discos Victoria en 1984 que recopilaba diferentes grabaciones en directo llevadas a cabo en los conciertos del Festival de Reading entre 1980 y 1982. La producción por desgracia es en general deficiente, y los grupos que aparecen ,a excepción de Marillion, UFO, Budgie, cuyo "Superstar" del Reading'81 es de fábula, The Michael Schenker Group, cuyo "Attack Of The Mad Axeman" grabado con el recién reincorporado Gary Barden en el 82 es de lo mejor del disco o Randy California, no eran precisamente bandas de primera línea de aquel momento. Aún así, son dos discos que reflejan muy bien como era el ambiente del mítico Reading acomienzos de los 80, en los años en los que era, antes incluso que el propio Donington, la gran cita ineludible para todos los aficionados al rock duro en todo el mundo.

EL ARTE DEL HORROR: LA GRAN GUERRA DE 1914 Y LAS VANGUARDIAS PICTORICAS

Hasta el próximo día 10 de enero de 2009, aquellos que vivais en Madrid tendeis la oportunidad de visitar una exposición que os recomiendo muy especialmente y que os confieso que me ha impresionado mucho. ¡1914! La Vanguardia y la Gran Guerra, que se puede ver en dos tramos, el primero de ellos en el museo Thyssen Bornemisza y el segundo, en el edificio de la Fundación Caja Madrid, en la Plaza de San Martin, muy cerca de la Puerta del Sol.
La Gran Guerra, o la Primera Guerra Mundial, que es como se la llama por parte de la mayoría de los historiadores, es uno de los fenómenos históricos que más me interesa, sobre el que no me canso de ver documentales, películas, leer tratados, libros, testimonios, etc. y que opino que fue el hecho histórico de mayor trascendencia para la historia de la humanidad reciente, más incluso que la Segunda Guerra Mundial por cuanto esta no fue sino una consecuencia de la Guerra de 1914. Un conflicto de naturaleza enormemente compleja, en el que confluyeron muchísimos factores y que fue el más devastador que el mundo había conocido hasta aquel momento.
La Gran Guerrra fue la primera guerra total de la historia. Fue la primera contienda en la que se efectuaron bombardeos contra población civil que se encontraba muy lejos de las primeras líneas de los frentes de combate, que movilizó todas las industrias a la producción y a la economía de guerra, en la que se usaron armas como el gas mostaza y en la que se demostró, más que en ninguna otra, la naturaleza criminal, inhumana y odiosa del militarismo y del imperialismo. Millones de jovenes fueron lanzados como auténtica carne de cañon a morir en operaciones concebidas desde confortables salones en los castillos de Francia o Alemania por comandante y generales asesinos que provocaron la más horrible masacre jamás pensada por la mente más enferma que pudiera darse.
Gran parte de Europa pasó hambre, epidemias, se diezmó a una generación entera y fue tal el dolor, la locura, el horror y la paranoia que se vivió qiue en aquellos años se pensó que aquella guerra era efectivamente el final del mundo civilizado. Mientras imperios dirigidos por dinastías milenarias caían ante la artillería franco-británica y los revolucionarios rusos asaltaban el palacio de invierno se anunció la destrucción del arte, de la cultura, de todas las manifestaciones de aquella sociedad enferma que había provocado la guerra de 1914.
Todas aquellas vanguardias radicales, dadaísmo, ultraísmo, surrealismo, cubismo, nacidas de aquella visión deforme del mundo de las trincheras hediondas, de los cuerpos reventados, de los gritos de insoportable dolor de los heridos en los hospitales de campaña, se muestran en parte en esta interesantísima exposición.
Comenzando con obras fechadas en 1913, antes del comienzo de la guerra, en especial por artistas italianos muy vinculados al futurismo, Gino Severini por ejemplo, es increíble como no solo presagian la guerra, sino que incluso la fuerza de sus trazos, de sus pinturas, expresan una corriente de opinión que en aquel momento aún tenía una visión de la Guerra no solo como algo inevitable, sino deseable, que iba a acabar con una sociedad decadente y envejecida que daría paso finalmente al futuro. Las pinturas de los artistas vincullados al grupo aleman Die Pathetiker como Meidner y Steinhardt son también muy expresivas en este sentido.
Un espacio muy singular es el llamado Vórtice de la Destrucción, que a mi juicio es el que contiene cuadros de mayor fuerza, que transmiten con más profundidad lo que esa guerra estaba significando para el mundo. Impresionantes retratos de una naturaleza que agoniza, de bosques con millones de arboles muertos, son vegetación, quemados por el fuego de las bombas, que traen a la memoria las impresionantes imágenes de los cementerios en Francia dedicados a los soldados muertos y con los que no dejan de guardar una semejanza. El horror de esa destrucción esta reflejado en mi opinión de manera especialmente lograda en el cuadro Verdún, pintado en 1917 por Felix Vallotón.
Toda la distorsión que la guerra produce también esta presente en la pinturas que no tienen como motivo las trincheras o los campos de batalla. Metropolis, de George Grosz, es un cuadro que tiene la capacidad de introducirte en la angustia, el caos y el desorden de la ciudad, de una ciudad que se ha convertido en otro campo de batallla más.
En definitiva, es una exposición que os recomiendo que visiteis. Es una experiencia dura, no son románticos paisajes impresionistas ni pop-art, son obras de arte que duelen, que desprenden sufrimiento, que sobrecogen y que para quienes somos antibelicistas y antimilitaristas, reafirman esas convicciones.
Escribo este blog en la tarde del día de nochebuena. Recordando las imagenes de la exposicion, ojeando viejos libros sobre la Guerra de 1914, me viene a la memoria un recuerdo, quizá el único recuerdo medianamente humano que aquella Guerra dejó, la celebre Tregua del día de Navidad. Tal noche como esta hace 94 años, arriesgandose a perder la vida en consejo de guerra -como les sucedió a muchos de los oficiales que participaron o consentieron en esa tregua- los soldados franceses y alemanes dejaron de disparar, salieron de sus trincheras y cambiaron cerveza bávara por queso de Camembert. Hasta las 12 de la mañana del 26 de diciembre de 1914, un puñado de hombres fue capaz de parar una guerra contra las ordenes de sus superiores en un gesto que nunca jamás volvió a verse en una guerra a gran escala.
Esta nochebuena, habrá más de 60 millones de personas que vivirán en países sometidos a guerras civiles, tribales, luchas por el poder de señores de la guerra y facciones enfrentadas por motivos que seguramente ni siquiera conocen. Y allí, en Irak, en Somalia, en el Congo, en el Kurdistán, ni siquiera habrá una tregua de Navidad, ni quizá nadie sobreviva para pintar en un cuadro el horror de esas guerras hijas de la masacre de 1914.

RECORDANDO A JOHN LENNON: IMAGINA LA REVOLUCION

El recuerdo a la figura de John Lennon es algo que nunca pasa para mi desparecibido cada vez que llega el 8 de diciembre, la fecha en la que un perturbado mental acabó con su vida. Fundamentalmente, por la admiración profunda que siempre he sentido por Lennon como músico y como militante activo de la izquierda, cuyo compromiso con la paz, su apoyo a la organización de las Panteras Negras y su denuncia de los crímenes de guerra de Estados Unidos en Vietnam le costó una inhumana peresecución por parte del Departamento de Estado americano bajo la administración Nixon, quien le convirtió en su enemigo público número 1 y el ostracismo total por parte del gobierno y la corona inglesa, que jamás le perdonó que en señal de protesta por la política de su país en el conflicto de Biafra, Lennon devolviera envuelta en papel higiénico a la reina Isabel II la medalla de caballero del imperio británico que esta le había concedido en época de los Beatles.

En solitario, John Lennon hizo en los primeros 70 discos excelentes tanto en lo estrictamente musical como en el mensaje político del que estaban empapadas la mayoria de su letras. Especialmente inspirado fue su álbum de 1972, Some Time In New York City, en el que se posicionó a favor del no-sexismo y de la igualdad de la mujer ("Woman Is The Nigger Of The World"), criticó la represión y los crimenes del ejército británico en Irlanda del Norte ("Sunday Bloody Sunday"), exigió la libertad de la líder comunista encarcelada en los USA Angela Davis ("Angela") igual que en ese mismo año hicieron los Rolling Stones en su canción "Sweet Black Angel" y la represión policial contra los presos politicos negros en prisión ("Attica State").

Sin embargo, no hace mucho tiempo comentaba con una buena amiga en Barcelona, Laura, con la que compartí militancia en los años 80 en el PCE (marxista-leninista) que a pesar de esa postura activa y comprometida, en los 70 la izquierda comunista más combativa no consideraba a John Lennon un auténtico revolucionario. Su imagen pública pacifista más tópica y quizá la falta de un conocimiento profundo de las letras que Lennon escribió y de las posiciones que asumió hacía que se le viese como un aliado en la lucha, como alguien de nuestro bando, pero no lo suficientemente comprometido. Sin embargo, en esa charla con Laura comentábamos como "Imagine", que es considerada como una canción pacifista muy standard, que hasta ha servido para acompañar musicalmente anuncios de compañías de seguros, si se analiza con detenimiento su letra, es probablemente la canción más radical, más revolucionaria y más subversiva de cuantas escribió nuestro hombre. Veamos.

Imagine (Imagína)
Imagina que no existe el Cielo
es fácil si lo intentas
sin el Infierno debajo nuestro
arriba nuestro, solo el cielo
Imagina a toda la gente
viviendo el hoy...
Imagina que no hay países
no es difícil de hacer
nadie por quien matar o morir
ni tampoco religión
imagina a toda la gente
viviendo la vida en paz...

Puedes decir que soy un soñador
pero no soy el único
espero que algún día te unas a nosotros
y el mundo vivirá como uno solo

Imagina que no hay posesiones
quisiera saber si puedes
sin necesidad de gula o hambre
una hermandad de hombres
imagínate a toda la gente
compartiendo el mundo

Puedes decir que soy un soñador
pero no soy el único
espero que algún día te unas a nosotros
y el mundo vivirá como uno

¿Que está propugnando Lennon en esta canción? Pues en tan solo 26 versos, nada menos que imaginar un mundo sin posesiones, es decir, sin propiedad privada, sin fronteras que dividan y enfrenten a los pueblos, un mundo sin religiones alientantes, y en el que todo sea común, el mundo sea compartido. Imaginar a la humanidad como una hermandad, como la pretendían los primeros revolucionarios anarquistas y socialistas... ¿Hay algo más revolucionario que cuestionar la propiedad, la religión, el patriotismo? y todo ello en 1971.

La fuerza de una canción que encierra un mensaje mucho más profundo que el que se le atribuye habitualmente. ¿Qué opináis?

A los 28 años de su asesinato, cuando por fin el Departamento de estado norteamericano ha desclasificado toda la documentación sobre el espionaje al que John Lennon fue sometido, escucho de nuevo sus canciones, recuerdo el gran programa maratón radiofónico en el que tuve el honor de colaborar junto a Mariscal Romero en Onda Cero Musica- Onda 10 en diciembre de 1995, y me felicito por el hecho de que una de las grandes capitales revolucionarias del mundo, La Habana, junto al recuerdo a Ché Guevara y todos los héroes de la Revolución Cubana, haya dedicado también una estatua a otro héroe revolucionario, nuestro hermano, nuestro amigo, nuestro compañero John Lennon. Un músico que lucho por un mundo mejor, y que todavía muchos pensamos que quizá pagó con su vida el ser fiel a unos principios y a una filosofía de vida.
A working class hero is something to be...

CONTENIDOS PROGRAMA ROCK STAR 9 DICIEMBRE EN WWW.TNTRADIOROCK.COM

Hola a todos.

Como es habitiual, os envío esta comunicación para informaros del contenido de la nueva emisión de ROCK STAR que podeis escuchar en www.tntradiorock.com el martes 9 de diciembre entre las 9 y las 11 de la noche.
En la primera hora, podeis escuchar los últimos discos de CALLEJON, GUILLOTINE, MISERATION, IRON MAIDEN, un homenaje a DIMEBAG DARRELL con PANTERA y DAMAGEPLAN, noticias acerca de TESTAMENT, la nueva edición de los GRAMMY AWARDS y THIN LIZZY, rock español con WARCRY, ATLAS y CENTRYFUGAL, versiones de BLACK SABBATH Y CROW, y en la segunda hora, tributo a John Lennon con el directo de 1970 de la PLASTIC ONO BAND LIVE PEACE IN TORONTO 1969, y la serie de grandes discos de la historia del rock con JOE COCKER - MAD DOGS & ENGLISHMEN, JIMI HENDRIX - ISLE OF WIGHT' 70 y DEREK & THE DOMINOES IN CONCERT.

Espero que os guste y os recuerdo que para cualquier comentario, sugerencia o petición, podeis poneros en contacto conmigo en muniesa.rockstar@gmail.com
Gracias por vuestra atención y un saludo a todos.

¿FIESTA DE LA CONSTITUCION? NO CONTEIS CONMIGO

Hoy, 6 de diciembre de 2008, día lluvioso -al menos en Madrid- igual que aquel de 1978, se cumplen 30 años de la aprobación en un referendum abiertamente manipulado, dirigido y forzado por los poderes del estado español (el monarca, el gobierno de la derecha postfranquista de UCD, los partidos parlamentarios asimilados al sistema, la banca, los oligopolios mediáticos de prensa y radio, la televisión estatal, etc.) de la constitución del estado español actual. Una constitución que consagra en el papel -solo en el papel- una serie de importantes derechos cívicos y socioeconómicos, tales como el derecho a la vivienda, a un trabajo digno, a la no discriminación por razón de sexo, a la no confesionalidad del estado, o al acceso por parte de los trabajadores a la propiedad de los medios de de producción económica.
Derechos cuyo ejercicio lejos de estar garantizados ni amparados por ningún tipo de ley, se enuncian como meras declaraciones de intenciones, frente a las cuales los ciudadanos nos encontramos con que el derecho a la vivienda es una quimera secuestrada por la usura hipotecaria de los bancos que obligan a dedicar las tres cuartas partes del poder adquisitivo de cualquier trabajador medio a pagar por tener una casa que la constitución debería garantizar, con que el derecho al trabajo esta secuestrado por las ETT´s, o por empresas explotadoras a las que el estado permite despedir a miles de trabajadores so pretexto de "deslocalizar" los centros de trabajo, con que hemos tardado treinta y cinco años (¡35, tócate los cojones!) en reconocer el pleno derecho a la no discrminación por razón de sexo con una ley de matrimonios homosexuales, con que la cúpula dirigente de la iglesia católica se beneficia del dinero de todos, incluidos los no creyentes para hacer auténtico terrorismo medíatico ultraderechista, apologia de la homofobia y de la desobediencia a la ley estatal (educación para la ciudadanía) ante un estado que ni siquiera se atreve a derogar el concordato del estado español con el vaticano, ese estado ficción que se convirtió en cómplice del genocidio franquista durante la guerra civil bendiciendo el golpe de estado fascista como "cruzada en nombre de dios".
Pero es que por si fuera poco, la constitución que hoy los estómagos agradecidos del sistema celebran, confirma la monarquia como forma de estado, monarquía impuesta por el dictador Francisco Franco en la que se otorga al monarca la jefatura suprema de las fuerzas armadas con la facultad de ordenar al ejército intervenir si la "democracia" esta amenazada -dicho en román paladino: el rey aquí puede dar un golpe de estado militar con todas las de la ley- o si se atenta contra la "patria común e indivisible de todos los españoles".
Según informa en un completísimo y documentadísimo informe el diario Público, hoy solo la mitad raspada del censo daría su aprobación a la constitucion del 78. Hoy, hay un importante bloque social que esta a favor de que se pueda plantear abiertamente un proceso político democrático en el que se decida entre otras cosas, sobre la forma de estado entre monarquía o república o en el que se reconozca el derecho a la autodeterminación de Euskalherría y Paisos Catalans.
Por todo esto: quienes no tragamos con la hipocresía y la falsedad de este sistema pseudodemocrático, que estamos por una transformación total no solo de la sociedad española, sino del mundo globalizado, que defendemos la lucha de los trabajadores, de los pueblos oprimidos, de las culturas ignoradas, la lucha por la igualdad y la solidaridad... ¿tenemos algo que celebrar acerca de la constitución del 78? Pienso sinceramente que no.
Yo no me uno a este coro hipócrita de celebraciones para hacerse la foto y presumir de demócrata de cartón. Yo abogo por otra constitución, una constitución que sea verdaderamente democrática, lo cual implica NECESARIAMENTE que sea republicana, popular y solidaria. Que consagre mediante la garantia efectiva de la ley los derechos al trabajo, la vivienda, la cultura, a la dignidad y a la libertad. Que respete el derecho a la autodeterminación de los pueblos, que establezca la función social de la economía, la propiedad colectiva de los medios de riqueza y el reparto igualitario del beneficio. Que, como la constitución republicana de 1931, renuncie a la guerra como medio (¿te enteras, "Ansar"?) para la solución de conflictos y sea verdaderamente laica, no como la actual.
Que no se cuente conmigo para celebrar esta constitución. Yo sigo celebrando, por lo que tiene de ejemplo histórico y de esperanza para la humanidad progresista, el 7 de noviembre -¿para cuando otro Petrogrado, otro octubre revolucionario en Moscú?- y el 14 de abril, día de la auténtica libertad.
VIVA LA III REPUBLICA

WARCRY: ¡REVOLUCION O MUERTE!

WARCRY
Revolución
(Jaus Records/Avispa)

Desde mi Asturies, desde esos valles en las montañas de los macizos de Cabrales en los que la bruma y las nieblas emergidas desde la mar convierten los parajes montañosos en universos de leyenda y fantasía y en donde puedes o bien encontrar algun trasgu de gorru colorau o bien una hermosa Xana tejiendo sus madejas de hilo de oro a la orilla de los riachuelos, vuelven con un magnífico disco, lleno de canciones inspiradísimas, los Warcry que lidera uno de los mejores cantantes y compositores del Heavy Metal español contemporáneo, Victor Garcia.
Revolución, que es como se llama este nuevo disco, creo que refleja con gran fiabilidad el notable grado de madurez alcanzado por el grupo aún cuando su formación cambió no hace mucho tiempo, la mezcla de diferentes nuevas influencias plenamente integradas en su sonido Hard Rock/Heavy Metal, y por ende, la evolución y progresión que han vivido en estos últimos tiempos.
Simplemente, si se echa un vistazo al trabajo que desde el punto de vista técnico se ha hecho para este disco, el hecho de que la masterización haya corrido a cargo de alguien como Tom Beker de Precissión Mastering, cuya nómina alcanza a grupos como Alter Bridge, Avenged Sevenfold, Alice Cooper, Hoobastank, Judas Priest, Motley Crue o Monster Magnet por citar solo alguno de los más representativos, ya es garantía de calidad.
Ese fenomenal trabajo se ve apoyado por canciones muy trabajadas, en especial por la variedad de sonidos de guitarra y por el tratamiento de la voz, entre las cuales querría destacar entre las que entiendo son mejores, "El Cazador", quizá la que guarda una mayor proximidad con el power metal que tanta presencia tuvo en sus comienzos, "Absurda Falsedad", un Hard Rock muy clásico, "Nadie Como Tu", un corte de Heavy Metal muy tradicional aunque más melódico, "La Carta del Adios", otro corte básicamente Heavymetalero pero estructurado al estilo del rock progresivo, con muchos detalles de producción, y profundizando más en esa línea, llegando a sonar en la línea de unos Symphony X o unos Ayreon, "Abismo".
Cuando escribo estas líneas sobre este disco, en la página oficial de Warcry se publica que Revolución ocupa el puesto número 22 en la lista oficial de ventas de España, y ha logrado altísimas cifras de ventas pese a lo dificil de la situación del mercado discográfico. Una excelente noticia que confirma que con Warcry estamos ante una firma realidad del rock español, cuyo futuro no puede ser más prometedor.

ATLAS: SUPERGRUPO PARA UNA NUEVA DECADA

ATLAS Atlas (Pies Records)

Hablamos hoy de actualidad en el Heavy español. Seguro que muchos recordáis cuando en los 80 y 90 se hablaba de los "supergrupos", cuando por ejemplo prestigiosos instrumentistas de diferentes formaciones se reunían en proyectlos bien para un solo disco o bien con vocación de continuidad, como Damn Yankees, Asia o Mr.Big. Atlas es dentro del ámbito del Hard Rock español actual, un auténtico "supergrupo", dato que se constata de inmediato cuando se examina el curriculum de sus componentes: como cantante, Ignacio Prieto, ex vocalista de Reina de Corazones -¡que tiempos! aun recuerdo cuando pinchaba las maquetas de este grupo en Onda Verde y escribía sobre ellos en la sección "Democríticas" de la revista Heavy Rock- Manolo Arias en la guitarra, que ha formado parte en sus diferentes formaciones de Bella Bestia, Motores y Ñu, Angel Arias en el bajo, ex-Goliath, Niágara y Barón Rojo, y en la batería Jose Martos, cuyos tambores retumbaron también en Tritón, Niágara y Baron Rojo.
Pero al refererirnos a Atlas, y aun con lo importante que es el pasado individual de cada uno de ellos, lo que verdaderamente importa es el presente, y ese presente viene marcado por un disco de Hard Rock melódico de excelente factura, buenísima producción y canciones lllenas de fuerza y de sensibilidad. Dentro de un nivel general muy alto, las mejores canciones que yo destacaría de este disco de debut de Atlas son "Generación Sin Miedo A Vivir", un tema muy directo, muy válido para los conciertos, "El Imperio de La Ley", "Condenado Loco", este más melódico, podría ser una magnífica elección como single -si las radios programasen algo de rock, claro- y "2040 (El Mundo que hemos conocido)", este quizá el tema más duro, más heavymetalero y con una letra más emotiva y comprometida sobre como sería en el futuro una guerra global. Muy potente, como una explosiva combinación entre el "Addicted To That Rush" de Mr.Big y el "Highway Star" de Deep Purple, "Adicto a la Carretera", directo, rápido y super cañero. Y si te gustan las baladas, llena de sentimiento, de inspiración y sensibilidad "¿Quién no ha sido un perdedor?"
Atlas debutan con un disco de extraordinaria calidad, temas variados, todos ellos con un alto nivel de composición y producción, un sonido personal y muy trabajado y que pienso que debería consolidarse muy pronto entre las propuestas de futuro de mayor proyección del Heavy Rock español. Mi enhorabuena

THE ROLLING STONES - THEIR SATANIC MAJESTIC REQUEST (1967)

Este es el disco probablemente más controvertido de toda la carrera de los Rolling Stones, que más división ha creado tradicionalmente entre los stonianos, y sin embargo, a mi juicio uno de los más interesantes para escuchar, eso sí, partiendo de la base de que es un disco intencionadamente experimental, fruto de un ambiente y de unas circunstancias muy específicas de la década de los 60, y por supuesto sin pretender compararlo con trabajos posteriores. Yo he de decir que no es de mis favoritos, y que durante años y años no lo escuché, porque apenas me gustaba. Mientras he machacado hasta rayarlos el Exile... Let It Bleed, Some Girls, Tattoo You o Voodoo Lounge, Their Satanic Majestic Request acumuló polvo durante mucho tiempo, hasta que cuando empecé a escribir libros sobre los Stones, o artículos de prensa, lo desempolvé, lo escuché desde otra perspectiva y hoy creo que puedo dar sobre él un juicio más objetivo.
Cuando en 1998 escribí mi libro The Rolling Stones para Ediciones Cátedra, dije acerca de Their Satanic Majestic Request que era un disco que contenía muchas de las mejores ideas musicales de los Stones de los 60, pero probablemente demasiado recargadas, demasiado adornadas, incluso puede que demasiado difusas. Ello obedece en mi opinión a que durante la grabación de este disco es cuando se produjo de facto la ruptura entre Andrew Loog Oldham y los Stones. La relación entre ambas partes, que se había enrarecido precisamente a raíz de la irregular producción que Oldham hizo de Between The Buttons, se quebró completamente cuando éste se desentendió por completo de la situación de Mick, Keith y Brian cuando fueron juzgados y encarcelados por posesión de drogas. En el estudio, y ante las constantes discusiones y enfrentamientos, Oldham una tarde se levantó de la mesa de mezclas y dimitió como manager y como productor. Mick y Keith tomaron el mando sin la experiencia suficiente en el estudio como para dar forma a todo lo que querían experimentar.
Es evidente por otro lado, y además Mick Jagger lo ha explicado así en múltiples ocasiones, que el grupo no quería mantenerse al margen de la revolución que se vivía en el pop y el rock en Inglaterra entre 1966 y 1969. Los Stones siempre han querido a lo largo de toda su trayectoria aportar su visión musical de los diferentes fenómenos que han existido en el rock -desde la música disco con "Hot Stuff", "Miss You", "Dance" o "Undercover Of The Night" al reggae con "Cherry Oh Baby", la música étnica con "Can You Hear The Music o "Continental Drift" o hasta el tecno-industrial en “Might As Well Get Juiced”- en 1967 quisieron ser parte de esa revolución musical y optaron por introducir en sus canciones muchos elementos propios del rock psicodélico así como temas más experimentales, más progresivos, con transiciones y desarrollos instrumentales muy complejas, usando instrumentos como el mellotron, los primeros sintetizadores, clavicordio, arpa, violin, flauta o la tabla hindú y contando con la sapiencia musical de importantes colaboradores en la producción, caso por ejemplo de John Paul Jones y Jimmy Page, músicos de sesión habituales de los Olympic studios londinenses donde los Stones grabaron este disco y poco después miembros de Led Zeppelin, cuyos efectos de sonido jugando con los ecos y las grabaciones rebobinadas y reproducidas al revés son una característica fundamental en este disco en temas como "2000 Light Years From Home".
Con todas esas ideas en la cabeza, los Stones grabaron este disco entre febrero y octubre de 1967, poniendose a la venta en la primera semana de diciembre de ese mismo año y en un principio con el título de Cosmic Christmas, que se cambió a última hora por el de Their Satanic Majestic Request.
La prensa en general, salvo muy contadas excepciones, criticó con dureza el disco y acusó a los Stones de pretender el exito comercial imitando a Pink Floyd o a los Moddy Blues. Las evidentes semejanzas entre Their Satanic... y el Sargent Peppers Lonely Hearts Club Band de los Beatles, editado seis meses antes fueron otro argumento que la crítica empleó contra los Stones, acusándoles de imitar a los Beatles y de estar creativamente atascados.
No obstante, el paso del tiempo ha dejado a este disco en un lugar mucho más acorde con su calidad musical. "Citadel" es un fenomenal ejemplo de como los Stones habían escuchado y asimilado mucho del llamado British Blues (Traffic, Cream) y hacen en esta canción un rock con unas guitarras fabulosas, impregnadas de esa dureza y esa solidez del blues británico evolucionado que esta ya anunciando la explosión del Hard rock. Y si hay un tema que es puro rock progresivo, que retoma esa faceta más experimental, más arriesgada y difícil que los Stones ya mostraron en el "Goin´Home" de Aftermath, ese tema es el que encierra los casi 8 minutos de "Sing This All Together (See What Happens)".
"In Another Land", la única canción compuesta y cantada por Bill Wyman en la historia de los Stones si se puede decir que es pop-rock psicodélico muy de aquel momento, tanto por las melodías, los coros, los colchones de teclados... en esa misma línea musical, "The Lantern", en mi opinión la mejor canción de todo el disco, entra en ese terreno musical en el que se amalgamaban en aquel momento el pop convencional, la psicodelia y las primeras composiciones de lo que después se llamó rock sinfónico. "Gomper" es el tema más exótico, cabe imaginar que fruto de las experiencias vividas en Marruecos y que entronca, aunque desde un punto de vista propio y diferenciado, con esa fuerte corriente de influencia de la música hindú que entre 1967 y 1969 se vivió en diferentes ámbitos del rock. Y finalmente, la canción más conocida, "She´s A Rainbow", una preciosa medio balada romántica muy pop, con arreglos orquestales y una parte intermedia progresiva en la que Brian Jones se muestra como el consumado multinstrumentista que era, tocando el violín, la guitarra, el órgano electrico y el mellotron.
Hace algunos años me hice con una caja de seis cd´s pirata con las outtakes, tomas desechadas y canciones no acabadas de la grabación de Their Satanic Majestic Request, y resulta enormemente significativo que a juzgar por como eran algunas de las canciones, Their Satanic... podía haber sido un álbum mucho más progresivo, psicodélico y experimental todavía. Algunas versiones de "2000 Light Years From Home" o "Citadel" eran aún mucho más enrevesadas, recargadas de detalles de producción y extendidas en varios minutos. Y desgraciadamente, escuchando estas outtakes, se comprueba que la contribución musical de Brian Jones, todavía muy fecunda y valiosa en este disco, que fue casi el último que grabó con el grupo dado que en Begars Banquet estaba ya muy desligado de los Stones, apenas pudo salir a la luz en la mezcla final de este conjunto de canciones.
La polémica sobre este disco no se limitó en su día a su contenido musical. En Sudafrica se editó con el título de The Stones Are Rolling, puesto que las autoridades prohibieron que apareciera la palabra "satanic". La portada, que mostraba a los cinco Stones disfrazados de personajes de cuentos infantiles en un fondo psicodélico, y en cuyo centro aparece Mick Jagger vestido con una túnica negra de mago, fue uno de los argumenros de algunos supuestos expertos en ciencias ocultas que lo señalaban como una prueba más de que el cantante era un devoto de la magia negra.
En la primeras ediciones del disco, esta fotografia realizada en su momento por Michael Cooper, se puso en la portada en forma de imagen lenticular, es decir, que la imagen cambiaba según se moviera la portada en una dirección u otra o se mirase desde un ángulo u otro distinto. Meses después, en las siguientes ediciones la foto tridimensional se suprimió debido a al elevado coste de su impresión convirtiendo las ediciones anteriores en una cotizadísima pieza de coleccionista que me costó en su día una fortuna adquirir, pero de nuevo los "iluminados" empeñados a asociar a los Stones con el satanismo, aseguraron que la foto tridimensional se eliminó porque la compalñía discográfica se dió cuenta de que una de las imagenes lenticulares ocultas mostraba a un gran macho cabrío, animal que simboliza al demonio, encima del grupo.
Dado que este disco se grabó en el estudio que era el centro neurálgico del ambiente rockero de Londres en los 60, los estudios Olympic, los Stones pudieron contar con la colaboración de un amplio elenco de celebridadeas que pusieron su granito de arena en la obra final. Aparte de los mencionados Jimmy Page y John Paul Jones, John Lennon y Paul McCartney de los Beatles hicieron coros en "Sing This All Together", Nicky Hopkins tocó el piano en la mayoría de las canciones, y Steve Marriot y Ronnie Lane, guitarrista y bajista de los Small Faces colaboraron en "Sing This All Together (See What Happens)". Como curiosidad final, los ronquidos quese pueden escuchar al final del "In Another Land" son del propio Bill Wyman, al cual se los grabaron una noche que la grabación de un tema se prolongó hasta bien entrada la madrugada y se quedó dormido en un sofá.
Vuelvo a repetir que no estará nunca entre mis favoritos, pero cada vez que lo escucho, sigue teniendo para mi el mérito de llevarme a otra época, de reproducirme un escenario musical fascinante que solo he podido conocer indirectamente, el mundo del rock psicodélico, pero que gracias a discos como este Their Satanic Majestic Request, puedo imaginar con una enorme veracidad. Tal es la grandeza de la música.